Dangerous Music

Primal Scream - Screamadelica

2008-09-02T21:39:00.004-03:00

Você já mergulhou nas microfonias sombrias de The Jesus And Mary Chain? Das frases curtas e guitarras vigorosas do My Bloody Valentine? E as viagens dos Stone Roses? Caso não tenha, faça isso imediatamente. E no embalo, aproveite e conheça o Primal Scream, que tem como cabeça principal do grupo o insano, porra louca e brilhante escocês Bobby Gillespie, ex-baterista da banda dos irmãos Reid que em nada fica devendo para os dois em matéria de qualidade musical.

Vindos de uma época em que o rock teve sua mais acertada aproximação e afinidade com a música eletrônica (já que, em tempos atuais, isso foi desgastado por um exército de bandas que fazem apenas pastiche do que já foi feito de melhor), o grupo sempre foi afeito a trips tanto musicais quanto pessoais, levando um estilo de vida tão experimental quanto a sua música, combinando um negro rock com essa música que surgia timidamente e logo iria estourar com ícones noventistas como Daft Punk. Mas antes disso, em casas undergrounds do Reino Unido, levando toda uma geração do final da década de oitenta a ser chamada de acid-house. Nome este, convenhamos, mais que acertado ao combinar as batidas padronizadas e descoladas de um circuito ainda pequeno com a psicodelia alucinógena de um estilo musical já consolidado.

Mas foi no início dos anos noventa, quando Kurt Cobain e seus amigos grunges começaram a despontar na terra do Tio Sam, que Bobby cravou junto com seus companheiros seu disco definitivo, um dos melhores discos da década e, por consegüinte, de toda a história da música recente. O nome era "Screamadelica", e respirava um frescor inteiramente novo. A proposta do disco era, simplesmente, simular todos os efeitos de uma viagem de ecstasy musicalmente. O resultado? Bom, garanto que se algum clubber desse uma olhada (ou melhor, uma ouvida0 nisso aqui, o mercado dessa substância teria um sério concorrente para competir...

Alucinado e genial na mesma proporção, "Screamadelica" cita a tudo e a todos durante a sua viagem pelo subconsciente da cabeça nem um pouco convencional de Gillespie; "Movin' On Up" tem cara de ter saído de algum disco sessentista dos Rolling Stones, tanto que o produtor dessa música é Jimmy Miller, o mesmo do disco "Beggar's Banquet", da turma de Jagger é companhia. Pianos, bongôs, muito groove e um refrão com ginga de negão. "Slip Inside This House" e "Don't Fight It, Feel It" flertam com a música house e a new wave, em perfeito equilíbrio. "Loaded", com vocais gospel, não sabe se é jazz ou dance music, mas ainda assim barbariza. E, caramba, ainda tem "Higher Than The Sun", uma obra-prima totalmente viajante que vão morrer chamando de psicodélica, alucinógena, lisérgica e tantos outros nomes e ainda não chegarão nem perto da experiência surreal, inconsciente e inconsequente que é ouvir essa peça.

O Primal Scream, doido que eles eram, não reinaram absolutos. Seus companheiros de movimento o acompanharam com igual brilhantismo, e todos influenciaram grande parte do Rock que viria a seguir, como toda a geração britpop e grande parte do rock indie atual. E em meio a ainda muita doideira, Bobby Gillespie e seus comparsas ainda continuam representando um oásis de de música criativa - seja, no caso, a atemporalidade do ácido de "Screamadelica" ou seus álbuns mais recentes - instigando e hipnotizando o ouvinte. Por isso, meus caros, apaguem essa porcaria inútil de IDoser dos seus computadores. Se vocês querem sentir barato ouvindo alguma coisa, vão ouvir Primal Scream!

"I've glimpsed,

I have tasted,

fantastical places

My soul's an oasis,

higher than the sun"

Músicas:

01.Movin' On Up

02.Slip Inside This House

03.Don't Fight It, Feel It

04.Higher Than The Sun

05.Inner Flight

06.Come Together

07.Loaded

08.I'm Comin' Down

09.Higher Than The Sun (A Dub Symphony In Two Parts)

10.Shine Like Stars

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MÚSSÊ? MÚSÊ? MUSÊ? MUSE! MUSE! MUSE!

2008-08-04T15:15:00.008-03:00

But I'll never let you go
If you promise not to fade away
never fade away

Our hopes and expectations
Black holes and revelations

Prometendo fazer um show em menor formato sem dispensar a intensidade das grandes apresentações, Matthew; Christopher e Dominic entraram no palco do Vivo Rio no Rio de Janeiro depois de uma abertura tumultuosa de Jay Vaquer e muitos gritos da platéia eufórica embalados pela já famosa introdução Dance Of The Knights, as palmas ritmadas e muitos ôôô da Knights of Cydonia que de leve ia tomando lugar diante de nossos olhos e ouvidos.
Escutar Muse é sem dúvida embarcar num universo paralelo, um misto de dor com felicidade, uma euforia incurável, e esta música mais que qualquer outra nos deixa ciente de que a nave mãe chegou para levar seus pequeninos numa viagem inesquecivel.
Enquanto "No one's gonna take me alive/ The time has come to make things right / You and I must fight for our rights/ You and I must fight to survive" iam aparecendo no telão central do palco, podia-se ver pessoas perdendo a cabeça e pulando numa sincronia linda.

Depois de ficar bem esmagada, e ainda me segurando na grade, dei meu ''primeiro'' grito oficial da noite ao ouvir os acordes de Hysteria, finalmente tinha realizado que estava num show do Muse e que não era de mentirinha, nem em DVD, aposto que muitos fãs se sentiram assim entre os dias 3o de junho a 2 de agosto, quando os caras fizeram sua ultima apresentação em Brasília, no Festival Porão do Rock. Nessa hora já tava todo mundo acabado, cantando junto todas as frases e os caras esboçando uma alegria absurda enquanto tocavam, o que, claramente transparecia nos vocais de Matt. The Groove com cerca de 2 minutos de Jam Session levaram os fãs mais xiitas da banda ao delirio e deu aqueles menos desavisados uns minutos de descanço, nessa hora deu pra perceber como o agito diminuiu e a casa ficou mais tranquila, a guria que tava na minha direita até parou de pisar loucamente no meu pé e deu pra pular com mais facilidade! Foi fantástico (a música e, claro, poder pular sem machucar o pé). Ensaiando um "Obrigado Rio de Janeiro, Amamos Vocês", Matthew Bellamy seguiu agitando o povo na palma para começar com Dead Star que arrancou um ou outro suspiro enquanto o cara loucamente cantava linhas brilhantes como "Shame on you / For thinking you're an exception / We're all to blame / Crashing down to Earth". Um momento de extremo ecstasy no show, mais um momento de relaxamento pros desavisados...
Map Of The Problematique e os "WOW WOW WOW WOW" somados a aplausos da platéia fazem os caras olharem uns pros outros e darem aquele sorriso bonito que todo fã quer ver, nessa hora, se bem me recordo, Matthew Bellamy já tinha tirado a jaquetinha e exibido uma bela camisetinha branca, dividindo o calor do Vivo Rio com o povo esmagado na pista e os não-esmagados da pista VIP. O mais incrível é que os agudos do cara vão a potência máxima e ainda assim sua voz é delicada. Finalizando a música de forma brilhante e alternativa, puxando um rock and roll bem mais seco e pesado do que o anterior.

Uma pausa para respirar e as luzes piscantes e o vídeo no telão central anunciavam o ínicio de Supermassive Black Hole, um dos pontos altos da noite porque os caras já estavam bem mais a vontade com o público, que respondeu da melhor forma possível.
Se a gente achava que não podia ficar melhor, a casa toda escurece de modo que as luzes azuis do palco ficam ainda mais aparentes, enquanto vozes entoam no escuro, emocionadas"Change everything you are / And everything you were / Your number has been called". Com as luzes já piscando e muita (mes-mo) emoção saíndo de todos os lados para todos os lados, Butterflies And Hurricanes é o ápice! Pois, O QUE É AQUELE PIANO, MATTHEW BELLAMY? O cara matou todos nós do coração, uma das coisas mais lindas de se ver ao vivo... Não tem como descrever, só vendo mesmo, segue o link: http://www.youtube.com/watch?v=VywqqYkI230

Depois disso, Sunburn, todos cantando juntos, dando uma escorregada na letra, chorando, gritando. O que o povo não faz por um hit, não é?
Cansado, Matt dá uma sentadinha no piano e, como não quer nada, os caras lançam uma pequena introdução em jazz que segue de Feeling Good e muitos papéis picadinhos lançados do bolso de várias pessoas na platéia. No telão vemos imagens bonitinhas e irônicas, todos cantam juntos " Stars when you shine you know how I feel / Scent of the pine you know how I feel / Oh freedom is mine / And I know how I feel." Mas é quando a bateria de Dominic aquietasse e, quietinha, anuncia que Matt vai pegar no auto-falante que todo mundo vai ao delírio. O pessoal joga mais papel picado e os caras arremessam uns 'presentinhos' pros fanáticos colecionadores de plantão.
A maravilhosa Osaka Jam (!!!) e um bocado de aplausos, Invincible e um bocado de choradeiras, aquelas imagens de criancinhas e de índios... Ai ai... Mas é em New Born e seus dois riffs sequenciais que o show saí da depressão e volta com tudo, seguido da aclamada e famosissima Starlight (e o começo dos olê olê olê musê musê)...
Mas é a introdução improvisada em Bossa Nova de Time Is Running Out que leva o troféu da noite, mais uma que não dá para simplesmente falar, todos os cariocas se sentiram homenageados ao máximo nessa hora e a banda parecia se divertir bastante : http://www.youtube.com/watch?v=N4DDMH3v9qU Um momento do show curto porém eterno.
E, é soltando balões (enormes!) de felicidade que Muse, supostamente, acaba o show com Plug In Baby e todo mundo lutando por um pedacinho dos balões... Lindo, lindo. Uma mega produção em tamanho de bolso, e muita distorção daquelas que sua vizinha não suportaria escutar mas você teima colocar no último volume. MARAVILHOSO!

E, depois do breu final do show os cariocas pedem mais, muito mais. Tá todo mundo com gostinho na boca e a barriga ainda num tá cheia, e é aí que o cantigo entoa, dessa vez vindo da platéia para os caras: Olê olê olê olê Musê Musê! Olê olê olê olê Musê Musê! Olê olê olê olê Musê Musê!

Alguns minutos de espera, que, definitivamente valeram a pena. Quem saiu e desistiu de ver as duas músicas finais deve se arrepender amargamente, pois Stockholm Syndrome com seu final modificado deu lugar a maravilhosa Take A Bow, as duas foram elétricas!

Yeah you'll burn in hell For your sins, Muse. Ai ai ai, Deixar o povo todo querendo mais, com toda aquela fumaça no final?

Bem, shows sempre foram meu ponto fraco... Passo fome no lanche da escola mas não deixo de juntar uma grana pros mais bacanas que vão rolar, o Muse valeu todos os dias de barriguinha vazia pela manhã! E como valeu.
Agora é só esperar, dizem que a banda gostou tanto do público brasileiro que quer voltar em breve.

E, que venham com muito mais bossa nova que a gente vai melhorar os gritos no silêncio (porque chega de olê olê né?!) e afinar os uuuuuuuuh dos refrões.
Esperaremos.

:* Liz

The Kinks - The Kinks

2008-08-02T17:17:00.003-03:00

Qual fã dos anos sessenta que não é maluco pelo The Kinks?

O quê? Você conhece pouco dos anos 60? Só chegou a ouvir Beatles e Rolling Stones e no máximo ouviu falar de Bob Dylan? Bom, pelo menos deve ter passado uma excelente impressão da década, não é mesmo? Pois então, os Kinks surgiram lá na Inglaterra, junto com as turmas de Lennon e Jagger e outros grupos como The Who, Small Faces, The Animals, Manfred Mann e Yardbirds, explodindo na primeira metade da década e invadindo as praias estadunidenses, fazendo a cabeça de um considerável pessoal que mais tarde também montaria suas bandas clássicas e também seriam igualmente influentes. A proposta era muito simples: o já gigantesco rythym and blues e rock and roll de negrões cinquentistas como Chuck Berry e Bo Diddley, só que releito por garotos brancos ingleses, abandonando a condição de música sensual e provocante feito por um grupo discriminado e alçando ora uma verve romântica e melódia tirada do pop, ora o blues agitado que pôs toda uma geração no embalo de guitarras.

Porém, assim como o The Who, o Kinks ia além, exagerando mais ainda na gritaria e intensidade de suas canções. Mas se não ganhavam no grito da selvagem banda de Pete Townshend, a banda dos briguentos irmãos Ray e Dave Davies - ambos cantores, guitarristas e compositores principais da banda - se destacava por tratar de temas inusitados, com humor ácido e romance de cabeludos abusados combinado com refrões grudentos, backing vocals altamente cantaroláveis e energia de sobra nos riffs rápidos, incisivos, simples e memoráveis.

O primeiro álbum é dos exemplos mais bem-acabados do conjunto de características do grupo, um resultado final que na sua época era capaz de agradar mods, rockers, pré-punks, músicos de garagem, jovens rebeldes, revoltados reprimidos... E hoje relaxa tranquilamente como um dos grandes clássicos do Rock da sua época. Para quem quiser o rock mais agressivo, há a faixa de abertura "Beatiful Delilah", rápida, berrada, descompromissada, divertida e que não dá descanso aos ouvidos; e também a primeira canção do rock a popularizar os power chords, "You Really Got Me", um rythm and blues com guitarra distorcida, com letra romântica e vocais esgoelados, o que fez de ser de enorme influência, anos mais tarde, em estilos como o punk e o hard rock, inclusive tendo uma regravação feita pelo extravagante Van Halen logo em seu primeiro disco. Há também aquelas não tão berradas, mas igualmente cativantes, como "I Took My Baby Home" e "Just Can't Go To Sleep". O humor diferenciado da banda aparece de forma hilária mas nem por isso menos excelente "Bald Headed Woman" (referência ao sucesso cinquentista "Hard Headed Woman" - só que no caso, a mulher de cabeça difícil virou uma mulher de cabeça careca!), "I'm A Lover Not A Fighter" e "Too Much Monkey Business", essa uma regravação ao estilo Kinks de se tocar do eterno mestre Chuck. Não poderia deixar de citar, ainda, a última faixa "Got Love If You Want It", uma cadenciada e marcante canção que figura facilmente entre as três melhores do disco.

Se você conhece, provavelmente é fã desses ingleses e sabe a importância deles na história, ainda que eles não sejam bambambams feito os Stones e os Beatles. Se você não conhece, mas curte um agito dos brabos, daqueles para durar uma festa inteira, esse disco é um dos essenciais. Energia, animação, paixão e, principalmente, rock and roll na dose certa. Nunca vi ninguém ficar tão mal-humorado depois de ouvir uma das mas adoráveis crias de uma era tão, desculpe a nostalgia e o clichê do termo, mágica.

"See, dont ever set me free

I always wanna be by your side

Girl, you really got me now

You got me so I cant sleep at night

Yeah, you really got me now

You got me so I don't know what Im doin, now

Oh yeah, you really got me now

You got me so I can't sleep at night

You really got me!"

01 Beautiful Delilah 2:07
02 So Mystifying 2:53
03 Just Can't Go to Sleep 1:58
04 Long Tall Shorty 2:50
05 I Took My Baby Home 1:48
06 I'm a Lover Not a Fighter 2:03
07 You Really Got Me 2:13
08 Cadillac 2:44
09 Bald Headed Woman 2:41
10 Revenge 1:29
11 Too Much Monkey Business 2:16
12 I've Been Driving on Bald Mountain 2:01
13 Stop Your Sobbing 2:06
14 Got Love If You Want It 3:46

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caetano veloso – caetano veloso (1969)

2008-04-18T01:41:00.002-03:00

ok, talvez você também não goste muito de caetano veloso. é compreensível. quero dizer, o cara não é exatamente o artista mais amado do mundo. ele é controverso. alguns o chamam de gênio, outros de prepotente. sua vida pessoal contamina sua imagem musical. alguns pensam nele apenas como um baiano que cria músicas pop. não cabe a mim defini-lo. se você já leu até aqui, imagino que goste dele o suficiente para pelo menos ter uma certa curiosidade. pois bem. caetano veloso é um músico único. em 1969, logo depois do orgasmo tropicalista, e logo depois também de ser preso no rio de janeiro por suas idéias amalucadas acerca da sociedade e música e política e comportamento etc., preso num estúdio em salvador, bahia, ele e gilberto gil gravaram o grosso de um disco que foi mandado a são paulo, onde o maestro rogério duprat acrescentaria os instrumentos que faltavam, desde os de sopro até as guitarras elétricas. pois sim, guitarras elétricas. esse é um disco de rock, ou quase. aliás: de rock, não. de tropicalismo transbordando rock psicodélico. não é nenhum absurdo considerar esse álbum uma das maiores obras de rock brasileiro de todos os tempos. mas isso não importa muito, aqui o absurdo é normal.

é muito fácil imaginar o que se passava na cabeça do então jovem caetano: uma corrente de ritmos, desde o rock and roll até o tango, passando pelo samba, pelo rock psicodélico, pela bossa nova, pelos beatles e por outras maluquices generalizadas. ter isso tudo na mente não é grande coisa. se fosse, o brasil seria a maior potência musical do mundo, porque aqui os artistas são todos muito ecléticos. mas conseguir juntar isso tudo numa só gravação, num disco linear, misturar esse caldeirão de barulhos num som único e envolvente, ha, meu caro; isso poucos conseguiram. e é por isso que essas canções devem ser não apenas analisadas, mas, principalmente, ouvidas. pelo menos esse recohecimento elas merecem, e como merecem. mas não tente resistir - ouça e ouça novamente, compre em lp e faça o vinil ser riscado pela agulha, baixe tudo de uma vez e encha seu hd com esses versos, grave em cd e beba aos poucos de uma garrafa ao som de caetano, bote numa fita cassete e dê de presente - viaje!

é com ''irene'' que se abre a obra-prima. ao som de ''um, dois, três'', entra uma melodia de violão, alegre e encorpada, que se mistura a flautas, algumas guitarras, e alguns ruidinhos viajantes. a letra, que não chega a ser alegre, mas sim otimista, fala sobre um tal, que narra a vontade de partir e a admiração pela moça: ''eu quero ir, minha gente/eu não sou daqui/eu não tenho nada/quero ver irene rir/quero ver irene dar sua risada'', sendo que esse último verso é seguido por uma jorro de flautas que imita a risada da irene, essa que começa a dançar em frente aos seus olhos junto às cordas, aos sopros de felicidade, à voz, dentre os outros risos. as influências são meio distorcidas, pode-se ouvir uns batuques baianos atrás, um violão, no fim guitarras gritantes... tem uma atmosfera que nos lembra as faixas acústicas do white album dos beatles - o que não é estranho, levando em conta que esse disco não deixa de ser o álbum branco de caetano. já abriu um sorriso? se sim, ótimo. e prepare-se, tem mais alguns a caminho.

se ao ouvir os acordes tristes do começo de ''the empty boat'' você pensar que se trata de uma canção melancólica, estará certo. mas não é só disso que se trata: aqui a beleza é feita da leveza das cordas, do canto, em inglês: ''da popa ao arco/meu barco está vazio/meu coração está vazio'', ''do leste ao oeste/a corrente é longa/sim, meu sonho está errado/do nascimento à morte'', até que mais elementos caóticos são acrescentados nesse refrão, que se repete como um choro que não pára - choro esse que a guitarra faz questão de acompanhar. esse sentimento de partida permeia todo esse disco, talvez porque o autor, depois de tantos problemas com a ditadura, já imaginava que teria que deixar o brasil em breve; como de fato fez, quando foi com gil a londres para um exílio, onde ficaria até '72. é uma tremenda viagem...

uma guitarrinha abre uma música folclórica, onde já se viu? ''marinheiro só'', canção que provavelmente os escravos cantavam nos tempos em que zumbi ainda andava por aí com a cabeça no corpo, recebeu uma roupagem toda nova de caetano. cantando uma singela letra sobre um marinheiro solitário, o baiano assume suas raízes e nos envolve nesse ritmo dançante, que pode ser sapateado ou por seus batuques africanos, ou por seus solinhos à la hendrix. não se surpreenda se se pegar cantarolando ''eu não sou daqui/eu não tenho amor/eu sou da bahia/de são salvador'' - dance, curta, aproveite como se aproveita as melhores canções. se possível, agarre seu amor e suspire em seus ouvidos os versos. um êxtase apaixonante, mesmo.

você começa a ouvir e acha que é uma bossa nova de gringo. ledo engano, falta grave: ''lost in the paradise'' tem um começo meio tim-tim-tim tim-tim-tim-tim, mesmo, é verdade. mas o refrão, outro exemplo da música brasileira em inglês, ''não me ajude, meu amor/meu irmão, minha menina/só me diz o nome dela/só me deixa dizer quem eu sou'', começa como uma seção da música com instrumentos de sopro, mas então vira um rock agitado, e aposto que de novo vai ser difícil resistir o canto. um clima mais psicodélico se abre nos intervalos, com os versos ''seus grandes dedos brancos de plástico/cercam meu cabelo verde-escuro/mas não é sua mão direita desconhecida''... aqui a gente é cativada pelo vocal, que tem uma capacidade incrível de convidar para pular.

vamos assumir: brasil é terra de carnaval. mas ninguém disse que marchinha não pode ser um troço rock 'n' roll. ''atrás do trio elétrico'' é a maior prova disso. esse lanny não toca guitarra, ele faz mais: transforma qualquer coisa em música elétrica. agora é a hora de fazer fila indiana e sair pulando e cantando ''atrás do trio elétrico só não vai quem já morreu/quem já botou p'ra rachar/aprendeu que é do outro lado/do lado de lá do lado/que é lá do lado de lá''. música brasileira em todas as suas formas: é disso que se trata.

o fado português é um gênero musical com um ar que transpira a europa, com umas cordas saltitantes e letras que tratam da saudade. em ''os argonautas'', não apenas é usado o tal estilo, como também chega a ser uma ode ao povo de portugal, desde o sotaque até a metáfora dos navios - e aqui ao ouvir nós ficamos navegando pelas ondas que embalam os versos, ''o barco, meu coração não aguenta/tanta tormenta/alegria, meu coração não contenta/o dia, o marco, meu coração/o porto, não''. uma experiência única: passaporte direto para a península hibérica. pusta música.

com um desafino tão bem colocado que fica belo, caetano começa ''carolina'', bossa nova de chico buarque, que aqui fica com um tom bem mais intimista, calado, e, por que não?, romântico, com seu tom de serenata. mas como é de praxe neste disco, os momentos de calmaria se entrelaçam com tocadas mais agitadas, que parecem correr por seus olhos. para terminar, alguns violinos choram por carolina. definitivamente, todas as caróis desse mundo são privilegiadas.

''que o mundo foi e será uma porcaria, já o sei...'': começa assim ''cambalache'', um tango maluco cantado em espanhol... se quiser se sentir na própria argentina, é só ouvir. o clima é o mesmo, cheio de reviravoltas teatrais, choros castellanos. claro que caetano não poderia deixar de ser louco, e vai botando algumas piadas no meio da letra, como, por exemplo, citações aos beatles. mas isso não tira a originalidade da faixa, que é na verdade uma regravação de uma canção antiga, que chegou a ser gravada por carlos gardel. aqui você decide entre entrar na dança ou só rir. aos que falam espanhol, é um poço de interpretações.

se antes a beleza era algo puramente lírico, aqui chega ao nível onírico. a guitarra, no começo de ''não identificado'', soa como a chuva caindo (talvez fosse essa mesma a intenção), chuva essa que ajuda a delinear a voz que canta ''eu vou fazer/uma canção p'ra ela/uma canção singela/brasileira/para lançar depois do carnaval'', e continua a embalar esse ambiente de sonhos, até o momento que explode em surrealismo corrente, quando os acordes se tornam mais e mais distorcidos e a canção de amor se transforma numa verdadeira viagem, dizendo ''minha canção há de brilhar na noite/no céu de uma cidade do interior/como um objeto não identificado'' etc. puta que o pariu, poucos artistas brasileiros conseguiram tamanho sucesso com uma música que, se não pode ser considerada tão boa quanto a psicodelia estrangeira, é ainda melhor!

essa aqui, ''chuvas de verão'', não é muito mais que uma canção de amor... mas que canção. com um ritmo arrastado, como que dançante, caetano chora ''podemos ser amigos simplesmente/coisas do amor nunca mais/amores do passado no presente/repetem velhos temas tão banais/ressentimentos passam como vento/são coisas de momento, são chuvas de verão''; perfeita para ser dançada a dois ou, simplesmente, para se assobiar junto, ou ainda com o intuito de se perder entre os versos que parecem escorrer de seus alto-falantes.

qualquer descrição da faixa seguinte, ''acrilírico'', seria um engano. como poema falado que é, seria mais cabível aqui a transcrição da letra:

olhar colírico
lirios plásticos do campo e do contracampo
telástico cinemascope
teu sorriso
tudo isso
tudo ido e lido e lindo e vindo do vivido
na minha adolescidade
idade de pedra e paz
teu sorriso quieto no meu canto
ainda canto o ido o tido o dito
o dado o consumido
o consumado
ato
do amor morto motor da saudade
diluído na grandicidade
idade de pedra ainda
canto quieto o que conheço
quero o que não mereço
o começo
quero canto de vinda
divindade do duro totem futuro total
tal qual quero canto
por enquanto apenas mino o campo ver-te
acre e lírico o sorvete
acrilíco santo amar(g)o da pu(t)rificação

para terminar essa insanidade toda, ''analfômega''. composta por gilberto gil, esse rockzinho (sem guitarras, porém) se estende encorpando a letra, que fica com o canto mais aloprado conforme seus versos se tornam mais confusamente interpretativos. em resumo: é maluquice crescente, mas de uma maneira incrível. poema puro, que pode ser entendido da maneira que for mais interessante: ''o analfomegabetismo/somatopsicopneumático/que também significa/que eu não sei de nada sobre a morte/que também significa/tanto faz no sul como no norte/que também significa/deus é quem decide a minha sorte''. disso não passa, mas essas poucas palavras sintetizam perfeitamente todo o pensamento da época: completa falta de sentido, mas que, se olhada atentamente e, principalmente, com o espírito próprio, faz qualquer um se sentir como que falando tudo e nada ao mesmo tempo. nessa canção em especial, uma negação absoluta à toda à caretice da época, ao falar difícil, ap parecer culto, e também uma celebração à vida, ao não se preocupar, ao confiar em algo além desse mundo, longe de todo o perigo dos militares... bobagem? talvez. mas talvez seja também um canto espontâneo, cru, humano, natural e cada vez mais - ontem, hoje e, se tudo der certo, sempre - nosso.

aos que acharam o disco ou a resenha uma merda, meu sincero ''foda-se''. aos que se interessaram ou já conhecem algo ou tudo do disco, minhas congratulações. aos que quiserem ouvi-lo, abaixo o link para download. e bom proveito!

baixar aqui

ou baixar aqui.

Bob Dylan - Blonde on Blonde

2008-04-08T00:57:00.004-03:00

Desculpem a falta de imparcialidade, mas, nada do que você ler abaixo é uma resenha. É mais uma declaração mesmo, um agradecimento, uma mostra de admiração... Que na verdade nem deve ter sido com tal intenção, mas quando o som chegou até os ouvidos... A vida não podia ser mais a mesma sem anunciar aos sete ventos que maravilha do mundo moderno eu estava testemunhando... E se não o fiz antes... Bem, antes tarde do que nunca, diziam os sábios.

Além do que, se eu me obrigasse a ser imparcial, você leria tudo o que você já sabe. É novidade que o americano Robert Allen Zimmerman é uma das figuras mais emblemáticas em matéria de música, cultura e comportamento no século vinte? Não. Você já tem plena noção disso. Que ele compete em pé de igualdade com Frank Sinatra, James Dean, Charles Chaplin, Elvis Presley, Marlon Brando, The Beatles, os Rolling Stones? Que há mais de quarenta anos o músico poeta (ou seria poeta músico?) pegou seu violão e exprimiu a primeira frase que o catapultaria das sombras para os holofotes em sua composição "Blowin' In The Wind": "Quantas estradas precisará um homem andar/Antes que possam chamá-lo de um homem?".

Daí em diante, foi céu e inferno para o cantor. Os vampiros da mídia o cercando por todo lado como um novo messias, a transição da música folk para o seu folk-blues-rock and roll elétrico e altamente autoral e a conseqüente revolta de antigos fãs que não toleraram tal mudança, frustrações, conversão ao cristianismo, ostracismo... O homem que encarnou Dave Van Ronk e Arthur Rimbaud, que foi além de ser mera mistura de Dylan Thomas com Woody Guthrie conheceu todos os ritmos, estradas e pessoas. E todas elas foram registradas em alguma das mais geniais poesias do século. E depois ganharam cordas, voz e todo um novo alcance.

Escolher o melhor disco de Dylan para disponibilizar é injustiça. Mais justo seria disponibilizar de uma vez todos os seus discos. Então vai um aleatoriamente. Um dos meus preferidos "Blonde on Blonde". Quem acompanha o blog sabe que eu tenho aquela mania de falar que não dá pra expressar tudo nem se eu realizar uma monografia. Mas juro que não é hábito de preguiçoso. É que me sinto tão herético em interpretar, impôr interpretações, descrever cada entonação, virada ou melodia... Principalmente em discos como esse.

Como não se render à chapaceira anárquica, divertidíssima e dançante de "Rainy Day Women #12 & 35"? Em que no som mais "Memphisniano" que já atingiu, fala que todos querem deixa-lo alto, chapado e ligadão... E conclui dizendo que "eu não me sentiria tão sozinho/todo mundo deve ficar alto!". E os sete deliciosos minutos de "Visions Of Johanna", com sua letra nada menos que sublime?

Também é animador notar um apaixonado e límpido Bob Dylan em dois de seus maiores clássicos: "Just Like A Woman" e "I Want You"? Baladas tão perfeitas, com cara de feitas na hora, letras escritas no joelho, e melodias de guitarra, piano e gaita que vinham naquele segundo, naquele momento... É tudo tão espontâneo, que parece que o disco foi composto ontem, dado o seu frescor. E o que são versos feito "Ela te prende como uma mulher/Ela faz amor assim como uma mulher/E ela geme assim como uma mulher/Mas ela se magoa que nem uma pequena garotinha" e "O saxofone de prata disse que eu deveria te rejeitar/(...)/ Mas as coisas não são assim/Eu não nasci para te perder"?

E ainda tem outros momentos que as lágrimas se equilibram nos olhos só de pensar em escrever. "Stuck Inside Of The Mobile With The Memphis Blues Again", "Absolutely Sweet Marie", "Sad Eyed Lady Of The Lowlands"... E queria eu poder dizer que estou exagerando. Quem conhece sabe como tudo soa cru e sofisticado, espontâneo e conciso... Blonde On Blonde. Setenta e três minutos de pura perfeição. Que eu não me atrevo a chamar de nada menos que genial.

E pela madrugada mais negra,
Pelo romance mais doce,
Durante a perda mais amarga,
Zimmerman canta.

E nada consegue ser tão visceral e tocante quanto isso. Ah, quase nada. Meus caros Beatles e Rolling Stones, juro nunca esquecer vocês mas... Essa noite é de Dylan.

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Kings of Convenience

2008-04-02T11:08:00.009-03:00

Erlend Øye e Eirik Glambek Bøe são dois noruegueses nascidos em 1975 e amigos desde os 11 anos. Antes de formarem o Kings of Convenience, ambos tocaram no Skog, que apesar de terem gravado um EP, não fizeram tanto sucesso.

Em 1999, Erlend e Eirik montaram o Kings of Convenience com uma idéia simples: violões e vozes calmas em melodias sutis. Dois anos depois lançaram o primeiro álbum, Quiet is the new loud, que foi muito bem aceito pelas rádios europeias.
E 2004, lançaram o Riot On A Empty Street, que mantém a mesma idéia do primeiro disco. O disco tem participação da Leslie Feist em duas faixas (Know How e Build Up), e o single I'd rather dance with you foi escolhido como o melhor clipe de 2004 pela Mtv européia.

What is there to know?
All this is what it is
You and me alone
Sheer simplicity.

Quiet is the New Loud

01. Winning a Battle, Losing the War
02. Toxic Girl
03. Singing Softly to Me
04. I Don't Know What I Can Save You From
05. Failure
06. The Weight of My Words
07. The Girl From Back Then
08. Leaning Against the Wall
09. Little Kids
10. Summer on the Westhill
11. The Passenger
12. Parallel Lines

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Riot on an Empty Street

01. Homesick
02. Misread
03. Cayman Islands
04. Stay Out of Trouble
05. Know-How (with Feist)
06. Sorry or Please
07. Love Is No Big Truth
08. I'd Rather Dance with You
09. Live Long
10. Surprise Ice
11. Gold in the Air of Summer
12. The Build-Up (with Feist)

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p.s.¹ resenha curtinha por falta de tempo.
p.s.² upload by bradockito.

Sixpence None the Richer

2008-03-12T11:00:00.007-03:00

Lembram-se do Sixpence None the Richer? Aquela banda que estourou com Kiss Me, que tocou durante anos na rádio, foi top na Billboard e tudo mais? Então, esses dias me deparei com a notícia de que a banda está de volta. Mas vamos do começo...

A banda foi formada em 1992 por Leigh Bingham Nash (vocal) e Matt Slocum (guitarra). Os dois se conheceram em um retiro cristão, o que é visível no próprio nome da banda, já que Sixpence none the richer é uma citação de um livro chamado “Mero Cristianismo”.

Em 1992 lançaram uma demo, porém só em 1994 lançaram o primeiro disco chamado The Fatherless, e um ano depois lançaram o This Beautiful Mess. Ambos não obtiveram grande aceitação do público. É nessas horas que qualquer banda poderia aposentar seus instrumentos e pensar que viver de música é apenas uma ilusão.

Ainda bem que não foi o que o Sixpence fez. É claro que depois de dois lançamentos e nenhuma aceitação, algo estaria errado. Então se juntaram em estúdio, deixaram algumas influências pra trás e partiram com idéias novas e muito trabalho pro terceiro disco, lançado em 1998.

Muito esforço e dedicação valeram um hit já citado acima. O single Kiss Me ganhou disco de ouro e foi responsável pelo sucesso da banda no final da década de 90.
There She Goes, cover das La’s também está presente nesse álbum e foi parte da trilha sonora de Snow Day, enquanto Kiss Me fez parte da trilha de Ela é demais e Como perder um homem em 10 dias.

Em 2002 a banda voltou em estúdio para gravar o álbum Divine Discontent, que mesmo sendo um excelente álbum, não obteve tanto sucesso quanto ao seu antecessor. Em 2004 o fim da banda foi decretado, já que a vocalista Leigh Nash precisava ficar um tempo afastada dos palcos, pois estava grávida.

Ano passado, Leigh Nash e Matt Slocum se reuniram para conversar sobre a possível volta da banda e recentemente, divulgaram no myspace que lançarão um EP nesse ano, e já tem alguns shows planejados para abril.
Então... nada melhor do que ouvir o melhor álbum da banda enquanto esperamos pelo novo EP.

Sixpence None the Richer - Sixpence None the Richer

01 We have forgotten
02 Anything
03 The waiting room
04 Kiss me
05 Easy to ignore
06 Puedo escribir
07 I can’t catch you
08 The lines of my earth
09 Sister, mother
10 I won’t stay long
11 Love
12 Moving on
13 There she goes

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Circle Jerks - Group Sex

2008-03-08T22:14:00.005-03:00

Estranhe o nome. Estranhe a capa. Estranhe o fato que o vocalista Keith Morris foi expulso do Black Flag, banda notória pela maluquice, por se drogar em excesso. Não tem problema. O que realmente importa nessa história toda é que uma banda de jovens delinqüentes norte-americanos que adotou o nome normalmente designado a moleques que gostam de ficar ocupando o tempo vago com campeonatos de masturbação em grupo entrou para a história ao lado do Black Flag, Dead Kennedys e Misfits quando começaram a tocar com menos técnica possível um som pra lá de simples, rudimentar e letras pra lá de simplistas e parciais...

Agora estranhe outro fato: um dos discos mais influentes em toda a história do hardcore tem a espantosa proporção de catorze músicas em dezesseis minutos. Pura tosquice punk tocada à plena velocidade gritando sobre drogas, putaria e a a alucinada vida antes dos trinta anos. Muitos perguntariam qual o valor artístico de uma obra que nem essa. Boa pergunta. Mas tanto banda quanto público nunca se preocuparam em explicar o peso e o valor da sua tosqueira. E ainda bem. Haja despretensão na vontade de mandar meio mundo para o diabo sem eira nem beira. O resultado final é divertido, violento, simplista e totalmente demente.

Esporros niilistas que carregam na força das guitarras como "Deny Everything" e "Live Fast Die Young" compartilham espaço com momentos de inacreditável e sacana sarcasmo como "I Just Want Some Skank", "Paid Vacation" e "World Up My Ass". E, claro, um destaque final para o libelo contra o pessoal riquinho em "Beverly Hills", com um refrão pra lá de grudento.

Enfim, disco só recomendado para os acostumados à podreira do gênero, ou quem sabe, pode ser até uma bela introdução para quem queira conhecer mais o gênero, indo direto nos seus alicerces, que é o caso deste disco. Mas quem esperar alguma ambição artística e intelectual, sinto dizer, vai sair muito decepcionado...

"let's go to the hongkong

breaking glass at madame wong's

let's go buy a pint of booze

getting drunk getting loose

I just want some skank!"

Músicas:

01 Deny Everything 0:27
02 I Just Want Some Skank 1:09
03 Beverly Hills 1:05
04 Operation 1:30
05 Back Against the Wall 1:35
06 Wasted 0:43
07 Behind the Door 1:25

08 World Up My Ass 1:17
09 Paid Vacation 1:28
10 Don't Care 0:35
11 Live Fast Die Young 1:33
12 What's Your Problem 0:57
13 Group Sex 1:03
14 Red Tape 0:56

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Firefriend – Incêndio na Paisagem

2008-03-03T12:20:00.006-03:00

Incêndio na Paisagem é o terceiro disco do power trio paulista, porém é o primeiro cd “físico” da banda, já que os dois primeiros tiveram apenas lançamento virtual.

As características da banda são marcadas por vocais sussurrados, alguns violões, guitarras distorcidas e cheias de ruídos, letras contraditórias (dias são noites inteiras...) e ao mesmo tempo sentimentais.
A sonoridade traz algumas lembraças do Velvet Underground & Nico, principalmente nas canções em que Julia Grassetti assume os vocais. Um toque de Sonic Youth e Smashing Pumpkins em suas épocas de menos fúria também podem ser observadas em algumas canções.

Firefriend é para quem quer ruídos e distorções ou viajar sem sair do lugar. A banda é Yury Hermuche, Julia Grassetti e Pablo Orue entre amplificadores, pratos e pedais, fazendo muito barulho, riffs grotescos e letras ácidas.

Os três cds da banda estão disponíveis pra download no site www.firefriend.com. E pra quem gostar, o quarto cd “Safari” está por vir.

"Pequena meia noite
Quero ver você dançar
E mesmo de olhos fechados
Eu sei onde você está."

01 Incêndio na Paisagem 6’47
02 Inverno e Noites Assim 3’38
03 Duas Julias 2’55
04 Sete Oitavos 2’30
05 Última Dose 7’05
06 Aurora 10’54
07 Isabel 2’28
08 A Teus Pés 6’33
09 Nunca Tão Perdido Quanto Agora 4’44
10 Pequena Meia Noite 3’14

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Pablo Oruê: bateria
Julia Grassetti: baixo, voz, piano, violoncelo e letra de Duas Julias
Yury Hermuche: guitarras, voz e letras

Hole - Live Trough This

2008-03-02T07:49:00.004-03:00

O álbum certo na hora apropriada. Até o ano de 1994, o único fato notório da vida de Courtney Love era ser esposa e mãe da filha de Kurt Cobain, o líder do gigantesco Nirvana. Os fatos de ela já ter participado da banda riot grrrl Babes In Toyland e ser a figura de frente de uma banda chamada Hole, que já havia lançado o álbum debut "Pretty On The Inside" no ano que o grunge explodiu, 1991, eram conhecidos, mas ninguém dava bola de verdade. Precisou o maridão estourar os próprios miolos para que toda a atenção fosse voltada para a loira.

A pior das famas para pessoas pacíficas: a fama de bruxa, de propulsora da morte do marido, da causadora da convivência insuportável entre os integrantes da banda do cônjuge. Resumindo: era jogado nos ombros de Love a tão temida fama de Yoko Ono, uma Yoko do movimento grunge. Mas lembra que eu disse que é a pior das famas para pessoas pacíficas? Então, como você pode concluir, não foi problema nenhum para Courtney Love, que não é exatamente adepta de campanhas pela paz mundial e tem um interesse majoritário destinado a porres homéricos, brigas odisséicas e noites dionísicas... E naquele tal ano de 1994, a banda lançava um disco com um nome apropriadíssimo para o momento: "Live Trough This", que chegava nas lojas quatro dias após o grande ícone da década apertar um dos gatilhos que mudariam o mundo da música definitivamente...

Em seu segundo e melhor álbum, a instável moça era acompanhada da baixista Leslie Hardy, a baterista Patty Schemel e o guitarista Eric Erlandson, o único homem da banda, fator este que sempre excluiu a banda do movimento riot grrrl e os empurrou para o filão grunge da época. Mas, frescura detalhista à parte, não são movimentos excludentes: tanto os alicerces sonoros quanto o público de ambos os gêneros são parecidos. Acordes de guitarra que se arrastavam podiam virar refrões explosivos, o som de garagem mais cru e rasgado ganhava uma linha melódica no vocal... Mesmo não sendo genial ou brilhante, é um dos melhores exemplos do modus operandi do rock alternativo norte-americano na época.

"Violet" é a música de abertura, um grunge digno de nota que seguia a estratégia das estrofes vagarosas que ganhavam gás e implodiam no refrão, com uma letra em que a vocalista disparava contra homens interesseiros e se lembra de uma vez na praia. "Doll Parts" está mais para uma balada, apesar de possuir vocalizações e letras ousadas, onde Courtney declara que quer ser a garota com a maior fatia do bolo. "Credit In The Straight World" e "She Walks On Me" são algumas das pauleiras do disco, com riffs secos, bateria no talo e a musa-problema acabando com o gogó. E falando em acabar com o gogó, o encerramento "Rock Star" possui os berros mais extremados do disco, em um encerramento bem a cara de Love: desequilibrado, conturbado e violento.

"Live Trough This" não vai mudar de fato a vida de ninguém. Mas o fato inegável é que aqui está rock alternativo dos bons para se gritar, pular e agitar. E se deparar com a lírica imediatista, urgente e hedonista de uma das figuras mais comentadas do Rock And Roll dos últimos anos.

"i want to be the girl with the most cake

i love it so much it just turns to hate

i fake it so real, i am beyond fake

and someday, you will ache like i ache"

Músicas:

01 Violet 3:24
02 Miss World 3:00
03 Plump 2:34
04 Asking for It 3:29
05 Jennifers Body 3:41
06 Doll Parts 3:32
07 Credit in the Straight World 3:11
08 Softer. Softest 3:27
09 She Walks on Me 3:23
10 I Think That I Would Die 3:36
11 Gutless 2:15
12 Rock Star 2:42

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Pixies - Doolittle

2008-02-26T11:11:00.004-03:00

Pixies. Um dos grupos preferidos do ícone Kurt Cobain. A banda que toca ao final do excepcional "Clube da Luta". Um dos pioneiros do rock alternativo que dominou o mundo no início dos anos noventa e desbancou aquele hard rock farofeiro mais preocupado com pose e imagem do que o som propriamente dito. Melodias acessíveis, agito instrumental de surf music e quebradeira de garagem sem noção do punk rock. Pop e vanguarda no mesmo paladar. Tudo graças ao guitarrista Joey Santiago, o baterista David Lovering, e claro, a genial dupla de compositores constituída pela baixista e backing vocal Kim Deal e o guitarrista e vocalista Frank Black (ou, se preferir, Black Francis). Só pra ter uma noção, o clássico roqueiro da geração passada, "Smells Like Teen Spirit" do Nirvana, era nada mais nada menos que uma tentativa de imitar o grupo vindo de Boston. Entre outros tietes, estavam também a galera do Pearl Jam e os esquisitões Smashing Pumpkins.

De 1989, "Doolittle" é o trabalho mais aclamado por público e crítica já gravado pelo grupo, e é o exemplo mais amadurecido e brilhante das melhores características do grupo: visionarismo sem precedentes, refrões cantaroláveis, temas inusitados que iam de OVNIs e surrealismo até instabilidade e violência, as doces vocalizações do fundo de Deal e o vocal diferenciado e bem humorado de Black. Ouvindo na época dava para traçar previsões para o mundo da música: iam embora as caras de mau e som macabro do Metallica, ruía o reinado dos cabelos cheios de laquê do Cinderella, e entrava o visual convencional de jovens adultos norte-americanos precursor da estética indie.

Várias canções assustam pelo brilhantismo e inovação em uma época mais interessada em hits que ambição artística, tendo uma importância igualmente igual ao de clássicos do período como "Psychocandy" do Jesus And Mary Chain e o debut auto-intitulado dos Stone Roses, sendo basicamente os três trabalhos que lançaram os alicerces sonoros para a última década do século vinte. Logo de cara já temos a pancadaria "Debaser", que deve ter feito a cabeça da galera grunge: introdução de baixo, ensolarados versos pop e despinguilamento punk no pré-refrão e no chorus. E não pára por aí: tem ainda o hit radiofônico "Here Comes Your Man", um rock dançante e palatável, com um delicioso e marcante groove, fazendo desta música um clássicaço da época. E ainda tem a malucona "Monkey Gone To Heaven", viajante música pop cujo refrão cria um paradoxo de guitarras pesadas e vocais calminhos e grudentos. A viagem continua com outras pérolas como "I Bleed", "Hey" e "Wave Of Mutilation", fazendo dos que desprezam a existência dos Pixies verdadeiros loucos que não sabem o que estão perdendo...

"if man is 5

then the devil is 6

and if the devil is 6

then god is 7

this monkey's gone to heaven..."

Músicas:

01 Debaser 2:52
02 Tame 1:55
03 Wave of Mutilation 2:04
04 I Bleed 2:34
05 Here Comes Your Man 3:21
06 Dead 2:21
07 Monkey Gone to Heaven 2:56
08 Mr. Grieves 2:05
09 Crackity Jones 1:24
10 La La Love You 2:43
11 No. 13 Baby 3:51
12 There Goes My Gun 1:49
13 Hey 3:31
14 Silver 2:25
15 Gouge Away 2:45

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Ringo Starr - Liverpool 8

2008-02-24T17:43:00.008-03:00

paz, amor e bons discos

Sempre fico curiosa ao ver grandes nomes lançando discos solos. Ano passado me surpreendi ao ver que PaulMcCartney ainda faz um som bacana, e o mesmo aconteceu recentemente ao ver que outro beatle também está vivíssimo.

Já com seus 60 e tantos anos, Ringo Starr poderia estar em alguma mansão em qualquer canto do mundo aproveitando muito bem a vida. Mas convenhamos que pra quem já foi um beatle, ficar descansando não deve ser lá muito divertido. É por essa e por outras que Ringo lança Liverpool 8, seu 14º disco solo.

São doze faixas em pouco mais de 45 ótimos minutos do disco. Liverpool 8, a faixa de abertura que também dá nome ao disco, é uma pequena amostra do que virá no decorrer das próximas faixas: canções que relembram a infância e juventude, idealismo 60s – paz e amor, e com uma sonoridade que pode até fazer lembrar os Beatles, mas com muita atitude e uma pegada moderna.

Destaque para Liverpool 8 e Think About You.

"Livepool I left you
Said 'goodbye'
To Madryn Street
I always followed my heart
And I never missed a beat
Destiny was calling
I just couldn't stick around
Liverpool I left you
But I never let you down"

Músicas:
01 Liverpool 8 Listen
02 Think About You
03 For Love
04 Now That She s Gone Away
05 Gone Are The Days
06 Give It A Try
07 Tuff Love
08 Harry s Song
09 Pasodobles
10 If It s Love That You Want
11 Love Is
12 R U Ready?

Download via 4shared (créditos - juliocmail.blogspot.com)
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The Sonics - Here Are The Sonics!

2008-02-23T22:24:00.007-03:00

Dizem as enciclopédias do rock: os Ramones são os pais do punk. Os Stooges e MC5, os avôs. Os New York Dolls, as vovós que eram vovôs. São consideradas as bandas seminais pra qualquer banda hoje que queira pegar uma guitarra e tocar um som direto, cru e porradeiro, certo? De Sonic Youth, Big Black, Nirvana e Hüsker Dü até White Stripes, The Strokes e The Hives, todo mundo de alguma forma deve as calças à Iggy Pop, Fred "Sonic" Smith, Joey Ramone e Johnny Thunders, certo?

Pois bem, saiba que todos esses pais, avôs, e vovós travestidas também têm suas rasgadas calças jeans como dívidas. Pra quem? Ora, para alguns dos primeiros caras que contemplaram o mundo de barulheira e putaria e tiveram coragem de traçar a véia primeiro: The Sonics. Só depois do surgimento dos mesmos que os jovens americanos resolveram mostrar para os engomadinhos ingleses quem deveria estar tocando Chuck Berry e Little Richard no volume máximo. Coube aos pobretões degenerados de Washington Gerry Roslie (vocal, guitarra e órgão), Andy Parypa (baixo), Larry Parypa (guitarra), Bob Bennett (batera) e Rob Lind (saxofone) fazer o trabalho sujo.

Imagine você em 1965. "Help!" nas rádios. "A Hard Day's Night" no cinema. Mick Jagger e Keith Richards no princípio do sucesso dizendo que eles eram tudo o que os Beatles não eram. E nos inferninhos cheirando a cerveja, nicotina e suor, uma paulada nos tímpanos. Cinco dementes deixavam as caixas de som zumbindo de tanto volume, e não deixando barato, esburacando-as com furadores de gelo, o que fazia o som sair mais grave, ruidoso e tosquíssimo do que o normal. Entre músicas próprias e covers de Rock And Roll cinquentista, os Sonics não deixavam pedra sobre pedra bem antes de "I Wanna Be Your Dog", "Jet Boy", "Kick Out The Jams" e "Blitzkrieg Bop". Era som endurecido, embriagado e quase documentativo do ambiente decadente e áspero de onde vinha.

"Here Are The Sonics!", em plena época de iê-iê-iê, é porradaria sem descanso. É um exagero desnaturado e inconseqüente de volume. O vocal berrado e desesperado de Gerry já foi muito comparado ao do lendário de Little Richard, e talvez não seja uma comparação tão distante, já que é algo muito mais guiado pelo tesão e fúria do que por harmonia e beleza. As guitarras são muito semelhantes a ruídos de explosões e fuzis tocados de forma insistente e anfetamínica. A partir da inflamada e impactante abertura "The Witch", você continuará sendo golpeado com seguidos socos na cara ouvindo o rasgado refrão de "Boss Hoss", a impiedosa e fortíssima "Psycho", uma versão simplesmente massacrante de "Keep A Knockin'" de L. Richard, uma das maiores influências da banda, tocada de forma excessivamente rápida e pesada pra época.

Alguns gritos chegam a assustar, alguns riffs farão você proteger seus tímpanos, e muitas das suas letras irão ofender muitos moralistas, já que há mais de quarenta anos atrás os caras já baseavam suas letras em bruxas, sexo, eventos sobrenaturais e mulheres atordoantes, em meio à muito sarcasmo destrutivo, juvenil e urgente. Os prováveis primeiros brancos a tocar rock pauleira são uma experiência intensa demais para passar batido. Dá até pra entender porque em uma época tão dócil eles acabaram não chegando a lugar nenhum, financeiramente falando. Mas quem ouviu, concorda: isso que é Rock And Roll. Sem esses caras, gente como Ron Asheton e Johnny Ramone acabariam sendo meros lavadores de prato.

Não estranhe se, quando acabar, você achar que foi atropelado.

"Say there's a girl

Who's new in town

Well, you better watch out now

Or she´ll put you down

cause she's an evil chick

Say she's the witch!"

Músicas:
01 The Witch 2:37
02 Do You Love Me 2:15
03 Roll Over Beethoven 2:46
04 Boss Hoss 2:21
05 Dirty Robber 1:59
06 Have Love Will Travel 2:37

07 Keep A Knockin' 1:53

08 Don't Believe In Christmas 1:41
09 Psycho 2:14
10 Money 1:57
11 Walkin' the Dog 2:42
12 Night Time Is the Right Time 2:55
13 Strychnine 2:10
14 Good Golly Miss Molly 2:05
15 Santa Claus 2: 48

16 The Village Idiot 2:33

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Tom Waits - Closing Time

2008-02-19T22:17:00.009-03:00

"As canções, você sabe, são como fumaça. É algo que você não pode pegar com as mãos, qualquer coisa que lembra um lugar, um lugar qualquer, impalpável. Não é algo substancial como um guarda-chuva ou uma caminhonete".
(Thomas Alan Waits , o próprio)

Você já ouviu falar do californiano Tom Waits à essa altura do campeonato. Ele já teve a sua "I Don't Wanna Grow Up" regravada pelos lendários Ramones, ganhou dois Grammys de melhor álbum, atuou em um dos papéis principais de "Daunbailó" de Jim Jarmusch, um dos mais comentados filmes cult dos anos 80 e também em "O Selvagem da Motocicleta" e "Drácula de Bram Stocker", essas duas películas sendo do lendário Francis Ford Coppola. E mesmo assim, muita gente só ouve falar ou não tem muito interesse na sua obra. Entre seus admiradores - um deles que vos escreve agora - sua inconfundível voz rouca sobre sua brilhante obra constitui um injustiçado mito ao nível de outros grandes como Bob Dylan e Neil Young.

Seu primeiro álbum, "Closing Time", de 1973, também é considerado um de seus melhores. A inexatidão de estilos desde já é marcante, passeando entre rock and roll, blues, folk, jazz e country mesclados a uma lírica bela, triste e apaixonada, pura poesia musical com uma voz cansada lamentando sobre os mais variados temas. A própria capa já denuncia o tom que sua dolorida alma produz harmonia, com o cantor de ar melancólico debruçando-se sobre um piano, em uma sala escura. Tudo tão singular que, por muitos fãs e críticos, Waits ganha o honroso título de "o último beatnik". Tanto na música quanto no cinema, o artista volta seus olhos aos desajustados, aos excluídos, aos malditos, o que torna suas letras paradoxalmente belas e agressivas, sofisticadas e "na veia".

É extremamente difícil resistir à angústia do amor platônico de "I Hope That I Don't Fall In Love With You", com versos contemplativos cantados sobre belas melodias de violão falando sobre dois solitários que mesmo atraídos, estão cheios de medo se machucar. Ouvindo o jazz vocal "Virginia Avenue" fica não difícil imaginar alguma megalópole americana em toda a sua triste e decadente beleza noturna. "Ice Cream Man" é jazzy-rock, de ritmo constante e agitado, que serve tanto para uma lenta dança ou puro relaxo. E esse são só alguns destaques dessa verdadeira obra-prima marginalizada e tão sentimental, e tão cheia de maturidade e sabedoria para um compositor que na época, mesmo que o autor na época só tivesse 24 anos. Dê uma permissão a um dos maiores e mais tocantes músicos vivos da América te fazer crer que tristeza e paixão podem sim ser música. Das mais bonitas.

"Well the night does funny things inside a man

These old tom-cat feelings you don't understand,

Well I turn around to look at you, you light a cigarette,

I wish I had the guts to bum one, but we've never met,

And I hope that I don't fall in love with you"

Músicas:
01 Ol' '55 3:59
02 I Hope That I Don't Fall in Love With You 3:56
03 Virginia Avenue 3:12
04 Old Shoes (& Picture Postcards) 3:42
05 Midnight Lullaby 3:28
06 Martha 4:32
07 Rosie 4:05
08 Lonely 3:14
09 Ice Cream Man 3:07
10 Little Trip to Heaven (On the Wings of Your Love) 3:40
11 Grapefruit Moon 4:52
12 Closing Time 4:20

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Como vocês podem ver, esse é o primeiro post do Dangerous Music qem que é disponibilizado um download de um disco. "Por quê?", perguntarão alguns. "Por que não?", pergunto eu. Agora não tem mais motivo pra não ouvir. Façam bom proveito!

Jorge Ben - Samba Esquema Novo

2008-02-08T07:04:00.000-02:00

A essa altura, todo brasileiro que não é ruim da cabeça nem doente do pé deve saber: “Samba Esquema Novo” foi que nem “Chega de Saudade”. “Tropicália ou Panis Et Circenses” e “Secos & Molhados I” foram que nem “Samba Esquema Novo”. Arroubos de genialidade juvenil, uma quebra com os paradigmas anteriores, discos de musicalidade exuberante e perfeita... Às vezes, inacreditavelmente perfeita.

Carioca da gema, o lendário Jorge Ben é simplesmente um dos músicos brasileiros mais influentes surgidos na segunda metade do século e responsável por uma gigantesca de pérolas clássicas há mais de quarenta anos. Ben, assim como João Gilberto, reinventou a música da terra brasilis de forma profunda demais para que não se mereça uma digna passagem em qualquer enciclopédia sobre os sons tupiniquins. E tudo isso começou com esse disco.

Ao final dos anos cinqüenta e início dos sessenta, a música brasileira atingiu uma nova era de ouro - Após a explosão da bossa nova, um admirável mundo desconhecido em matéria de música surgia aos ouvidos de público e crítica.

Apesar da relutância inicial da crítica, o público tornou Jorge Ben um fenômeno instantâneo, vendendo horrores para a época e obrigando muitos críticos a reconsiderar seu “iluminado” senso para música ao dizer que Jorge fazia músicas de harmonias e letras simples por demais.

Pois “Samba Esquema Novo” era negro como o Brasil poucas vezes havia testemunhado, com a marcação envolvente do violão de Jorge ditando o andamento, dispensando o uso do contrabaixo por muitas vezes – melodia e ritmo eram resumidos em um único instrumento. Inovador, não se encaixava nos moldes da bossa nova nem do samba tradicional. As letras ainda que simples e assimiláveis iam do doído romance à evocação de deuses africanos, desfilando todo um típico cenário brasileiro, de tempestades torrenciais lá fora, de violões e pianos repousando em um canto, e uma rodinha de samba no quintal. Ben fazia o Brasil se sentir em casa sendo o mais singelo possível.

O disco é aberto pelo incrível e delicioso groove de “Mas, Que Nada!”. Jorge canta sobre a necessidade urgente de ir a um samba mais do que agitado, porque segundo ele “esse samba/que é misto de maracatu/samba de preto velho/samba de preto tutú” é simplesmente bom demais para que a pessoa queira chegar no final. E apenas a voz, ainda que de alcance limitado, é um fio condutor hipnótico e envolvente demais para ficar apático.

Ouvimos agora a única música que não é da autoria de Jorge no álbum, composta por João Mello, o cara que descobriu Jorge Ben. Batucando lata, “Tim, Dom, Dom”, entra com Ben dizendo que o “dim-dom” do violão bate que nem o seu coração. As cordas correndo alegres pela música dão suporte para a voz discorrer para uma mulher que inebria todos quando começa a sambar. E o tão animado samba (em novo esquema) de Ben acaba de forma crescente e arrepiante.

“Balança Pema” é outra música com um balanço irresistível, com Jorge cantando “Pois quando você sambalança/Sambalança meu coração também/Ele sambalança certinho/Juntinho com o seu vaivém”. E não importa, os dois podem ficar no mesmo processo até as sandálias da moça ficarem gastas e acabadas e os dedos estiverem calejados e doloridos. Corpo, música, coração: a via mais curta que existe.

Ainda convidativo, “Vem, Morena, Vem” entra suingando e criando espaço para Jorge cantar que nos cantinhos de sua casa existem amigos inseparáveis como o seu violão e seu piano, mas que sem a sua morena dançando para ele, não haverá música alguma. Doce e incansável, carente e apaixonante de forma absurdamente simples.

E ouso dizer: poucas vezes o século vinte viu um arroubo lírico e emocional tão grande como em “Chove, Chuva”, com sua letra carinhosa e protetora, suas melodias conquistadoras e um refrão para lá de poderoso, e que apesar de ser tão marcante, diz apenas para palavras doces como “por favor, chuva ruim/não molhe mais o meu amor assim”.

“Não adianta que eu não vou/Se lá não tem samba/Eu não vou não vou/Pois o que eu quero é só sambar”... Essa aí recebe o nome “É Só Sambar”, de início dedilhado e refrão que suaviza a música e dá oportunidade para as cordas voltarem a esgueirar para perto do ouvinte, fazendo o mesmo aceitar o convite de muito bom grado.

“Rosa, Menina Rosa” com o tempero percussivo mais forte que o normal, em que Ben, em divertida presunção, diz que mesmo que a tal da Rosa sambe muito, o samba de Jorge irá passa-la para trás. Mas diz para não se preocupar: “Meu samba tem mistério, mas é gostoso de sambar/Se você gosta de samba, você vai ter que balançar”. Precisa mesmo falar do nível de excelência da música se o próprio a assume?

Outra das pérolas do álbum, essa é a paradoxalmente balançada e melancólica “Quero Esquecer Você”. Com belíssimos versos como “Sei que não devo querer você tanto assim/Pois esse desejo é proibido para mim” e ainda pronunciando voxê ao invés de você no refrão, cria um clima de amor ingênuo, puro, quase infantil, que a sessão de sopros e as cantaroladas em falsete só reforça e maravilha.

“Uala, Ulala” se usa de inúmeras figuras e personagens para que o universo descrito por Ben faça pleno sentido aos ouvidos dos atentos, em que a música de instrumentação discreta e marcação forte pode ser resumida, como o próprio Jorge diz na letra, como um simples “lamento de amor”. Simples de fazer muitos se morderem de inveja.

Nostálgica, “A Tamba” é uma das músicas mais lentas e comoventes de todo o conjunto presente. Prolongando a palavra, cantando em falsete, lembrando dos tempos do samba que não voltam mais. Um esquema novo consciente, que não nega os antepassados, mas que não tem medo de vislumbrar o futuro.

É incrível como Jorge consegue ser ao mesmo tempo propositadamente e convincentemente pueril. “Menina Bonita Não Chora”, em que a batida é mais agitada, mas ainda assim é acompanhada de melodias que fazem o ouvinte lembrar de dias mais simples e mais felizes. Romântico devotado, Ben promete que “O meu amor é forte/Nele você pode confiar/Se você é triste, feliz você será”.

E quem dá o ponto final nesse clássico é “Por Causa de Você, Menina”. Amor platônico, não correspondido, voz pequena, sopros suingando, marcação pulsante... “Você passa e não me olha, mas eu olho pra você (...) Você por mim não chora, mas eu choro por você”... Sinceramente? Há de ser bastante revoltado com a vida (ou padecer de muita pose blasé) para não dar um sorrisinho, não se identificar e não cantar junto... Assim como o resto do álbum é simples, bonita e visionária. Tudo em uma música só. Combinar as três características não é pra qualquer um.

Assim como ouvindo o debut de 1959 “Chega de Saudade” de João Gilberto, você tem dúvidas de como que um disco tão simples instrumentalmente e nada complexo liricamente, com músicas durando em média dois minutos, pode abalar todas as estruturas.

Pois é, meu amigo, Jorge Ben conseguiu tal proeza. Absoluto herói entre público, crítica e meio musical, a aparente ingenuidade e pureza nas canções revela maturidade e inovação sem precedentes. Até mesmo para a idade dele na época. Apenas vinte e um anos e o sentimento do mundo. E quarenta e cinco anos depois, ainda foram raras as vezes que nosso coração foi tocado de forma tão direta e descomplicada.

Junkiebox #7

2008-01-28T21:49:00.000-02:00

(Colaboraram Bêr, Nat e Sam)

Nação Zumbi – Fome de Tudo: A Nação Zumbi nasceu um fenômeno e morrerá um fenômeno. Poucas bandas conseguem aliar inteligência lírica e melódica com maestria e invariavelmente agradar público e crítica a cada novo lançamento. E eles, para variar, conseguiram de novo. Em “Fome de Tudo”, a banda se desdobra em climas bem mais tropicais e de melodias pop para lá de suculentas, em harmonias vocais de fácil assimilação, em guitarras incansáveis e em uma percussão pra lá de envolvente. O resultado soa sideralmente chapante em “Inferno”, hipnótico e distorcido em “Onde Tenho que Ir”, um arrasa-quarteirão elétrico e pop em “Fome de Tudo”, refinado, profundo e complexo em “Toda Surdez Será Castigada”... E o mundo continua tentando acompanhar a Nação Zumbi.
Ouça: “Toda Surdez Será Castigada”

Babyshambles – Shotters Nation: Desde os seus primórdios, o Rock And Roll esteve envolvido no uso de drogas. E as reações sempre foram as mais variadas: carreiras com momentos de glória e decadência, talentos promissores que afundavam e gente que simplesmente não sabia lidar e invariavelmente destruía sua carreira (no caso, a fonográfica). E Pete Doherty, desde a época que cantava nos Libertines, prova ser do grupo que tem dificuldade de lidar com isso. “Shotters Nation”, para variar, é um disco abaixo do medíocre. A tentativa de som de garagem mais uma vez explora clichês batidos executados sem nenhum teor de novidade. Fica até difícil entender como alguém com uma vida pessoal tão agitada consegue produzir discos tão tediosos. Será que Doherty só compõe quando está de rebordosa?
Ouça: “Side Of The Road”

The Hives – The Black And White Album: Entre todas as bandas do revival do rock de espírito garageiro, o Hives foi um dos poucos remanescentes. Talvez porque sempre foi mais um grupo moderno com boas referências do que uma banda que repetia clichês nostálgicos. E o disco novo não só agrada como também inova. Há de tudo por aqui: o bom e velho Hives saído das garagens suecas de “Tick Tick Boom” a pulante e cheia de sintetizadores “It Won’t Be Long” e a seqüência “T.H.E.H.I.V.E.S.”, um funk rock em falsete lembrando os Rolling Stones de “Some Girls”. A última grande pérola “You Dress Up For Armageddon” é um marchante punk com refrão digno de ser entoado em um bar inglês ou irlandês. Diante do resultado, não há dúvidas: “os caras” do Rock alternativo europeu atual são Howlin’ Pelle Almqivst e seus capangas. É ouvir e conferir.
Ouça: “T.H.E.H.I.V.E.S.”

Black Rebel Motorcycle Club – Baby 81: E os fãs incondicionais do filme “O Selvagem”, de Marlon Brando, com referências indo desde o folk e o blues rústico do início do século vinte, passando por bandas de garagem dos sessenta e chegando ao shoegaze, retornam mais uma vez com seu quarto álbum de inéditas. Rock And Roll vibrante dos bons, o power trio põe o mundo abaixo com fúria folk e melancolia distorcida. Variando entre pancadarias como “Weapon Of Choice”, os arranjos envolventes da cadenciada “666 Conducer”, a tensa “Need Some Air” e o épico rocker de nove minutos “American X”, o álbum mais agrada do que decepciona. As outras não tem o mesmo brilho, porém, raramente irão chatear alguém.
Ouça: “Need Some Air”

She Wants Revenge – This Is Forever: Não se engane ao ver que a capa é apenas uma variação cromática do primeiro: a banda não inova em muito, mas fez algo que dificilmente deixará o ouvinte parado ou desatento. Filho de uma mórbida orgia de Bauhaus, Depeche Mode e Joy Division, as violentas letras apóiam-se sobre um som que, apesar de perder a força enquanto caminha entre suas treze canções, ainda reservam boas surpresas, como “What I Want” e a raivosa e ao mesmo tempo melancólica “She Will Always Be A Broken Girl”. Basicamente, é um disco oitentista lançado nos anos 2000: mantém a consistência, mas não espere grande surpresa.
Ouça: “She Will Always Be A Broken Girl”

Bruce Springsteen – Magic: Ninguém ganha o apelido de “Boss” à toa. Figura forte na música mundial há três décadas, Bruce solta o quarto registro em cinco anos. Altamente politizado, o patrão não faz feio e utiliza seus riffs invocados, sua grossa voz característica e refrões poderosos e marcantes como utensílio para descer o sarrafo na política norte-americana, mas também arranjando tempo para cantar canções mais introspectivas. É um redondo disco de Rock que flui que é uma beleza, mostrando que fez por onde para ganhar mais de quinze Grammys. É difícil ver um homem beirando os sessenta anos tão produtivo e tão inspirado. Que fiquem avisadas as bandas novas: quem não fizer o dever de casa direito, está despedido.E Bruce tem mais moral que Roberto Justus.
Ouça: “Livin’ In The Future”

Autoramas – Teletransporte: Autoramas é uma banda invejável! Estão na ativa há mais de dez anos, lotando shows, e vira e mexe emplacam alguns hits nas rádios. O quarto cd da banda, "Teletransporte", segue na mesma linha dos outros três cds: surf music, new wave, e também influência da jovem guarda. Um cd bom do começo ao fim: a faixa de abertura, "Mundo Moderno", é um rocknroll daqueles que eu tenho que me controlar pra não sair pulando. "A 300 km/h" é uma baladinha pop, com os vocais de Gabriel Thomaz bem mais calmo do que nas outras faixas. Em "Já cansei de te ouvir falar" e "Digoró", Selma Vieira, baixista da banda, também assume os vocais. "Panair do Brasil" e "Guitarrada" mostram toda a influência de surf music da banda. Efeitos, guitarras ótimas, baixo com distorção, bateria impecável: sem dúvidas, um dos melhores cds nacionais do ano que passou. Mais 10 anos de vida ao Autoramas, no mínimo!
Ouça: "Mundo Moderno" e "A 300 km/h"

Ludov – Disco Paralelo: Confesso que gostava muito do Maybees (antigo nome do Ludov, com composições em inglês), mas depois do lançamento desse último álbum até esqueci da existência do antigo projeto da banda. O "Disco Paralelo" chega a ser um dos melhores discos de pop rock nacional que já ouvi. Nada daqueles álbuns com uma ou duas músicas boas: o Ludov veio pra ficar, e todo aquele aquele agora-ou-nunca ficou para trás. Melodias bem feitas, riffs marcantes e contagiantes, e o melhor de tudo: letras inteligentes. "Ciência" abre muito bem o disco, uma das músicas mais contagiantes e enérgicas, com um refrão que deixa uma pergunta no ar: quanto vale um segundo, quando os metros são muitos a percorrer? "Conversas em Lata" é a mais tensa do disco, enquanto "Noite Clara" poderia ser trilha de qualquer novela das oito, daquelas que se passam no Rio de Janeiro. Em "Delírio (Sob as Asas)", Mauro Motoki assume os vocais de Vanessa Krongold, fazendo uma das canções mais lindas do disco. Por fim, "Urbana", que assim como "Ciência", contagia! Ludov! Guardem bem esse nome.
Ouça: "Urbana"

Foo Fighters - Echoes, Silence, Patience & Grace: Dave Grohl é um rockstar! Não satisfeito em ter sido o baterista do Nirvana, ele ainda monta uma das bandas mais bem sucedidas da atualidade. "Echoes, Silence, Patience & Grace" é o sexto álbum da banda. Um disco furioso e ao mesmo tempo delicadamente pop. "The Pretender", primeiro single, é daquelas músicas que ninguém se esquece. Um rock de verdade. Uma porrada. Gritos. Bem Foo Fighters mesmo, o que também acontece com "Let it Die" e "Erase/Replace". "Long Road To Ruin" e "Cheer Up, Boys" não possuem tantos gritos quanto às outras, mas os riffs são maravilhosos. E no meio de tanta distorção e gritaria, se encontram duas faixas acústicas para dar um descanso aos ouvidos. Assim como "Come Alive" e "But, Honestly", que começam calma, clean, e depois vai se entregando, terminando como músicas dignas do Foo Fighters. Um álbum excelente, com muita distorção, gritos, violão e até piano. Afinal, eles podem.
Ouça: "The Pretender" e "Long Road To Ruin"

Ryan Adams - Easy Tiger: Depois de passar 2005 em fúria e ter lançado 3 álbuns no mesmo ano, Ryan volta um pouco mais centrado, digamos assim. Easy Tiger traz Ryan no melhor estilo country rock, aquele que só ele sabe fazer. Canções objetivas, claras, não ultrapassando os 40 minutos de duração do disco. "Tears of Gold" e "Pearls On A String" me lembra um pouco Neil Young."Halloweenhead" é a mais rock, com direito a distorção e tudo mais, enquanto "I Taught Myself How To Grow Old", última faixa, tem uma gaita angustiante. Uma obra prima pra quem gosta de country rock: boas melodias, excelentes linhas instrumentais, baladas folks, e Ryan Adams fazendo o que faz de melhor.
Ouça: "Everybody Knows"

Eddie Vedder - Into the Wild : Quando começaram a aparecer as notícias que Eddie Vedder iria lançar um cd solo, nunca que imaginei que seria um disco tão diferente em relação ao Pearl Jam. Em apenas 33 minutos (duração do disco), conhecemos outro lado de Eddie: nada de gritos, distorção e guitarras. No lugar disso melodias lindas, violões e até banjo tomam conta de todo o álbum. "Setting Forth" e "Far Behind" são as mais agitadas, enquanto The Wolf é sombria. No Ceiling e Rise mostram que além de bom guitarrista, Eddie também manda bem no banjo. "Society" me lembra algumas canções do próprio Pearl Jam: “society, you're a crazy breed...” Um disco folk, tranqüilo, pop, grandioso. Uma afirmação de que Eddie Vedder é um dos melhores compositores dos últimos anos. Vale a pena ouvir. Ouça: Setting Forth

Serj Tankian - Elect The Dead: Serj Tankian, diferente de Eddie Vedder, não fez um trabalho que tenha se diferenciado muito da antiga banda. Tudo neste disco traz lembranças do System of a Down: letras com apelo político, riffs criativos, bateria marcando presença, e não menos importante, o vocal agressivo e inconfundível de Serj. Não que isso seja ruim, mas quando se trata de carreira solo sempre espero por algo um pouco mais diferenciado. Porém, musicalmente, temos aqui um álbum extremamente rico: Serj gravou quase todos os instrumentos, dos pianos até as guitarras distorcidas, fazendo um instrumental invejável a qualquer músico. Além disso, as letras políticas trazem informações, críticas e protestos. Merecem destaques "Empty Walls", com um refrão grudento do caramba; "The Unthinking Majority" que traz linhas melódicas bem diferentes, e "Lie Lie Lie" que é uma das mais legais do álbum.
Ouça: "Empty Walls" e "Lie Lie Lie"

Dir en Grey - THE MARROW OF A BONE: "Cansativo" é a palavra pra definir o álbum. É surpreendente uma banda desse porte, fama e responsabilidade com a música japonesa produzir um álbum tão sem sal. Não sou um profundo conhecedor, mas sei que os caras conseguem fazer coisas centenas de vezes melhores que essa, vide "Vulgar", "Gauze", entre outros. Nem "CLEVER SLEAZOID" salva, já que ganhou uma versão inédita e bem diferente do single.
Ouça: "CLEVER SLEAZOID"

BUCK-TICK - Tenshi no Revolver: O melhor álbum de j-rock lançado em 2007, segundo algumas enquetes. Não é exagero, não. BUCK-TICK, uma das bandas pioneiras do Visual Kei, mostra que ainda consegue se manter na ativa mesmo carregando 20 anos nas costas. Pra variar, BUCK-TICK inovou sem perder a identidade, abandonando o tipo de som mais sombrio adotado no "13kai wa Gekkou" e fazendo algo mais movimentado e divertido, chegando a lembrar músicas como "Candy" e "21st Cherry Boy".
Ouça: "Mr. Darkness & Mrs. Moonlight" e "Alice in Wonder Underground"

Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson

2008-01-20T05:20:00.000-02:00

Melodias delirantes, baixo e bateria esfregando-se como dois corpos, assim como nos melhores dias da música negra americana, uma voz masculina grave e rouca carregada de cigarro e álcool e uma voz feminina frágil e sensual. Um resultado final que mesmo tendo visto a luz dos holofotes há mais de trinta anos, ainda é tido por muitos como pervertido, subversivo e amoral.

Assim como sua música, monsieur Serge Gainsbourg cercou sua carreira de polêmica. Adepto apaixonado da tríade bebida, mulheres e música, incontáveis foram as vezes que foi censurado, sofreu ameaça de excomunhão e ameaças semelhantes, incomparável foi a beleza de suas amantes e incontestável foi a importância que suas composições tiveram para a chanson française. O filho de judeus russos era um incurável workaholic que compôs para e gravou com os principais nomes da música francesa no século vinte. As divas Françoise Hardy, France Gall, Catherine Deneuve, Brigitte Bardot e sua esposa Jane Birkin devem alguns dos principais sucessos de sua carreira fonográfica a este homem também responsável pela trilha sonora de mais de quarenta filmes.

Já consagrado como crooner na França, Serge passou por um período atribulado ao final dos anos sessenta. Além de ter seu espaço na gravadora diminuído desde o início do sucesso do Rock e do Twist, havia acabado de terminar um relacionamento com a deusa loira Brigitte Bardot e tendo a gravação com a mesma para a música “Je T’aime (Moi Non Plus)” proibida de ser lançada, já que Bardot temia que gerasse polêmica.

Geraria, mas não com ela. Depois de Marianne Faithfull recusar o convite, Gainsbourg conheceu a atriz Jane Birkin, protagonista do primeiro nu frontal do cinema, no clássico “Blow Up – Depois Daquele Beijo”, do mestre Michelangelo Antonioni. Mesmo não se interessando de início, os dois acabaram engatando uma das mais tórridas relações da história da música pop. Foi com ela que “Je T’aime (Moi Non Plus)” foi regravada e lançada, encontrando sucesso mundial como a primeira famosa ou famigerada “música de motel”.

Porém, não contente com tão pouco, o versátil Serge foi além. Influenciado pelo jazz, pelo soul, pelo rock psicodélico, pela música de sua pátria, e por bandas inglesas como Rolling Stones, The Kinks e The Pretty Things, Gainsbourg compôs e gravou aos quarenta e três anos ao lado de Birkin uma de suas maiores e mais ambiciosas obras primas, mas nunca perdendo o gosto pela quebra de tabus, que mais uma vez fez um disco envolvendo taras, sensualidade, assassinato, misticismo... Mais uma vez dando um passo à frente de seu tempo.

E em março de 1971, o mundo testemunhava o nascimento do irmão mais velho de Charlotte Gainsbourg: o álbum conceitual “Histoire de Melody Nelson”. O encontro de vários mundos musicais digeridos e regurgitados em forma de arte é de uma beleza, sensibilidade e sensualidade únicas. A união da provocadora deusa Birkin com o elegante bardo marginal Gainsbourg é uma das parcerias mais fenomenais da história da música. E, creia, o álbum a seguir é a maior prova disso.

Tudo começa nos sete longos minutos de “Melody”, iniciada por uma bateria discreta, um baixo lento e corajoso, e o vocal falado de Gainsbourg, que quase sem o ouvinte perceber, começa a ser acompanhado por guitarras regadas a psicodelia. Serge canta sobre uma vista que fez em seu Rolls-Royce de vinte e seis cavalos de potência até a zona mais perigosa e isolada da cidade e quando menos percebeu, atropelou uma linda jovem de cabelos vermelhos naturais.”Princesa das sombras, arcanjo maldito/Amazona em um estilo moderno que o escultor/Em inglês, a chamou de Espírito do Êxtase”, descreve antes de anunciar que perdeu o controle do carro. As orquestrações, junto com a guitarra, descrevem o momento mais intenso da música e o momento da primeira conversa dos dois. O instrumental é moderno o suficiente para a época para estar no disco de qualquer banda emergida de Woodstock.

“Ballade de Melody Nelson” é novamente introduzida pelo baixo, e Serge canta torturado sobre doces cordas e acompanhado do ao mesmo tempo provocador e ingênuo vocal de Jane Birkin. “Um pequeno animal/Essa Melody Nelson/Uma adorável pequena garota/E uma garota tão deliciosa/Que eu só conheci/Por um instante”. E mesmo estando possessivamente apaixonado e obcecado por Melody, sabe que a pobre garota tem seus poucos dias de existência contados para terminarem bem cedo. Um delicado tormento da rouquenha voz.

“O sol é raro/A felicidade também/O amor se perde pela vida”, assim Gainsbourg inicia “Valse de Melody” com as orquestrações em ritmo de valsa dando espaço para que o crooner diga que apenas nos braços da garota é que o mundo se move. Em um minuto e meio, em uma letra verdadeiramente poética, Gainsbourg soa triste, carregado, quase sombrio, fazendo desta uma canção com poder incrível, mesmo com a curta duração.

“Ah! Melody” novamente é uma canção com menos de dois minutos, sendo esta talvez a música mais doída da bolacha, em que o amor possessivo de Serge alcança seu ápice: “Oh, Melody/Você não sabe o que é o amor/Você me disse isso/Mas tudo que você diz é verdade?” e “Se você mentir para mim eu farei/Algo insano/Eu não sei o que farei com você” são versos que atestam um indivíduo à beira da psicose, por mais que seja a beleza de suas harmonias vocais e suas melodias, apesar de tristes, nunca ofenderem os ouvidos.

Um baixo desafiador introduz o sexy rock psicodélico “L’Hotel Particulier”, onde Gainsbourg, em lugar de cantar, volta a sussurrar e falar com o ouvinte, dessa vez descrevendo um hotel que atende a qualquer pedido seu. A firme bateria, a envolvente harmonia do piano e orquestrações que golpeiam com classe abre espaço para Gainsbourg cantar “Acima dessas escravas negras de ébano/Que observarão silenciosamente essa cena/Enquanto o espelho nos reflete/Eu lentamente abraço Melody”.

Poucas vezes na história da música pop viu-se música tão sensual e provocativa quanto “En Melody”, guiada por um delirante riff de guitarra e uma cozinha desenfreada, que desce o braço em companhia às seis nervosas cordas. Quase instrumental, a música é composta apenas de instrumental e os risos, gritos e gemidos excitados e frenéticos de Jane Birkin. O solo se entrega aos ensinmantos de Jimi Hendrix. Não precisou de nem das palavras do velho safado francês. Que, a propósito, surge no final para dizer “Melody quis revisitar o céu de Sunderland/Ela pegou o 707, o avião da noite/Mas o piloto automático no comando da máquina/Cometeu um erro fatal para Melody”.

“Cargo Culte” é, talvez, a maior obra-prima do álbum. Abre em compassos lentos, com Serge mais rouco do que nunca, dizendo de maneira invocada que invocou um feitiço xamânico aprendido na Nova Guiné, fazendo com que o avião caísse. Em meio a lembranças nostálgicas do místico país, um mórbido coro, um baixo hipnótico e a guitarra ainda ousada, a peça mais rica em detalhes do álbum é trágica lírica e musicalmente, de uma dramaticidade poderosa e chocante o suficiente. Todo o álbum parece vir em flashback com os sussurros de Birkin e o coro indo do ápice ao enfraquecimento em uma nota suspensa quase transcendental, unindo os muitos mundos musicais que fecham o álbum até encontrar seu final em esvanecimento.

Serge, muito mais que a maior estrela da chanson, bem mais que apenas um artista pervertido, encarnou como ninguém os excessos com classe, elegância e libido. Serge era agonia e sexo, angústia e prazer, dor e gozo saindo pelas caixas de som sem a mínima vergonha. A quem ouvir, Gainsbourg recepciona com uma rosa em uma mão, uma arma na outra, um cigarro entre os dedos e um microfone, um copo de cerveja e Jane Birkin onipresentes. Violência, sexo e ebriedade. É disto que é feita esta genial obra, uma das que melhor capturam o universo e inferno particular de uma lenda que inspirou e até hoje inspira nomes como Mano Negra, Pulp, Suede, My Bloody Valentine, Nick Cave, Mike Patton, Cibo Matto, Sonic Youth, Beck, Franz Ferdinand, Placebo e Massive Attack. Mas querer sintetizar o universo de Serge chega a ser uma pretensão quase ofensiva. Seja guiado, seja violado, seja maravilhado... Seja bem-vindo à escória mais classuda de todas.

No New York

2008-01-17T02:51:00.000-02:00

Houve uma vez o Punk.Estilo que remou contra a maré que imperava na época, cheia de bandas pretensiosas de rock progressivo e a atitude excessivamente festeira da música pop em voga na época. Estilo que resgatou a simplicidade instrumental e o imediatismo abrasivo daqueles idos anos e acrescentou guitarras distorcidas, fúria subversiva, irreverência e hedonismo. Acompanhando de perto, vinha a New Wave, um punk mais palatável para as grandes massas. Ou melhor, o punk que não assustaria muito os mais velhos.

E no meio de toda aquela efervescência musical de New York, nos subterrâneos, havia os não punks.Segundo eles, o punk não havia revolucionado coisa alguma. Não havia trazido nada de novo. Para eles, riffs de Chuck Berry tocados de forma rápida e anfetamínica continuavam sendo o que sempre foram: apenas música antiga. E não contentes em apenas criticar, eles foram lá armar sua própria revolução. O nome dessa nova onda? Nenhum. Ou como entrou para história, No Wave.

E tal movimento entrou para a história graças ao esforço de um homem: o músico, compositor e produtor britânico Brian Eno, famoso pelo seu trabalho com o Roxy Music e com nomes como David Bowie, Robert Fripp e U2. No final dos anos setenta, havia acabado de produzir um disco da banda Talking Heads, mas permanecia na cidade maravilhado com tanta variação artística em um mesmo lugar. Porém, foi em um bairro sujo e decrépito, repleto de viciados e prédios abandonados de Manhattan que Eno foi achar aqueles jovens insatisfeitos com a vida. E com a música.

Subcultura da cultura punk que sentia náuseas de seus progenitores, a No Wave buscava total liberdade artística, o que dava origem às mais variadas bandas, mas todas com um ponto em comum: a insatisfação com a cena musical da época. Qualquer formato musical pré-definido criado até então era jogado sem mais delongas na lixeira. O que Brian Eno fez foi escolher quatro das melhores bandas do local em sua opinião e produzir quatro canções de cada uma. E assim, em 1978, chegou ao mundo o manifesto oficial daqueles que negavam o punk, negavam o conservadorismo travestido de revolução, e não obstante, negavam sua própria cidade natal. “No New York” era o título do disco.

Quem abre o disco é a banda James Chance And The Contortions. Assim como o pessoal do resto da coletânea, James Chance era uma figura exótica. Um psicótico vocalista e saxofonista fã de Charlie Parker e James Brown que tinha como saudáveis hábitos injetar heroína em cima do palco e brigar com o público.Tocando seu saxofone de maneira desordenada e dissonante combinado com uma cozinha mórbida e riffs maníacos de guitarra, o maluco grita frases violentas e niilistas, contra si mesmo e contra o mundo, imprimindo escrotidão nos esporros de “Dish It Out” e “Flip Your Face”, na gemida, torturante e perturbadora rebordosa de “Jaded” e no quase palatável e pra lá de histérico pesadelo de “I Can’t Stand Myself”. De fazer os moralistas tremerem nas bases antes mesmo de lerem as letras.

A partir daí, o buraco é cada vez mais embaixo. O segundo universo atormentado que chega aos ouvidos é da caótica cantora, poeta, compositora e atriz Lydia Lunch, futura colaboradora de Nick Cave, Sonic Youth e David Lynch, cantando à frente da banda Teenage Jesus And The Jerks. Quanto ao som, bem... O que você espera de uma banda cuja frontwoman falava nas entrevistas abertamente sobre seu vício e apreço por heroína? Nada menos que um som doentio. Talvez seja a única maneira possível de definir a assustadora antimusa. As guitarras de “Burning Rubber” são liberadas aos poucos, como em uma tortura feita por descarga elétrica, enquanto Lydia se acaba no microfone, com passagens do baixo e da bateria montando o mais torturante hardcore. “The Closet” é barulho desnaturado, inconseqüente e claustrofóbico, com a voz cortante de Lunch sendo um complemento perfeito para a muralha sonora tão ruidosa que mais parece feita de areia movediça. “Red Alert” é uma atualização de “L.A. Blues” dos Stooges que só dura trinta segundos. E “I Woke Up Dreaming” fecha o espaço de Lydia em meio à pancadaria arrastada de forma esplêndida, com seu baixo crescente que destoa da bateria hipnótica e da guitarra que mais parece uma trovoada condicionada. Talvez a banda mais autodestrutiva do movimento No Wave.

Antes do Nine Inch Nails, antes do Big Black, existia o Mars. Uma banda de som visionário, que vislumbrava as torturas eletrônicas de Trent Reznor e a sujeira escrota de Steve Albini em um som confuso, cheio de ruídos, bateria frenética e um vocal agudo, desesperado e quase esquizofrênico. Que o digam a perdição sonora de “Helen Forsdale” e a truculência quase desmaiada de “Hairwaves”. E não pense que acabou. A banda abusa novamente na tempestade elétrica e furiosamente discursada de “Tunnel”, com o vocalista Sumner Crane cantando de forma quase vomitada seus murmúrios retardados. A banda encerra sua parte no um minuto e pouco da bad trip marginal “Puerto Rican Ghost”.

A última banda, D.N.A. conta com a liderança de um compatriota nosso: Arto Lindsay, nascido nos Estados Unidos e crescido no Brasil, durante a época da Tropicália e colaborador de David Byrne, Gal Costa e Caetano Veloso. Talvez a banda menos doentia da coletânea, mas ainda assim, totalmente insana e barulhenta. Basicamente nos faz imaginar uma jam de John Cale e Ron Asheton em uma fábrica, com ruídos de máquinas a pleno vapor soando ao fundo, e muitas vezes, na frente dos instrumentos. A agressiva e pirada “Egomaniac’s Kiss” abre espaço para a metralhadora de disparos noise “Lionel”. Daí em diante, ouvimos os vocais chorosos de “Not Moving”, que golpeia o ouvinte de forma mecânica e impiedosa. E tudo acaba em “Size”, que apesar do início quase punk, em poucos segundos já virou uma massa vacilante, feroz e mórbida. O vocal rasgado, berrado e desafinado deixa a música mais não palatável ainda.

Apesar de ter surgido e encontrado seu fim antes mesmo de explodir (cá entre nós... impossível ser reconhecido por um grande público), o movimento No Wave foi um dos mais influentes da história da música do século vinte. Chocante, sem direção definida, mas com uma noção enorme de propósito, a No Wave faz ouvir seu ecos até hoje. Desde os próprios anos setenta, quando Joy Division, Suicide e Pere Ubu apresentavam sonoridades igualmente ousadas, passando pelos anos oitenta, em que foram lembrados por The Birthday Party, Big Black, Jesus And Mary Chain e Sonic Youth e chegando aos dias de hoje, onde ouvem-se seus rastros em Yeah Yeah Yeahs, Trail Of Dead e Flaming Lips.

Para quem quer noção do que é realmente arte de vanguarda, essa coletânea é indispensável. Tão indispensável quanto “Tropicália ou Panis Et Circenses” e “Nuggets”. A falta do medo de errar, a ausência de coleiras, tudo isso regado à muita heroína, auto-comiseração e um ruído inovador. E haja colhões de ridicularizar o principal ridicularizador da época.

Aniversário do Dangerous Music!

2008-01-16T00:30:00.000-02:00

Mais um ano que se passa e certos bastardos se recusam a morrer... Como todo bom vaso ruim se recusa a quebrar, o Dangerous Music segue firme e forte na missão que escolheu de escrever sobre música, nunca esquecendo o bom humor e a paixão pela música, sempre se empenhando em melhorar e agradar seu público alvo.

E mais uma vez, obrigado a todos os que lêem, acompanham, comentam, concordam, discordam e principalmente apóiam. That's what rock and roll is about!

The Stone Roses - The Stone Roses

2008-01-11T23:55:00.000-02:00

Bandas mais influentes do que propriamente reconhecidas. Delas, o mundo está cheio. O exemplo mais célebre é a célebre blank generation pré-CBGB's, quando grupos como The Velvet Underground, MC5 e The Stooges vendiam quantias irrisórias de seus discos e eram solenemente ignorados e arrasados pela crítica. Mas que, apesar dos pesares, cada um que comprou o disco na época formou sua própria banda e chegando ao topo, fez questão de lembrar-se de suas raízes. E era aí que o grande público entrava em contato com nomes até então obscuros como Lou Reed e Iggy Pop.

Então pense nos grandes nomes da música britânica dos anos noventa. Lembrou de Oasis, Blur, Primal Scream, Pulp, Suede, Manic Street Preachers, The Verve? Pense em nomes recentes classificados pela crítica como New Rave. Lembrou dos Klaxons, Shitdisco, Datarock?

Pois saiba que todos eles admitem influência de uma mesma fonte: de Madchester, movimento musical surgido na cidade de Manchester no final da década de 1980 que combinava punk, new wave, psicodelia, funk, hard rock e eletrônica para criar uma música viajante, experimental, dançante, de pegada roqueira, de melodias etéreas e vocais delirantes. Dentre tantas bandas que se encaixaram nesse caso clássico de injustiça e incompreensão, como Happy Mondays, Inspiral Carpets, The Charlatans, 808 State e A Guy Called Gerald, estavam The Stone Roses, expoente principal do movimento.

Apesar de ter tido certo reconhecimento em seu país de origem e tendo sua obra vista como visionária por muitos críticos, os Stone Roses não conseguiram ir muito além. Mas enquanto esteve ativo, impressionou quem entrou em contato com a contracultura dos hooligans em êxtase; as raves que participavam, picos da Acid House, chegaram a ser conhecidos como o Segundo Verão do Amor - uma combinação de música, drogas, hedonismo e busca pela liberdade, assim como no primeiro, naquele longínquo ano de 1969. O que definia exatamente os Stone Roses: um quarteto de jovens temperamentais, chegados à experimentação e uso de substâncias ilícitas e com uma incrível fome de absorver qualquer som interessante para logo em seguida cuspi-lo em forma de música bastante autoral e inovadora para a época.

Os Stone Roses foram a banda que deu à nova geração do Rock And Roll um duo conflitante de opostos, assim como Lennon e McCartney, Gilmour e Waters e Morrissey e Marr: o vocalista Ian Brown e o guitarrista John Squire. Dois egos tão gigantescos quanto geniais, que eram a força motriz que movia a banda. Ian, um showman de nascença, ousado, inconseqüente e lisérgico como seu papel pedia. Squire, ainda que introspectivo, era um virtuose feroz e um rocker de primeira. Completavam a banda a cozinha do baixista Gari "Mani" Mounfield e do baterista e backing vocal Alan "Reni" Wren.

Controvérsias existem sobre as afirmações acima – é natural. Mas o primeiro álbum, e quem tiver ouvido há de convir comigo elimina toda e qualquer dúvida existente sobre o potencial dos Stone Roses. Auto-intitulado, o álbum estava definitivamente um passo à frente de sua época, o que torna totalmente válido a citação à arte do pintor Pollock na capa. Era uma banda dos anos oitenta com um som já totalmente anos noventa, na atitude, na estética sonora, no conceito e na fome de criação.

“I Wanna Be Adored” surge como um titã em meio a um mar de ruídos, até que o baixo começa a dar corpo à uma canção com um groove hipnótico e guitarras em pleno estado de delírio. “Eu não tenho que vender minha alma/Ela já está em mim/Eu quero ser adorado”, diz um abusivo e insolente Ian Brown afogado nesse mar de pura e gritante psicodelia insana, com uma cozinha seca e direta em constante contraste com suas borbulhantes seis cordas e seus vocais suspirados e excitados.

Tremendamente sexy, esta é “She Bangs The Drums”, com belíssimas bases de guitarra combinadas com algumas das harmonias vocais mais perfeitas da década de oitenta. Entre solos alucinógenos de Squire e um baixo sempre na cara Brown canta sobre uma garota que o deixa fraco quando ele a vê dançando. “Você a viu, você a ouviu? /O jeito que ela toca não há palavras/Para descrever o que eu sinto”.

“Elephant Stone” começa com uma guitarra tão distorcida que pode fazer com que ouvinte pense que irá desaguar em uma regravação do mestre Hendrix. Ledo engano. De pegada pulsante, de vibração única e um belo refrão, com uma letra viajada digna de figurar nos discos das melhores bandas hippies dos anos sessenta: “Estourar no paraíso/Beijo nas nuvens do algodão /Folhas do ártico e campos do trigo/Eu não posso parar de vir para baixo”, a música cativa pelo senso pop único do qual a banda não parava de demonstrar canção após canção.

De início sutil, dividido entre o vocal permanentemente chapado do vocalista e as guitarradas transcendentais de John Squire, “Waterfall” ganha grande pegada com a introdução da cozinha, com direito a intermezzos, e desenvolvimento de estrutura rocker. A letra fala sobre uma garota que é uma verdadeira queda d’água, sempre levando tudo consigo. E qualquer dúvida da técnica e a criatividade de Squire como guitarrista acaba aqui – mesmo não executando as mais complicadas peças do mundo, é capaz de criar momentos literalmente de tirar o fôlego, tal qual sua guitarra cantasse em dueto extasiado com Ian.

“Don’t Stop” inicia uma muralha sonora viajante com guitarras ressonando e vocais etéreos de Ian Brown sobre uma cozinha de marcação constante, em contraste com as volúveis seis cordas. “Não pare/Não é engraçado como você brilha?”, pergunta o refrão, em uma letra que mistura indignação, dor e tristeza. O desfecho quase tribal encerra a canção de forma envolvente.

Com ares nostálgicos na introdução, “Bye Bye Badman” reparte momentos cadenciados e instantes crescentes, volúveis, fortes e dançantes. “Eu tenho uma má intenção/Eu pretendo te derrubar/Essas pedras que eu jogo/Oh, esses beijos franceses/Foram a única maneira que eu encontrei”, canta um torturado Brown no marcante refrão sendo guiado pela pegada direta e na lata.

Em menos de um minuto, Ian aproveita as doces cordas de “Elizabeth My Dear” para cantar “Me divida em pedaços e ferva os meus ossos/Eu não descansarei até ela perder o trono/Meu alvo é verdadeiro, minha mensagem é clara/São cortinas para você, Elizabeth, minha querida”, em uma heresia revoltada vertida em harmonias pop digna dos Smiths em seus melhores dias.

“(Song For My) Sugar Spun Sister” tem um dos riffs de guitarra de ares mais positivos até então, destoando da maior parte das criações de Squire, em sua maioria lisérgicos, viajantes, cadenciados e de ares quase soturnos. A letra é uma das mais impactantes até então, tratando ora sobre uma paixão por uma conturbada garota, ora em estrofes de cunho político como “Até o céu ficar cinza/O gramado tem várias sombras de azul/Todo os membros do Parlamento cheiram cola”. Apesar do contraste melódico, a estruturação rítmica é típica dos Stone Roses, com a cozinha sempre precisa.

Uma das baladas mais melancólicas dos anos oitenta, “Made Of Stone” vem embarcando em melodias sombrias, vocalizações emotivas e forte bateria. O mote da canção é a solidão, com seu protagonista em primeira pessoa dizendo versos como “Quando as ruas estão frias e solitárias/E os carros queimam atrás de mim/Você está sozinho?/Você é feito de pedra?”, em um delirante e envolvente refrão digno de nota. John Squire de novo merece nota dez por outro solo abusando de transcendência psicodélica.

“Shoot You Down” começa só com a cozinha, com o baixo se sobressaindo, mas logo John Squire trata de inserir sua trip melódica. Ian Brown, lunático e provocativo, dispara uma letra violenta ainda que cantando em perfeitas harmonias vocais. “Você sabe isso/Você mostra isso/E o tempo chegou/De atirar em você/Mas que som/E quando o dia estiver acabado/E tudo tiver funcionando/Eu adoraria fazer isso, você sabe que você sempre teve isso vindo”. Vingativo, sarcástico e amargo: uma aula de como ser docemente ultrajante.

De início pesado, com as guitarras soando alto e a bateria com o mesmo impacto de um martelo chocando-se contra os tímpanos, “This Is The One” reparte linhas vocais calmas e tranqüilas, rápidas explosões de pancadaria e momentos quase sussurrados. Ian diz que de todos os seus planos, essa era o que uma garota estava esperando há tanto tempo. Deixar o país, dando certo ou não... É o plano que os dois esperavam. Mesmo repetindo o título da canção à exaustão, a banda nunca faz disso algo enjoativo. Faz disso um convite para submergir no mar colorido da banda.

E fechando o disco, “I Am The Ressurrection”, uma obra prima de oito minutos e indubitavelmente uma das melhores músicas dos Stone Roses e, conseqüentemente, dos anos oitenta. Tudo funciona bem: desde os acordes envolventes de Squire, passando pelo baixo soando alto e na frente, a bateria matadora, e para variar, mais vocalizações perfeitas e marcantes de Ian Brown, que se acaba no refrão, gritando indignado “Eu sou a ressurreição e eu sou a vida/E eu não posso nem ao menos trazer a mim mesmo/Para odiar você do jeito que eu gostaria”. A música sofre reviravoltas mil, com solos dignos de Jimi Hendrix chocando-se com uma cozinha Soul, crescendo para explosivos momentos quase hard rockers. Puro êxtase auditivo, com a banda em transe convidando o ouvinte a fazer o mesmo. Duvido que alguém da Madchester recusasse.

A banda, por triste ironia do destino, acabou em 1996, o ano em que seus seguidores chegavam ao poder e roubavam o cetro, a coroa e o trono de Kurt Cobain. Mesmo não sendo reis, criaram uma dinastia sangue azul das mais potentes da história da música. E ainda deixaram um belo legado próprio neste primeiro álbum. E, com novos expoentes da música citando os Stone Roses como referência, dá pra dizer que o álbum ainda é visionário, juvenil e envolvente mesmo quase vinte anos após seu lançamento. Deixe o quarteto que quase dominou o mundo abrir suas portas da percepção. Segundo as sábias palavras de William Blake, é a única maneira de ver além.

Algo de Novo No Front - Especial Sulista

2008-01-08T17:27:00.000-02:00

Derivados
Vinda de Porto Alegre e formada por Maurício Círio nos vocais e guitarra, Roberto Menezes nas guitarras e backing vocal, Pedro Brauner no baixo e Lucas Vitória na bateria, os Derivados levam o nome à sério na hora da composição de suas canções: Rock And Roll, Blues e Pop dos idos tempos constituem a base da maior parte das canções. A temática é variada, indo desde a introspecção dos relacionamentos, caso de "Recepção a Dois" até hinos de exaltação ao estilo mais rebelde da música contemporânea, tal qual "Blues And Roll". Apesar da técnica excelente, a banda não esquece de sua premissa básica: um som de fácil assimilação, direto e de bom gosto. Atualmente, a banda está gravando seu primeiro álbum com o produtor Ticiano Paludo.

>www.myspace.com/derivados

>http://mauriciocirio.blogspot.com/

Anna Lógica

Ao contrário da maioria esmagadora das bandas sulistas, o power trio Anna Lógica - formado pelo vocalista e guitarrista Bruno Rosa, o baixista Thiago Suiça e o baterista André Guilherme - não procura os pilares de seu som nos anos sessenta, em viagens psicodélicas ou melodias da british invasion. O lance da banda é de trinta anos depois, as guitarras distorcidas e a cozinha bem trabalhada servindo de suporte para harmonias vocais marcantes e de fácil memorização. A banda já tem um primeiro álbum, auto-intitulado, lançado em 2007, que conta com onze músicas. A banda tem potencial para acertar em cheio no gosto de fãs de bandas como Foo Fighters, Stone Temple Pilots e Audioslave. Influências estas que resplandecem tanto nas guitarradas invocadas de "Psicótica" quanto na balada "Telégrafos na Lua", que poderia ser muito bem o produto final de uma composição em conjunto de Scott Weiland e Dave Grohl. E o melhor: Não soam datados em nenhum momento.

>www.myspace.com/annalogica
>http://palcomp3.cifraclub.terra.com.br/annalogica/
>http://tramavirtual.uol.com.br/artista.jsp?id=23770
>www.youtube.com/watch?v=lEJa1zkdJh8
>http://www.orkut.com/Community.aspx?cmm=2373002
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No News Found

Com quase 4 anos de existência, a banda No New Found evoluiu rapidamente de banda cover até uma banda com músicas próprias. Guto (Voz e Guitarra), Lucas( Baixo), Marcos (Guitarra) e Leo Hawkins (Bateria) praticam um rock de influências variadas, indo desde riffs pesados e certeiros até solos em vôos quase progressivos, passando por melodias cheirando a indie rock. O resultado final é extremamente bem vindo, e por menos eclético que seja o leitor, o peso de uma música como "Believe It" já é um argumento forte o suficiente para convencer o leitor a dar uma ouvida.

>www.nonewsfound.com
>www.myspace.com/nonewsfound
>www.fotolog.com/nonewsfound

Fat Pride

Mais uma filha da cultura do Skate,o Fat Pride tira de bandas como NOFX, Lagwagon e Bad Religion a força motriz para fazer seu som nascer. O resultado é hardcore veloz e furioso, melódico e introspectivo, fazendo jus às outras bandas do gênero e, mesmo com letras pessoais, não caem em chororô barato e autodepreciação desnecessária. "Recomeçar" confirma todas as afirmações feitas até agora, sendo esta um cartão de visitas bastante apresentável. Os apreciadores do gênero, definitivamente, não vão se decepcionar. Na verdade, após os cinco primeiro segundos de música, já imagino pessoas pogando...

>www.fatpride.com.br
>www.fotolog.net/fatpridehc
>www.purevolume.com/fatpride
>www.myspace.com/fatpride2002
>www.tramavirtual.com.br/fat_pride

the jesus and mary chain - psychocandy

2008-01-05T03:06:00.000-02:00

desconsidere a leitura dessa resenha se você não ouviu o álbum, a menos que o faça depois de ler. obrigado.

já ouviu velvet underground? espero que sim. e beach boys, já? stooges, sex pistols, bubblegum pop? sons que nada têm a ver um com o outro, na maioria das vezes: pop bobinho e punk de guitarras distorcidas. imagine isso tudo misturado, com chiados o tempo todo, distorção ao máximo e, ao mesmo tempo, melodias harmoniosas e letras simplistas. se situe: estamos em 1985, o punk rock estourou há pouco, mas precisamos de outra banda para revolucionar o rock, este que está meio moribundo com toda essa onda de new wave e disco. agora, por um minuto, pense que existe alguém que, com o tal som maluco, quebre as barreiras do rock e crie um disco maravilhoso. estamos falando de the jesus and mary chain. e do álbum "psychocandy".

os irmãos william e jim reid passaram a infância ouvindo tudo de mais pop e de mais vanguardista que existia nos anos '60. nos anos '70, se explodiram junto com os punks. na década seguinte, resolveram montar uma banda. chamaram o futuro líder do primal scream, bobby gillepsie, p'ra tocar a bateria (na verdade, ele pegava dois bumbos e batucava, mesmo ao vivo). douglas hart, futuro diretor de videoclipes, foi escolhido como baixista. william ficava com as guitarras, jim com os vocais, embora se alternassem nesses dois papéis.

depois do single ''upside down'' e de algumas apresentações históricas ao vivo, em que tocavam de costas ao público visivelmente chapados e/ou embriagados, resolveram lançar em um lp todas as músicas que já provocavam furor em glasgow, na escócia. decidiram chamá-lo de "psychocandy", como chamavam uma das canções do seu repertório.

e quem ouvisse esse lp iria se surpreender com a bateria do começo. é realmente hipnotizante. ao ouvir o jorro de acordes e ecos, junto com a voz que murmura sobre uma garota que, ''enquanto dá meia volta no mundo'' é ''igual a mel'', ''just like honey''. é difícil conseguir não ser tomado por um sopro de calmaria e romantismo enquanto william reid transforma a harmonia em viagem: aconselho não tentar.

porrada nos ouvidos! se a primeira faixa era uma viagem astral, essa é um esporro de fúria e velocidade. ''the living end'' é punk rock puro, com uma chiadeira do início ao fim, tudo soando distante e ao mesmo tempo pulsante. uma letra que se ajusta, falando sobre correr de motocicleta, transforma dois minutos e dezesseis segundos em um verdadeiro acidente sonoro. cuidado com o volume, é suscetível a danos irreparáveis.

''taste the floor'' é caos puro, destruição. mais lenta mas não menos pesada que a anterior, numa parede de arranhados e microfonias, descreve uma sucessão de catástrofes, com pitadas metafóricas como em ''e o sol não brilha/e todas as estrelas não brilham/e todos os muros caem/e todos os peixes se afogam''. acredite, essa sensação de entrar dentro de um tema vai se repetir ainda algumas vezes enquanto ouvir jesus and mary chain...

''eu nunca pensei que esse dia chegaria/ quando suas palavras e seus toques me deixam anestesiado''... uma das melhores canções de amor de todos os tempos: ''the hardest walk''. outro ponto para a qualidade lírica: ''a caminhada mais dura que você pode dar/ é a caminhada que você dá de a para b para c''. num êxtase puro, em que todos os instrumentos e os vocais parecem atingir um clímax, jim canta com rara sinceridade: ''não quero que você me queira/ não quero que você precise de mim''... ninguém escreveu uma música tão boa sobre o quanto é difícil se expressar desde ''i want to tell you'', dos beatles.

cordas calmas e elementos vocais pop, uma atmosfera esfumaçada, dominada por um eco sutil. jim balbucia um monte de simbologias líricas, suspira em meio a esse amontoado de colagens sonoras... e funciona. é incrível o quanto ''cut dead'' é bonita. enquanto quem ouve se afoga nessas ondas de som, a música acaba.

a distorção de william acorda o dito em poucos segundos, na punk ''in a hole''. a letra não fará sentido se você não se afundar na loucura dentro dela. não aconselho ouvi-la em momentos de choque emocional, porque ela não é exatamente o que eu chamaria de ''alegre''. jim reid grita no refrão, ''espíritos grudentos/ na minha alma/ tem algo morto dentro do meu buraco''. em vez de esconder as tristezas, aprofunde-se nelas, desbrave-as dentro de um buraco.

''quebra do amanhacer/ cindy está se movendo/ falando cindy p'ra todo mundo/ até ela ter sua diversão''. ou ''taste of cindy'' vai fazer com que você se pergunte do que diabos ele está falando, com uma sonoridade bela mas crua, ou fará com que você consiga ver a cindy ao seu lado.

um som chiado luta contra uma harmonia maravilhosa, ganha em alguns momentos mas perde com a fúria dos vocais, que choram: ''nunca entende, você nunca me entende''. ''never understand'' é mais ou menos tudo que temos por dentro, a raiva, a beleza, a calmaria... tudo em um constante conflito.

não perdemos esse sentimento profundamente triste, mas belo, na próxima canção. ''inside me'' tem um tema claustrofóbico. enquanto as guitarras parecem se fechar em volta de você, jim faz uma espécie de lista das coisas que lhe parecem incomodar, para depois dizer que tem algo dentro dele... o quê? pode ser qualquer coisa. pergunte a si mesmo.

''eu vejo pessoas caindo'' é a frase ouvida entre batidas e cordas, ''e eu não deveria estar sozinho/ e eu deveria estar no telefone''... depois de toda a pancada das músicas anteriores, em ''sowing seeds'' eles se redimem e pedem paz, literalmente: ''eu estou doente com as batidas de todo mundo/ eu quero paz/ eu estou plantando sementes''... uma canção linda, no mínimo. the jesus and mary chain consegue fazer isso, às vezes.

''my little underground'' parece pulsar entre versos que falam sobre correr, viver, procurar um lugar que não seja frio... a guitarra aqui tem a incrível capacidade de animar com facilidade até a mais triste das almas. não há porquê descrever mais, ouça e sinta.

''you trip me up'' tem um lirismo belo e triste, com uma linha de baixo incrível, guitarras que soam como uma canção pop (de maneira bizarra, claro), e uma letra típica você-me-engana-eu-te-amo, mas sem cair no lugar-comum: ''mas você me quebra em dois/ e me empurra p'ra longe/ me bate nas costas/ vou ter um ataque cardíaco'', com o refrão ''você me engana''... poucas bandas conseguem criar algo realmente bonito sobre um assunto tão comum.

o riff de ''something's wrong'', junto ao seu ''doo doo doo doo'', faria dessa faixa um pop dos anos '60, se não fosse pelo eco insistente e a guitarra, que vomita distorção por todo lado, e a bateria, que mais parece um coração batendo que um elemento musical. é meio difícil de interpretar, mas provavelmente fica mais fácil se cada um entender a seu modo. o título diz que ''algo está errado''. mas o quê, exatamente, fica a cada um de nós descobrir.

''it's so hard'' termina o disco de maneira plena, numa faixa fortemente influenciada pelo post-punk e, se me permitem dizer, provavelmente com um teco de joy division. ainda mais obscura que o comum, aqui a guitarra parece mais com um barulho propositalmente irritante, e a voz não canta, mas murmura. ''é tão difícil/ não ser como uma boneca/ andar e não rastejar''... talvez seja essa a mensagem final do jesus and mary chain, mas não acho que seja o caso. uma obra dessas não pode ser resumida.

em resumo: psychocandy é o melhor disco dos anos oitenta. ponto final. não precisam acreditar, ouçam e comprovem. podem até discordar, mas vai ser difícil você ouvir isso e continuar pensando do mesmo modo - sobre qualquer assunto. the jesus and mary chain, em 1985, lançou um álbum revolucionário e entrou na seleta lista de bandas que podem mudar o mundo. não tente resistir, não procure defeitos - viaje com jim, william, bobby e douglas. adentre seus medos profundos, jogue suas paixões em forma de enigmas, passe a ver o mundo de maneira mais esfumaçada. entregue-se. ouça.

n.d.a.: antes que algum imbecil pergunte onde está ''some candy talking'', essa canção não foi resenhada porque não estava na versão original do disco, mas apenas numa edição de 1986 e no lançamento em cd de 1997 (embora apenas no reino unido). ela pode ser encontrada na coletânea 21 singles. obrigado.

Os Melhores Álbuns de 2007

2007-12-31T19:49:00.000-02:00

Eis que mais um ano encontra seu final. Mais um daqueles anos repletos de alegrias, risos, lágrimas, tristezas, diversão, tédio... Só não é a mesma coisa porque as razões, motivose e demais coisas sempre mudam. Novas experiências são vividas e no mundo da música não poderia ser diferente. Um ano de reuniões marcantes como do The Police e do Led Zeppelin, fazendo a alegria de nostálgicos, e que novos ícones do mundo da música estouraram no Brasil e no mundo, tanto quanto os de rock mais básico e agressivo, como Juliette And The Licks, como toda a nova onda new rave. E os ícones de outros verões apareceram com novos trabalhos. Em casas de show undergrounds e em sites de internet, arquitetam-se novas revoluções a explodir. Em todos os cantos do mundo. Parte do time do Dangerous Music, Bêr, Hugo, Luden e Liz, escolheu seus cinco favoritos do ano para recomendar a audição. Se esse ano o rock continua tão bom como antes, você decide!

Bêr:

1.Arcade Fire - Neon Bible

Mesmo com tantos trabalhos de qualidade lançados este ano, inevitavelmente um se destacou mais no meu gosto: “Neon Bible”, dos canadenses do Arcade Fire. Superando até seu antecessor, “Funeral”, o que já era páreo duro, a banda alcança um nível que poucos contemporâneos conseguem. Pop perfeito digno dos Smiths em seus melhores dias, diferente e ousado, sombrio e emocional, erudito e simples, uma mescla sensível e intensa do melhor já produzido pela música pop.

Se for genial ou não, fica a critério de cada um. Mas os desfiles de hinos do Rock ainda não descobertos pela grande massa já aparecem aos montes antes mesmo do disco chegar à sua metade. Canções como “No Cars Go”, “(Antichrist Television Blues)” e “My Body Is A Cage” mostram que o Rock não está apenas vivo e atuante, como também tomando novos rumos, apesar de todo conservadorismo empoeirado e nostálgico. Uma obra daquelas de girar o mundo em 360º a cada canção.

2.Grinderman - Grinderman
3.The White Stripes – Icky Thump
4. Queens Of The Stone Age – Era Vulgaris
5.Ozzy Osbourne – Black Rain

Hugo:

1.Radiohead - In Rainbows

Com uma idéia de venda muito criativa, um som suave, rítmico, etéreo e razoavelmente bipolar (típico dos Radiohead), o disco rendeu mais dinheiro aos integrantes da banda que todos os outros álbuns juntos. Criticada ou aplaudida, a banda conseguiu causar uma polêmica razoável no mundo artístico, colocando em xeque o destino da música em cd, contemporânea das grandes redes de compartilhamento de arquivos.

As faixas que fascinam pela versatilidade e pela criatividade rítmica e instrumental tem gosto nostalgicamente futurístico.Sendo assim, os característicos ritmos suaves e macios, que podem levar a profundas reflexões, se fazem tão presentes no álbum como agitadas maluquices e batuques dançantes. Idéias criativas e sons esquizofrênicos habitam o álbum.A lírica, tipicamente cognitiva e criativa, não deixa a desejar e, mesclada com acordes bem-construídos, assina em nome da banda que, inovadoramente, consegue, mais uma vez, inovar.

2.Chico Buarque - Carioca (ao vivo)
3.Arcade Fire - Neon Bible
4.Bloc Party - A weekend at the city
5.Lobão - Acústico MTV

Luden:

1.Violins - Tribunal Surdo

Terceiro cd da banda de goiânia liderada por Beto Cupertino, que com suas letras políticas coloca-se junto a Dary Jr. (Terminal Guadalupe) e prova que ainda pode-se fazer boa música com críticas e inteligência.

2.Radiohead - In Rainbows
3.Wilco - Sky Blue Sky
4.Terminal Guadalupe - A Marcha dos Invisíveis
5.Superguidis - A Amarga Sinfonia do Superstar

Liz:

1.Nine Inch Nails - Year Zero

O fim do mundo não me parece tão bom quanto em Year Zero, impactante do começo ao fim, uma porrada na cara, bem dada, daquelas duradouras, que ardem no final. Pode até ser paixão de fã, mas Year Zero é realmente alucinante, e eu, que aguardei seu lançamento desde o embrião, não me arrependo das horas gastas procurando trechos das faixas recém mixadas. Vale conferir o álbum na ordem, música por música, se deixar levar pela pesquisa de sons que começou no laptop do ônibus da turnê, pela paranóia, pelo masoquismo criado pela voz melodiosa de Trent Reznor que tenta disfarçar as porradas.

Destaque para "The Beginning Of The End", "The Good Soldier" e a forte "Meet Your Master". Os ruídos nunca foram tão saborosos, o fim do mundo nunca foi tão produtivo, SALVE NINE INCH NAILS e um bom 2008 para todos que amam música!

2. Radiohead - In Rainbows
3. Marilyn Manson - Eat Me, Drink Me
4. John 5 - The Devil Knows My Name
5. Arcade Fire - Neon Bible
Bônus:
6.Wilco - Sky Blue Sky
7.The Shins - Wincing The Night Away
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O Dangerous Music deseja a todos os seus leitores um feliz 2008 para todos e todos os clichês do tipo que nunca são demais desejar. Enquanto não tiverem satisfaction, continuem correndo atrás do que querem. Muita boa sorte para todos.

Long Live Rock And Roll - All You Need Is Love!

Os Mutantes - Os Mutantes

2007-12-19T19:13:00.000-02:00

"É o samba-rock, meu irmão

Mas em compensação

Eu quero ver um boogie-woogie

De pandeiro e violão

Eu quero ver o Tio Sam de frigideira

Numa batucada brasileira..."

Já cantou o eterno Jackson do Pandeiro naquele longínquo longiquíssimo ano de 1959, mal sabendo (ou talvez soubesse?) que seus desejos não tardariam a se realizar. E olha que nem aqueles generais chatos, conservadores e caretas conseguiram impedir que uma década inteira fosse puro chiclete com banana, duas décadas antes daqueles subversivos quadrinhos undergrounds de Angeli e Laerte. Ah, e daquele micareiteiro grupo baiano de axé também...

Pois bem. Como todos já sabem, a década de sessenta foi a era da tropicália, movimento artístico-cultural às voltas com música, teatro, cinema e artes plásticas que foi influenciado pelo antropofagismo, pela pop-art e pelo concretismo que absorvia qualquer elemento cultural apetecível a eles, fosse ele erudito, pop ou comum. E juntos a tantos artistas dispostos a chutar o pau da barraca, vinham de São Paulo os irmãos Arnaldo Baptista e Sérgio Dias juntos a uma adorável ruiva chamada Rita Lee. Formado a partir de bandas como The Wooden Faces, Six Sided Rockers, O'Seis e Konjunto, o trio foi chamado pelo cantor Ronnie Von para servir de sua banda de apoio, fazendo assim sua estréia televisiva no programa "O Pequeno Mundo de Ronnie Von". E já pressentindo o caráter revolucionário do grupo, sugeriu um nome diferente e chamativo, inspirado em um livro de ficção científica de um escritor francês chamado Stefan Wul, perfeitamente cabível no estilo disforme e insano que o grupo seguia: Os Mutantes.

Em 1967, participam do Festival da Record ao lado de Gilberto Gil na música "Domingo No Parque" e do claramente SargentPepperniano "Tropicália Ou Panis Et Circenses", revolucionário disco para a música brasileira em que vários artistas como os próprios Mutantes, o já supracitado Gil, Caetano Veloso, Nara Leão e Gal Costa davam voz a uma enxurrada de músicas que passariam para a eternidade sob suas vozes, tudo sob a batuta do genial maestro Rogério Duprat. Mas faltava que Os Mutantes desbundassem sozinhos, assim como seus parceiros de disco já haviam feitos.

Desejo atendido em junho de 1968, pois. Naquele ano o trio lançava seu primeiro trabalho em LP, intitulado simplesmente de "Os Mutantes". Apesar do tanto que foi dito na época e polemizado nas décadas seguintes, o disco era além de mero filhote da fase psicodélica dos quatro fabulosos de Liverpool; de sonoridade muito mais anárquica que qualquer banda gringa, cabia tudo no caldeirão desses três bruxos: psicodelia, música concreta, distorções de guitarras, feedback, truques de estúdio, música erudita, samba... Com Arnaldo nos baixos, teclados e vocais, Rita nos vocais e percussões, Sérgio Dias nas guitarras e vocal e amparados pelos arranjos de Duprat e a bateria de Dirceu, o disco ultrapassava os rótulos e fronteiras nacionais e internacionais de qualquer gênero musical conhecido no período. As letras, assim como o som, caminhavam entre o sentimental, o nonsense, o sarcástico, o antropofágico, o muderno e o concretista, fazendo deste álbum dos registros mais originais lançados não apenas na história da música brasileira, mas na história mundial da música contemporânea.

Eu sei que vosso ceticismo aumenta dia após dia, mas não exagerem tanto dessa vez. Mas tudo bem, se a vontade de ser blasé falar mais alto, deixo que as trombetas da abertura "Panis Et Circenses", composição da dupla Gil e Caetano, te empurrem na cadeira e os mutantes comecem a guiar os incrédulos em uma peça orquestrada, lisérgica, complexa e chocante, que ia além até do que seus influenciadores Beatles faziam; E Rita canta sob um ritmo pulsante a cativante letra que contém versos "Eu quis cantar/Minha canção iluminada de sol" e "Mandei fazer/De puro aço luminoso um punhal/Para matar o meu amor e matei", sempre reclamando que as pessoas na sala de jantar pouco prestam atenção nela, mais preocupadas em nascer e morrer, numa provável crítica aos costumes da alienada nação brasileira na época. E a canção é pura melodia, é pura e vertiginosa alucinação, é pura zoeira com suas brincadeiras de estúdio que imitam um animado jantar, é tudo isso e um pouco mais. Saia daí da sala de jantar e venha aqui um minuto, por favor, ouvir a próxima surpresa...

..."Tosse, todo mundo tossindo, vai! cof, cof-cof, AAARGH!". É dessa horripilante forma que o grande Jorge Ben, participando especialmente, dedilha no violão os primeiros acordes no violão de sua composição "A Minha Menina", seguido de perto para o riff distorcido e super elétrico de guitarra e o vocal chapado e em transe de Arnaldo cante "Ela é minha menina/E eu sou o menino dela/Ela é o meu amor/E eu sou o amor todinho dela", entre outros versos inocentes, apaixonados e fascinados, por vezes ate oníricos. A cozinha tem um sabor brasileiro incrível, com um groovezaço do baixo e uma percussão forte e pesada, deixando a música com um ar inovadoríssimo. E a canção segue nesse verdadeiro boogie-woogie de pandeiro e violão até acabar de forma tremendamente divertida.

Ruídos de água pingando nos apresentam "O Relógio", balada arrastada e lenta, com um baixo sólido e melodias doces, onde Rita lamenta... Que seu relógio parou de funcionar! Descontando o sarcasmo, podia até estar no "Sgt. Peppers", se não explodisse de maneira violenta por alguns segundos para então voltar indelicadamente para o clima de balada. Os arranjos fragmentados de Rogério Duprat só ajudam a ter certeza que a forma de governo optada pelos justicieros do país dos Baurets é anarquia, pura e simples. E sim, naquela concepção preconceituosa de bagunça, zoeira e violência... E com muito mais graça que aqueles grupos conservadores chatos! Só não tem mais graça por causa da coitada da Rita... Como ela vai ver a hora em que seu amor chegará? "E no mar me atirei/Com o relógio nas mãos e pensei/Ele é à prova d'água/22 rubis"...

"Adeus Maria Fulô" abre ao som de passarinhos e vocais etéreos, quase sumidos e distorcidos. Eis que entra um rock-baião, com os versos "Adeus, vou embora meu bem/Chorar não ajuda ninguém/Enxugue seu pranto de dor/Que a seca mal começou". A percussão deliciosa mistura-se aos vocais animados e festivos, mesmo tratando sobre despedidas, sendo uma psicodélica atualização da original composta pelos consagrados Humberto Texeira e Sivuca.

A próxima foi escrita por Caetano Veloso. "Baby", também conhecida pela versão da gritadora Gal Costa ao lado de Veloso, ganhou vários ruídos misteriosos, teclados soando alto, distorções chorosas e ruídos zoados que combinam com a letra irônica, romântica e atual para a época. "Eu sei, comigo vai tudo azul/Contigo vai tudo em paz/Vivemos na melhor cidade/Da América do Sul". E, não sendo nem um pouco imparcial, a versão mutântica ficou bem melhor. Juro que não é implicância, Caê!

"Senhor F", subversiva como ela só, podia ser muito bem ser um jazz de algum musical dos anos quarenta ou cinquenta, com seus vocalistas berrando, impondo a voz e sendo acompanhados por efeitos de desenho animado. "Você também/Quer ser alguém/Abandonar/Mas tem medo de esquecer/O lenço e o documento outra vez" canta a revolta dançante com um baixão muito bem imposto. Não dê bola se ficar ouvindo essa música tão alto que sua esposa, sua mãe ou seu chefe mande abaixar o som. Por via das dúvidas, siga o refrão e dê um chute no patrão!

Acenda um charuto, prepara a galinha preta e liguem o Bat-Sinal! "Bat Macumba", de Gil e Veloso, experimental e visionária ao último, com melodias entrecortadas e agradevelmente irritantes que ainda seriam vistas mundo afora muitas vezes, com uma percussão tribal e um baixo que inevitavelmente prende a atenção, enquanto a banda grita insistentemente, "bat macumba ê-hê, bat macumba ô-bá!". Santo pai-de-sant0, Batman!

"Le Premieur Bonheur du Jour", música da chanson française famosa na voz de Françoise Hardy, um dos maiores ícones dos anos sessenta. Com introdução onomatopéica, logo se transforma na mais bela canção do disco, com a voz suave e viajante de Rita contribuindo com um charme todo especial, com ela cantando em bom francês, "A primeira alegria do dia/É uma fita do sol/Que se enrola na sua mão/E acaricia meu ombro", o acompanhamento singelo de Sérgio e Arnaldo só ajuda a fazer com que a canção tenha mais beleza ainda.

Introduzida por flauta e uma barulhenta bateria, "Trem Fantasma" logo cai em uma música lenta, arrastada e maníaca, com um ritmo envolvente e vocais derretidos e embebidos em psicodelia, com Rita, Arnaldo e Sérgio alternando e cantando junto sobre um trem fantasma que custava 400 cruzeiros. Casais se beijando, velhos amendrontados, Zé do Caixão e muito mais. Cheia até o pescoço de reviravoltas e com harmonias vocais belíssimas, a música é uma viagem só... E nem um pouco horripilante!

Um coro religioso introduz "Tempo no Tempo", mas logo vêm os jogos de palavras, as harmonias vocais brincalhonas, com o instrumental parecendo ser trilha sonora de algum suspense antigo. Não faltam os habituais ruídos de objetos mundanos ao mundo da música, as letras cheias de ícones e figuras e críticas escondidas ou nem tanto... Tudo isso na música mais curta da bolacha, não chegando nem aos dois minutos.

E fechando, "Ave, Genghis Khan". Com um teclado lisérgico e com a banda repetindo o título em tom até meio misterioso, a canção segue entre paradas, reviravoltas, quebras violentas de ritmo, progressões, feedbacks, um maravilhoso e distorcido solo de guitarra e "papai" César Baptista, a figura de quem Sérgio e Arnaldo levavam os golpes de cinta quando moleques, participando especialmente mandando a ver na ópera enquanto a fogueira da banda queima em guinchos distorcidos e backing vocals até meio sombrios.

E... O trem parou, os que queriam jantar morreram, o tempo se acabou, não adianta fazer bat-macumba. Vamos embora logo, daqui a pouco aparece le premieur bonheur du jour, daí coitado do Senhor F que vai levar bronca do patrão! O quê? Você perdeu o relógio? A Maria Fulô não foi embora? Você tá sem xarope pra essa tosse aí?

Tudo bem, tudo bem, não vamos nos preocupar em responder o "e agora, José?" fim-de-festa. Quer saber de algo, meu bom fidalgo? Coloque o disco aí de novo, que disco que nem esse merece ser ouvido repetidamente até o cérebro derreter e ficar todo mundo, segundo as previsão de Arnaldo, bem lóki. Vai fazer quarenta anos daqui a pouco e veja só! Ainda é maravilhosamente herético, bem-humorado e ousado. Não precisou nem assinar atestado de atemporalidade, pois afinal, disco que nem esse não envelhece nunca. Arriscaria dizer que no geral, o Rock está bem conservador se for comparar com essa preciosidade aqui...

Se algum careta disser que você anda meio maluco de escutar esses sons aí, relaxe. Lóki é quem te diz, e por não ouvir esse disco, não é uma pessoa nem um pouco feliz...

The Beatles - Magical Mystery Tour

2007-12-10T11:33:00.000-02:00

Atenção, meus caros passageiros do mais lisérgico ônibus charabanc (aqueles abertos no topo, manja?) que já passou suas rodas por nossas terrenas estradas. Mesmo que sua representação nas películas tenha sido penosa e desgastante em sua feitura e a maldosa crítica não tenha tido a mínima piedade do resultado final, quem já conhecia os motoristas de outras viagens embarcou novamente para valer. Pudera, com os próprios convidando, era difícil recusar!

Nossa primeira partida é em 27 de novembro de 1967, quando o quarteto de Liverpool já havia lançado o álbum do Sargento Pimenta e a história da música mundial experimentava seus primeiros dias após ser alterada completamente devido a esse álbum. E no mesmo ano, saiu "Magical Mystery Tour", trilha sonora do filme homônimo, idealizado por Paul McCartney em que várias pessoas (amigos, familiares e os próprios besouros) viajavam em tais ônibus exóticos. Tal lançamento seria eleito pelo Grammy o álbum do ano de 1968, com vários b-sides acompanhando a trilha sonora do filme. E é aqui uma das maiores demonstrações do poder de fogo beatle: quantas vezes o Rock viu uma compilação de músicas para trilhas, A-sides e B-sides com um resultado final tão satisfatório? Verdadeiro outsider o disco em questão...

O disco é aberto pela faixa-título "Magical Mystery Tour", composta por Lennon e McCartney, mas idealizada por Paul, onde enquanto a banda convida insistentemente em backing vocals, Paul canta o refrão "A turnê mágica e misteriosa/Está aguardando para te levar embora/Aguardando para te levar embora", em uma música direta, simples e animada, talvez nem tão ingênua quanto possa parecer (qual seria o 'combustível' para essa turnê mágica?), mas de um bom gosto impressionante. Polêmicas à parte, uma bela introdução antes de tudo.

"The Fool On The Hill", de Macca, feita para rebater todas as críticas negativas ao Maharishi, que julgavam-no um homem tolo, daí a letra versando sobre um homem que ninguém quer escutar, retratando-o como um observador da natureza. Mostrada a Lennon durante as sessões de gravação do clássico "With A Little Help From My Friends", o mesmo disse para Paul que continuasse escrevendo, o que mais tarde ele julgaria uma das maiores provas do baixista saber compor sozinho. Harrison e John tocando gaitas e um trio de flautistas serve de base para o belíssimo piano e violões de Paul e suas perfeitas harmonias vocais, cantando "o idiota na montanha, vê o sol se pôr/E os olhos de sua cabeça, vêem o mundo girar". De emocionar. Mesmo.

Ouvimos uma das raríssimas instrumentais compostas pelos Beatles ao longo de sua carreira, e esta leva o nome de "Flying", dando um ar viajante ao álbum, com Lennon tocando a melodia principal em um Mellotron enquanto George e Paul tocam guitarra, sustentando-se em um overdub de baixo previamente incluído. Ringo Starr além de baterias, ocupa-se das maracas, dando um exemplo como sempre de seu timing sempre preciso e perto da perfeição. Composição assinada pelas oito mãos que compunham o grupo.

"Blue Jay Way" já dá para sacar desde o início: saiu da genial cabeça de George Harrison, chegando neste mundo como uma canção quase etérea, com vocais e backing vocals distantes, viajados e derretidos em psicodelia. A origem da história é curiosa: O jornalista e agente de imprensa dos Beatles queria visitar Harrison, e pediu seu endereço, ao que George respondeu que era em "blue jay way". Ele disse que conseguiria achar sua casa. Devido a demora, o beatle manteve-se acordado compondo uma música em homenagem a ele em seu órgão Hammond. Aí que entendemos os contextos dos relaxados vocais, quando o besouro silencioso canta "Por favor, não se prolongue/por favor demore muito/Por favor não se prolongue ou eu posso dormir". Esse humor inglês...

Paul volta à ativa em "Your Mother Should Know", uma das melhores do disco, com seu piano martelando e uma das mais grudentas linhas vocais que Paul tirou de seu chapéu de idéias, inspirado em canções antigas, onde Macca convida seu broto para levantar-se e dançar uma canção bem antiga que "sua mãe deve conhecer". O órgão tocado por Lennon só reforça o climão nostálgico e o pandeiro acrescido por Ringo dá um ritmo muito gostoso para a canção.

Não se desesperem, fãs de Lennon: ele pode até ter demorado para aparecer, mas olhe só: apareceu com "I Am The Walrus"! Escrita após algumas viagens de ácido e inspirada no poema "A Morsa e o Carpinteiro", de Lewis Carroll, essa é uma das mais marcantes canções do rock psicodélico, uma canção das mais inovativas e vanguardistas do grupo, trazendo consigo várias orquestrações de violinos, cellos, chifres, clarinetes, coro de 16 jovens e a utilização de overdubs. Contêm várias referências ao passado de John, tudo escrito da forma mais irônica o possível, em versos "Eu sou ele como você é ele como você sou eu e nós somos todos juntos/Veja como eles correm como porcos fugindo de uma arma, veja como eles voam" e "Espertos escritores, sufocantes fumantes,/Você não acha que o palhaço ri de você?". Um mistério a ser desvendado ainda, as mil e uma e inesperadas reviravoltas sofridas guiam-se em perfeita maluquice para culminar naquele famoso refrão... "Eu sou o homem-ovo/Eles são os homens-ovo/Eu sou a morsa!".

Uma das canções mais pop de toda a carreira do quarteto mais famoso de Liverpool, mais uma de Paul, "Hello Goodbye", canção que após ser aprovada por George Martin, provocou certo ciúme em Lennon, que anos mais tarde diria não querer mais ser a banda de apoio de Paul e chamando a canção de "três minutos de contradições sem-sentido", dizendo que suas melhores músicas estavam sendo relegados a meros B-sides. Essa é a história por trás desse grudento rock que conquistou as paradas da época que vinha com Macca cantando em delicioso ritmo versos feito "Você diz sim/E eu digo não/Você diz alto/E eu digo baixo", que apesar de parecer sem sentido, quem sabe não possa fazer referência aos conflitos de ego que cercam uma banda?

Outra criação de Lennon, com introdução criada por McCartney, essa é uma das mais bonitas e perfeitas da banda: "Strawberry Fields Forever". Canção que começou a ser escrita em 1966, feita em um período em que nada parecia dar certo para John - havia tido a controvérsia dos "Beatles mais populares que Jesus", e seu primeiro casamento estava desmoronando, e ele ingeria doses cada vez maiores de alucinógenos. Daí nasceu a canção sobre querer voltar a ser criança e nunca mais sair dessa idade: "Deixe-me te levar/Porque eu estou indo para/os campos de morango/Nada é real/E nada com o que se preocupar/Campos de morango para sempre". Uma das canções com maior uso de overdub, inclusive com algumas gravações tocadas ao contrário, e com adição de cellos, trompetes e instrumentos de corda indianos. O resultado é quase indescritível, com a letra sendo um verdadeiro desabafo emocionado e nostálgico. De deixar os olhos marejados de tantas camadas e tanta delicadeza de transição. Destaque para a percussão com uma pegada muito precisa por parte de Ringo.

"Penny Lane" também é nostálgica, mas dessa vez a nostalgia atinge nosso Macca. O nome da canção é homônimo de uma rua de Liverpool, e para dar mais colorido ainda na canção, a tríade baixo-guitarra-bateria ganhou a adição de violino, gaita e cello. "Penny Lane está nos meus ouvidos e nos meus olhos/Lá em baixo do céu azul do subúrbio, e sento enquanto isso", canta Paul em um clima pueril e sincero, fazendo inclusive referências às biografias de outros Beatles, como o simpático barbeiro que cortava o cabelo de John Lennon e George Harrison em seus primeiros anos de vida. Um dos refrões que mais marcaram a história dos FabFour.

A próxima é "Baby You're A Rich Man", nascida de maneira semelhante ao clássico "A Day In The Life": John tinha uma canção inacabada chamada "One For The Beautiful People" e Paul, um acompanhamento que dizia "Meu querido, você é um homem rico", que viria a se tornar a canção descrita aqui. John começa perguntando como é se sentir uma das pessoas bonitas e a banda grita bem-humorada no refrão "Querido, você é um homem rico/Você guarda todo seu dinheiro em uma mala marrom dentro do zoológico/Que coisa estranha de se fazer!". Dos vocais mais suaves à impostação, e ainda com o rolling stone Mick Jagger participando nos backing vocals, a banda agrada em todos os níveis.

E por último, mas não menos importante, "All You Need Is Love". Uma das maiores canções do Rock And Roll, mesmo tão pueril ao lado de toda a perversão que o rock encarnou, com uma das letras mais sinceras e verdadeiras de John: não há nada que você faça que outra pessoa não possa fazer também, mas com o tempo você aprende a jogar o jogo e como lidar com o tempo. É simples: "Tudo que você precisa é amor" diz o coro formado por gente como Mick Jagger, Keith Richards, Marianne Faithfull, Keith Moon, Eric Clapton, Pattie Boyd, Jane Asher, Gary Nash apoiado por pianos tocados por George Martin e uma gama imensa de instrumentos. Sim, sim, é inocente, é muito simplista, não tem aquela decadência glamourosa... Mas ora, veja só! Até os malvadões da época assumem: não tem muito mistério para encarar a vida. É só amar.

E aqui chega ao final de outro álbum deles... Mais um que marcou época e influenciou uma pataquada de gente, desnecessário dizer. Os Beatles mostravam que era perfeitamente possível serem vanguardistas e serem pops, serem complexos mas serem divertidos, e o resultado final é de uma sinceridade, espontaineidade e, não obstante, genialidade tão grandes, que fica até meio impossível de acreditar que exista gente que não simpatize muito com o quarteto fantástico do mundo real. Tudo bem, quarenta anos depois, o convite persiste, ainda aconselhando para deixar a vergonha de lado e amar mais um pouquinho que não faz mal a ninguém:

"The Magical Mystery Tour

Is waiting to take you away!

Waiting to take you away..."

The Police - Outlandos D'amour

2007-12-05T19:19:00.000-02:00

Controversa, esta década de oitenta. Quando o Rock já havia sido iniciado em tudo quanto é atividade subversiva e experimentado mil e uma explosões e revoluções, ele experimentou o desdobramento em mil e uma ramificações. O rock pesado dos anos setenta se desmembrou no heavy metal e seus subgêneros e no hard rock comercial e cheio de pose, pejorativa e popularmente conhecido por "farofa" ou "hair metal". O punk rock mostrou uma faceta mais pop, na acessível e massificada new wave e outras mais marginais e extremas, como o Street Punk/Oi! e o Hardcore. Nos subterrâneos, bandas noise e shoegazer começavam a arquitetar uma revolução de ruídos que só viria a explodir na próxima década.

E, nos últimos anos da década de setenta, surgiria na Inglaterra uma das bandas-ícone dessa década tão diversa e caótica. Quando o americano Stewart Copeland viajou para Londres junto com sua família para concluir seus estudos e para servir de roadie das bandas que seus dois irmãos mais velhos empresariavam e gerenciavam, começou a se interessar por rock and roll, aprendeu bateria e durante algum tempo obteve relativo reconhecimento com a banda Curved Air. Mais tarde, conheceu o baixista com experiência em jazz e também vocalista Gordon Summer, que em um show havia sofrido um imprevisto de uma abelha ter entrado em suas calças e o mesmo ter ficado desesperado para tirá-la de lá, ganhando entre seus amigos o apelido que mais tarde viria ser seu nome artístico, Sting ("ferroada", em inglês).

Então, juntaram-se com Henry Padovani, um guitarrista bem básico, com influência do punk rock, o que para época era perfeito para atingir certo sucesso comercial. Começaram então a ser banda de apoio de Cherry Vanilla, abrindo os shows do lendário Johnny Thunders. Após esse breve período, entraria o guitarrista veterano Andy Summers, que integrou a última formação do The Animals de Eric Burdon e foi um dos nomes mais bem-cotados para substituir Mick Taylor nos Rolling Stones. Como ficava claro a superioridade técnica de Andy sobre Henry, o segundo acabou sendo dispensado da banda. Surgia então o The Police.

Em 1977, a banda cortou e pintou os cabelos de loiro para participar de um comercial de goma de mascar. Tal visual tornou-se uma das marcas maiores da banda, o que fez com que no início o Police fosse constantemente associado ao movimento punk. No final deste ano, tentaram gravar produzidos por John Cale (sim, aquele do Velvet Underground), mas desentendimentos entre grupo e produtor acabaram fazendo com que a banda optasse por Nigel Grey, que já havia trabalhado com bandas como Wishbone Ash, logo após terem assinado com a gravadora A&M.

E o resultado disso tudo está no primeiro disco, "Outlandos d'Amour", de 1978. Uma grande realização do chamado bom gosto; ao contrário do que tantos contemporâneos viriam a ser, o som do The Police não se resumia a um único ritmo ou variações da mesma melodia - o disco conseguia ser cru e direto pelo lado punk, moderno e de fácil digestão quando a new wave transparecia, sofrida e atraentemente romântico quando o pop tomava conta, e simples, econômico e sem muitos malabarismos instrumentais em sua faceta reggae, o que tornava o Police um dos primeiros grupos de origem punk ao lado do The Clash a investir no som jamaicano.

O disco começa com muita garra e pegada em "Next To You", onde Stewart acerta a mão com vontade na bateria e os riffs de guitarra são ferozmente disparados para que Sting possa utilizar vocais em tons rasgados, até ingressar em um refrão melódico e mais cadenciado que o resto da música, onde o vocalista canta "O que posso fazer?/Tudo o que quero é estar perto de você", em uma letra sobre um amor à distância, em que tudo que o eu lírico quer fazer e sair de onde mora para ir encontrar a garota, falando que já vendeu a casa e o carro, e com prazer assaltaria um banco ou sequestraria um avião. E temos a velha lírica apelativa e agradável do pop apaixonado: "Eu tive mil garotas ou talvez mais/Mas nunca me senti assim antes/Eu não sei o que tomou conta de mim".

"So Lonely", vinda na sequência, vem para mostrar o pioneirismo reggae do The Police, com um baixo muito bem evidenciado e guitarras que ora entram na onda jamaicana, ora destilam melodias melancólicas. A bateria segura de Copeland vai tranquilamente da cadência dos versos até o ganho de velocidade no refrão. Um solo de guitarra incrível de Andy abre espaço para que Sting continue cantando que se sente solitário, das linhas melódicas até berros insolentemente punks que dão uma charme a mais na música.

E aqui ouvimos um dos primeiros clássicos absolutos da banda, que entraram para a história da música pop dos últimos anos: "Roxanne", balada de andamento reggae em que sofridamente Sting conta a sua paixão por uma prostituta; impressionam ainda a força de versos como "Você não tem que vender seu corpo para a noite/Roxanne/Você não tem que vestir este vestido hoje à noite/Andar nas ruas por dinheiro/Você não liga se isto é errado ou se isto é certo". Um dos clássicos do pop mais sofridos já compostos, em que nem o refrão mais veloz e elétrico salva da melancolia. Outro destaque é para a interpretação que Sting imprime na canção, que mesmo não sendo um virtuose, vai desde lamúrios de um solitário bêbado em um quarto a gritos indignados de um ciumento.

Começando em uma melodia agradável e acessível abrindo espaço para Sting cantar que sua vida está vazia, esta é "Hole In My Life", com grooves suculentos e harmonias vocais do refrão muito bem postas. "Há algo faltando em minha vida/Que me corta como uma faca/Deixa-me vulnerável/Eu tenho essa doença", diz a letra. Passeando tranquila e desavergonhadamente entre todos os estilos dominados pelo grupo, essa cadenciada música, ainda que não seja um clássico, deixa o ouvinte apto a continuar ouvindo a obra.

"Peanuts" volta com a garra rocker, com guitarras oscilando entre punk e new wave, e uma cozinha forte e pulsante, com Sting cantando "Isso tudo é um jogo/Você não é mais o mesmo/Seu nome famoso/O preço da fama" entre outras críticas sobre o mundo do show business, em seu mundo de gente perfeita, erros cobertos e disfarçados, onde tudo que vale é a imagem. A canção ainda inclui uma passagem mais viajante, muito provavelmente influenciada pelo passado jazz do vocalista e baixista.

Outro clássico, primeira música da banda a ficar entre as dez mais da Inglaterra, na segunda posição. Alternando entre andamentos e um maravilhoso refrão punk-pop, essa é "Can't Stand Losing You". Novamente o tema da paixão é abordado, onde Sting relata que não é capaz de lidar com a dor da perda. Ele diz que nada mais tem o menor interesse para ele, e diz que ela vai sentir muito quando ele estiver morto. "Acho que você chamaria isso de suicídio/Mas estou cheio demais/Para engolir meu orgulho/Eu não,eu não/Eu não suporto perder você".

"Trut Hits Everybody" não dá descanso, voltando a caprichar em uma música agitada, com guitarras certeiras e uma bateria de pegada matadora. Em meio a coros vocálicos muito bem postos, Sting avisa que, por mais que tentems fugir, "a verdade acerta todo mundo/a verdade acerta qualquer um". E mesmo com a forte letra, serve para tocar em qualquer festa.

A próxima, "Born In The 50's", entra com o ritmo sendo ditado por Copeland, e com o vocalista cantando uma das letras mais políticas da carreira da banda, de forma rasgada e intensa, indo desde a ferocidade punk de versos como "eles nos jogariam as bombas/enquanto nós estávamos fazendo amor na praia?/nós somos a classe que eles não conseguiram ensinar/porque nós sabemos mais" até o ironicamente marcial refrão "Nós fomos nascidos/Nascidos nos anos 50/Nascidos, nascidos nos anos 50".

"Be My Girl - Sally" traz de volta a introspecção que marcou a carreira do The Police, em ritmo mais cadenciado, leve e suave, onde a guitarra distorcida não interfere nem nas doces harmonias vocais, sem contar um inesperado trecho em que Andy Summers narra uma bem humorada história acompanhado por pianos, em que o eu-lírico realmente faz a garota dele a qualquer custo. As guitarras vão voltando aos poquinhos, até que o rock volta cheio de energia para que Sting continue cantando "Você não vai ser a minha garota?".

E fechando o disco, temos "Masoko Tanga", que volta com o reggae em uma música quase instrumental, onde ouve-se uma voz cantando em dialeto caribenho, porém a mesma é encoberta pelos instrumentos, que ganham volume e intensidade cada vez maiores.

E acaba o primeiro disco, que seria o início da saga do The Police como um dos maiores símbolos da musica oitentista. E mesmo após tantos plágios, cópias e citações, o som da original ainda continua sendo um marco influente - o rock brasileiro de vinte anos atrás que o diga. E que fique também registrada a prova definitiva que o pop nem sempre precisa ser efêmero, pois vinte anos depois, o retorno oficial do Police atrai milhares de pessoas a seus shows ao redor do globo. E ainda bem, pois poucos souberam transmitir revolta, indignação e amor e continuar sendo deslavada e exuberantemente pop. Tudo bem que o rock é contra o sistema, mas só desta vez, um viva para os polícia!

Junkiebox #6

2007-11-29T23:24:00.000-02:00

(Colaboraram Nat e Bêr)

Feist – The Reminder: Lembro-me muito bem da primeira vez que vi a Feist em carreira solo. Ela estava tocando Mushaboom (aquela do comercial de perfume) com uma guitarra vermelha linda, que eu ainda vou ter. O fato é que eu fiquei viciada na música da Feist, ouvi o cd todo e ele nunca mais saiu do radinho. No comecinho de maio deste ano, ela lançou o "The Reminder", que logo de cara viciei de novo. É um álbum delicado, com canções simples, porém muito bem trabalhadas. A voz da Leslie é linda de morrer, e os arranjos são bacanas também: tem passarinhos cantando no fundo de “The Park”, tem um coral em “1, 2, 3, 4” fazendo “ohhh ohh ohh!”, tem estalos de dedos em “Brandy Alexander”, e ainda tem “Sea Lion Woman”, um cover da Nina Simone. Um álbum pra ser ouvido enquanto você está deitado no chão, pensando na vida. Ou então em um domingo de manhã, você é quem sabe.
Ouça: "1, 2, 3, 4" e "I Feel It All"

PJ Harvey – White Chalk: Levei um choque quando ouvi “White Chalk” pela primeira vez, e me perguntei “o que fizeram com as guitarras da PJ?”. Se você achou que iria ouvir um disco de rock (assim como eu), você se enganou. “White Chalk” vem cheio de pianos, gaitas, e nada de guitarras como nos discos antigos. Na voz, nada de gritinhos como havia em “Stories from the city, stories from the sea” (álbum lançado em 2000), e sim vocais suaves, às vezes até sussurrados. Um disco diferente, e que me surpreendeu bastante. Mas lembre-se: ser diferente não é necessariamente ser ruim.
Ouça: “White Chalk”

Radiohead - In Rainbows: O Radiohead conseguiu. Chamaram tanta atenção que viraram matéria até na revista Veja. Disponibilizaram o álbum na internet, e cada um paga o quanto quiser (ou então não paga nada, se preferir). Se deu certo? Claro que deu. Na semana do lançamento do disco, só deu Radiohead no Last.fm, nas buscas do Google, em todos os lugares que você possa imaginar (ok, nem todos). Mas, deixando tudo isso de lado... O cd é ok (not "Ok Computer"). É um álbum mediano: não chega a ser grande coisa, mas também não é ruim. É meio que uma montanha russa: começa bem, depois fica tudo meio parado, e então quando você acha que o disco tá começando a ficar bom, ele já está acabando. Quando se trata de banda grande, a gente sempre espera mais... Talvez seja isso.
Ouça: "15 Step"

Deborah Harry – Necessary Evil: Sempre achei a Debbie Harry tão ícone pop quanto Madonna. Ambas são loiras, bonitas e todo mundo já ouviu falar em seus nomes, pelo menos uma vez na vida. Além disso, as duas moças (hm... senhoras) já colocaram as caras na telona também. Deixando as comparações com a Madonna de lado, Deborah Harry já tem seus 60 e tantos anos de idade, mas continua jovem o suficiente pra lançar um bom disco: “Necessary Evil”. Logo de cara me empolguei com o disco. São 17 músicas: a faixa de abertura, “Two Times Blue”, é uma baladinha pop/rock bem legal. Outras já são um pouco mais punks, como “You’re Too Hot”, onde Debbie arrisca um vocal mais forte e gritado. Ainda têm algumas com batidas eletrônicas, que não me chamaram muito a atenção. “Necessary Evil” é um disco moderno (exceto “Paradise”, que tem um trash saxofone horrendo no começo). A voz de Debbie continua inconfundível como na época do Blondie. “Tive um daqueles momentos loucos em que criar um álbum novo me pareceu uma boa idéia”. Excelente idéia, Debbie. Continue Assim.
Ouça: "Two Times Blue"

The Polyphonic Spree - The Fragile Army: Teclado, guitarra, baixo, flauta, percussão, trompete, trombone, violino e um coral. Se você ouvir Polyphonic Spree, vai encontrar tudo isso (e mais um pouco). São mais de 20 pessoas na banda. É isso mesmo, v-i-n-t-e... E eu ainda não consegui entender muito bem. Durante os shows, a banda se veste com roupas que parecem batas, túnicas ou sei lá o que. Mas se você reparar bem, eles lembram um pouco os hippies. Mas eles são tipo, um coral – e às vezes tocam cover do Nirvana nos shows. Ficou confuso? É, eu também, mas vamos com calma: o Polyphonic Spree pode ser definido como uma mistura de música clássica, rock e muito experimentalismo. Nesse ano eles lançaram o “The Fragile Army”, que é o terceiro cd da banda. Parece um pouco de Belle & Sebastian com Flaming Lips. É um álbum bem alegre, cheio de back vocals, letras criativas, tecladinhos e sintetizadores. Toda essa mistura de estilos e instrumentos gerou um cd excelente, acho que entra na minha listinha de melhores do ano.
Ouça: "Oh, I Feel Fine"

Linkin Park - Minutes To Midnight: Um dos maiores ícones do gênero new metal já andava sumido há um bom tempo – já eram cinco anos sem um álbum de inéditas. E eis que eles voltam, declarando ser uma banda madura agora, inclusive apoiando a causa política anti-Bush. Santo pré-requisito, Batman... A banda que ficou famosa ao popularizar a mistura de referências rap-metal e industrial mostra pouca diferença nesse álbum. O disco abre com a porrada “Given Up”, um rock pesado o suficiente para se bater cabeça, mas ao longo do mesmo, a banda reparte entre o velho Linkin Park – guitarra pesada, rap, refrão gritado, scratches – e o novo, que consiste basicamente em um U2 menos inspirado e pastiche pós-grunge. Ou seja, um disco com poucos momentos realmente interessantes e que raramente sai do lugar comum. Se for assim que vai se dar o amadurecimento do Linkin Park, até que a famosa Síndrome de Peter Pan que existe no Rock And Roll não é tão ruim assim.
Ouça: “Given Up”

Neil Young – Live At Massey Hall ’71: Os entusiastas do rock setentista sabem que, naqueles anos dourados, poucas performances eram tão arrebatadoras e intensas quanto as de Neil e a banda de apoio Crazy Horse. E esse homem que é uma instituição tratando-se de música emocional e introspectiva soltou um show inteiro daqueles anos, dezessete músicas de tocar o coração. Pianos e violões servem de suporte para a linda voz do canadense cantar as mais que sinceras letras, chegando a alguns momentos realmente impressionantes como a intimista “Old Man”, o medley “A Man Needs A Maid/Heart Of Gold” e a singela “See The Sky About To Rain”. E mesmo com tanta intensidade destilada através de voz e violão, Neil ainda arranja tempo pra demonstrar um agradável bom humor. Enfim: um live perfeito a ponto de se exclamar um palavrão bem sonoro. Há muito tempo que o rock não via um lançamento ao vivo tão coeso e que funciona tão bem. Dá até dó de não destacar mais músicas.
Ouça: “A Man Needs A Maid/Heart Of Gold”

Devendra Banhart – Smokey Rolls Down Thunder Canyon: Inspirando-se em Bob Dylan, Caetano Veloso e Novos Baianos, o barbudo norte-americano integrante do New Weird American Movement e que apesar de ser texano reside na Meca bicho-grilesca São Francisco mostra ao público um som de várias camadas e nuances a serem descobertas – a psicodelia funde-se sem vergonha alguma com a tropicália, que por sua vez não vê problema em interagir com o folk. Momentos como “Samba Vexillographica” e “Tonada Yanominista” causam um divertido estranhamento, “Lover” cativa pela levada mais elétrica e “Rosa” (esta com participação do hermano e ícone indie brazuca Rodrigo Amarante) atrai pela beleza pueril. Devendra só peca mesmo pela grande extensão do disco – são dezesseis canções, o que pode fazer com que ouvir o álbum na íntegra por vezes se torne maçante. Mas quando ele acerta a mão, é ouvir e viajar.
Ouça: “Tonada Yanominista”

Ozzy Osbourne – Black Rain: E eis que o Príncipe das Trevas volta após seis anos com material novo. Figura que dispensa apresentações até para os menos entendidos em rock, Ozzy continua soando muito mais atual que a maioria de seus contemporâneos. E olha que nem é vontade de ser tiozão que participa da festa dos jovens – Ozzy soube se atualizar muito bem sem soar pretensioso. A banda de apoio tem uma pegada incrível – desde a trabalhada e precisa cozinha até a rifferama infernal de Zakk Wylde. Ozzy vai do Heavy Metal moderno em faixas como a pedrada “11 Silver” e “I Don’t Wanna Stop” - essa com o melhor refrão do álbum e uma das melhores músicas do cantor – até baladas rasgadas como “Lay Your World On Me” e “Here For You”, sem contar a sabbathica faixa-título, com direito até uma gaita à lá “The Wizard”. Para quem achava que um dos caras mais queridos do Rock estava se aposentando de vez, não há nada a temer – os bons morcegos decapitados continuam guiando o Madman no caminho certo.
Ouça: “I Don’t Wanna Stop”

KoRn – Unplugged MTV: Em todos os casos, um acústico da MTV é uma faca de três gumes. Ou o artista em questão se reinventa e faz com que suas composições soem como novas em formato desplugado, ou resgata um nome que a mídia não lembrava há um tempo em discos medíocres, ou então a banda não sabe lidar com a premissa e comete um desastre apenas para continuar vendendo. O KoRn foi um caso difícil de definir. A banda até que começa enganando – a banda acostumada a gritos, afinações baixas e distorções parece que vai se sair bem quando ouvimos “Blind”, mas a maioria não sai do extremamente previsível. De quebra, a banda ainda joga seu hit “Freak On A Leash” no lixo quando Davis chama Amy Lee do Evanescence para um dueto fraquíssimo. Mas entre mortos e feridos, temos uma interessante versão de “Creep”, do Radiohead, ainda mais angustiada que a original, e um medley de “Make Me Bad” com “In Between Days” do The Cure, com a participação do próprio Robert Smith em pessoa. O resto, por favor, manda cremar.
Ouça: “Creep”

Jeff Buckley - Grace

2007-11-21T18:12:00.000-02:00

Trocando em miúdos: Jeff Buckley foi um caso raro na história do Rock And Roll. Tal como uma chama, brilhou por um breve tempo e então apagou. Sem querer forçar a barra, mas era dor transcendendo a música, eram tantas emoções guardadas que pareciam não caber nos acordes ou nos emocionados cantos e gritos.

Nascido na Califórnia e filho do músico de folk-jazz Tim Buckley, Jeff cresceu até os oito anos sendo chamado de Scotty Moorhead, nome que foi dado pela sua mãe e seu padrasto. Quando alcançou a idade em questão, a mãe o levou para ver um show de Tim, e acabou passando uma semana com o pai. Quando voltou, queria ser tratado como Jeff Buckley. Pouco após essa semana, o homem que deu vida a Jeff morria de overdose de heroína. Além de ter muito do pai, o garoto também aprendeu música com a mãe, pianista e violoncelista e começou a despertar curiosidade pelo Rock com seu padrasto, fã declarado de Led Zeppelin, Jimi Hendrix e The Who. Adolescente, apaixonou-se pelo álbum "Physical Graffiti" do Led Zeppelin e discos do Van Morrison, Janis Joplin, MC5 e The Smiths, pegou para si uma guitarra acústica da avó e pouco após ganhou uma Gibson Les Paul de sua mãe. Aos dezoito, ingressa num curso de dois anos numa instituição de músicos. Apesar de considerar o curso uma perda de tempo, nesse período conheceu e tornou-se fã de ícones musicais como Leonard Cohen, Nusrat Fateh Ali Khan e Edith Piaf.

Apesar da semelhança física e um nível de talento proporcional ao do pai, Jeff não queria ser uma continuação da história de seu pai. Não queria ser um mártir do Rock And Roll. Queria apenas ser lembrado por sua música. Ironicamente, começou a chamar a atenção num show-tributo dedicado ao pai, que tocou junto com Gary Lucas, que já tinha tocado com a banda Captain Beefheart. Após alguns ensaios, Gary o convidou para integrar sua banda Gods And Monsters como vocalista. Apesar de ter adorado a idéia, pouco tempo depois Jeff deixava o grupo para seguir carreira solo. Reiniciou do zero no ano seguinte em New York em um bar chamado Sin-é. Munido de voz e guitarra, as performances dele eram tão arrebatadoras que no mesmo ano de 1992, assinava com a Columbia Records.

O resultado foi seu primeiro e último álbum, "Grace". Uma obra prima com todas as letras, do início ao fim, sem tirar nem pôr. Poucas vezes a alma de uma pessoa, todas as suas imperfeições,tristezas e anseios, esteve tão exposta em apenas um disco. Jeffrey exalava suas influências por todos os poros - folk, rythm and blues, soul music, hard rock, compondo um disco completo e variadíssimo, com letras fortes e pessoais, assim como nos bons e setentistas tempos de Neil Young e Nick Drake. Acompanhando Jeff, estavam os músicos Mick Grondahl no baixo, Mat Johnson na bateria e Michael Tige na segunda guitarra.

"Mojo Pin" é iniciada por dedilhados lentos, uma marcação sutil do baixo, e Jeff rompendo em um falsete. Começando a cantar em um tom doce, a música vai crescendo junto com a sua voz. A guitarra cresce, a bateria imprime maior ritmo na cançao, e Buckley canta sobre um amor doído, que se retornasse, ele não precisaria arranjar outras distrações para tentar satisfazê-lo. "Eu não quero chorar por você/Eu não quero saber, eu estou cego e torturado/Os cavalos brancos cavalgam/As memórias pegam fogo, o ritmo cai devagar...". Se aproximando do final, a música explode em intensidade, a bateria marcha, as guitarras pesam, e Jeff grita de uma forma inacreditável mais de uma vez. Um daqueles gritos tão agonizantes e desesperados que da primeira vez deixam o ouvinte perplexo.

Com início intimista e uma bateria entrando como um trovão, a música título "Grace" reparte melodias lindíssimas e a voz no limite do vocalista, cantando os versos de forma tensa para descambar em um doce e irônico refrão que diz para esperar no fogo. E você não consegue deixar de prestar atenção na música. É tudo forte demais. Jeff canta sobre o que artistas compõem poucas vezes na vida - a morte. "E eu sinto chamarem meu nome/Tão fácil de saber e esquecer com esse beijo/Eu não tenho medo de ir, mas vou tão devagar...", canta com toda a força dos pulmões.

"Last Goodbye", entrando em compassos lentos e acordes corajosos, é guiada pela levada de bateria, que abre espaço para Jeff emitir um triste trado sobre o fim de um relacionamento. "Sim, esse é o nosso último abraço/Devo eu sonhar e ver sempre o seu rosto?/Por que a gente não consegue ultrapassar esse muro?/Bem, talvez seja por que eu nunca te conheci mesmo", expressa um dos versos mais fortes. A música então já se tornou de beleza dura e peso doído. E falsetes e acordes de piano denunciam que tudo acabou.

Jeff te empurra no sofá cantando desde o início a jazzy "Lilac Wine", standart famoso na voz de Nina Simone que Buckley fez questão de dar sua versão dos fatos. Um doce e polido diamante musical sobre um amor inebriante feito vinho. Ele clama pelo seu amor, querendo encontrá-lo de qualquer jeito. Em certos momentos, Jeff faz tremer nas bases. Especialmente no final capaz de rachar o mais duro coração de pedra, "Vinho lilás, eu não me sinto pronto para o seu amor...".

"So Real" com cordas contidas e em tom de alerta, é uma música sobre o medo que as pessoas têm de amar. Apesar de afirmar que todos os momentos que passou com a pessoa que ama foram reais demais para ele, afirma "Eu te amo, mas eu tenho medo te amar/Eu tenho medo de te amar". Assim como nas duas músicas anteriores, as barreiras que as pessoas não conseguem romper para conseguir encontrar a felicidade real. Um solo de guitarra distorcido destoando do resto da música soa como a maior das insatisfações sendo posta pra fora em notas vigorosas e revoltadas.

Entra então uma música que é impossível ficar imparcial ao escrever sobre. "Hallelujah", regravação de seu ídolo Leonard Cohen, é um desafio para a capacidade descritiva de qualquer um. Iniciada por tristes melodias e um baixo ressoando, é simplesmente música demais para ser transformada em verbo. A devoção e o abandono com que Jeff Buckley se entrega ao tema é de chocar. De chocar com tanta doçura, com tanta tristeza, e a voz de Buckley soando cada vez mais e mais forte, mas sem nunca perder a beleza, opondo o sagrado e o humano, descrevendo um amor destrutivo, em versos como "O amor não é uma marcha de vitória/É um frio e sofrido Aleluia" e "Talvez haja um Deus lá em cima/E tudo que eu já aprendi sobre o amor/Era como atirar em alguém que tirou você". De ficar com os olhos marejados não importa quantas vezes escutemos: sempre continuará uma das canções mais lindas e melancólicas já compostas.

"Lover, You Should've Come Over" tem um início soturno, que logo se transforma em uma canção cadenciada de mais de seis minutos. Novamente volta o tema de um amor que consome o eu-lírico totalmente, deixando-o consumir, deixando ele solitário e obsessivo, em busca de uma chance de redenção. De início simples, a música vai crescendo em todos os quesitos, mas principalmente na interpretação de Jeff, que só para variar, arrasa, dizendo que nunca é tarde para voltar atrás, e sentimos todo o cansaço de se levar uma vida como essa exposto em sua voz lamentada e seus falsetes lancinantes.

A terceira regravação é "Corpus Christi Carol" de Benjamin Britten que, em termos técnicos, talvez seja a melhor performance vocal de Buckley. Cantando quase como uma soprano, alcançando um clima quase religioso, de deixar em transe. Apenas voz e cordas compondo a música mais curta da bolacha. Uma pueril admiração pela casta personagem do título, acompanhado de um refrão onomatopéico.

"Eternal Life" era o que mais podia se aproximar do mercado da época, já que Jeff não era pesado o suficiente para as rádios rock e era alternativo demais para mídias mais pop. A canção é um hard rock inserido na sonoridade dos anos noventa, fazendo soar quase como um grunge, com suas guitarras pesadas e sua cozinha sempre impondo um ritmo intenso na canção. Na canção, Buckley vê tudo corrompido e anseia por salvação, que para ele, nada mais é aceitar que a vida é assim e temos que aprender a lidar com ela, por mais difícil que isso seja. Como diz com urgência no verso "Não há tempo para ódio, apenas para questionar/O que é o amor?/Onde está a felicidade?/O que é uma vida?/Onde está a paz?/Quando eu vou encontrar a força para me trazer alívio?". E no final, a canção volta a ganhar belas melodias acompanhando seu ritmo pesado. Um dos grandes talentos de Jeff: saber encontrar beleza até mesmo na agressividade.

E, encerrando, "Dream Brother" vem em cordas hipnóticas, uma das mais intimistas de todo o conjunto, com uma pegada forte de bateria, um refrão chamativo e momentos instrumentais simplesmente viajantes, e Jeff sonha que ele só quer sentir-se seguro nos braços da pessoa, enquanto a mesma está com outro. Mas o mundo continuará girando para sempre, diz Buckley, e pelo jeito, não há mais nada a se fazer.

Jeff vendeu cerca de 300.000 cópias deste disco, algo que as gravadoras consideraram uma repercussão muito fraca, apesar do nome do cantor estar cada vez mais em voga. Fato este que o desagradou e o fez voltar ao formato de voz e guitarra e tocar para pequenas platéias de bares americanos. Underground e mainstream: o Hamletismo dos anos noventa que ergueu tantos, derrubou tantos outros, e fez com que tantos nomes como este que vos é apresentado não ganhasse maior reconhecimento.

Morto em 29 de maio de 1997 por afogamento, Jeff só confirmou a teoria da chama. Muitas pessoas questionam até hoje porque o mundo é tão injusto de nos tirar um cantor tão único assim. Tão individual, tão universal, tão sensível... Que sabia falar sobre morte, amor, vida, tristeza, sem cair no clichê. Apenas sendo honesto. Buckley angariou uma legião de fãs famosos, entre eles lendas do rock como Bob Dylan, Robert Plant, Jimmy Page, Lou Reed, David Bowie e Patti Smith, contemporâneos como Chris Cornell, Björk e PJ Harvey, fãs exóticos como a banda de Doom Metal Katatonia e o ícone do rock brasileiro Paulinho Moska, e influenciou nomes como Radiohead, Muse e Coldplay.

E o leitor me pergunta: é possível que alguém seja assim tão bom? É possível que um disco converse com a gente não só pela letra, mas pela música também? Ele era essa alma que não cabia no corpo? Nem tudo na música está perdido depois do final dos anos setenta?

Deixo Jeff responder por mim.

Soundgarden - Badmotorfinger

2007-11-17T04:26:00.000-02:00

Para o bem ou para o mal, o grunge mudou a história do Rock. Assim como o punk rock chutou pro espaço todo o exagero e pompa do rock progressivo e do hard rock, os jovens flaneludos de Seattle ridicularizaram o afetado e performático hair metal. Saíam as referências a Aerosmith e Van Halen utilizados à exaustão e tomava conta o rock gritado com guitarras distorcidas, herdeiros diretos dos tempos áureos dos Ramones, Black Sabbath, Led Zeppelin, Black Flag, entre outros; a tríade "sexo, drogas e rock and roll" dava lugar para letras pesadas abordando depressão, uso de drogas, suicídio, imediatismo, solidão, sensação de não-pertencimento, entre outros temas nem um pouco sutis.

Muitos dos expoentes são famosos até hoje: o Nirvana, banda-símbolo que ao suavizar os versos, pesar os refrões e ter os miolos de seu principal vocalista explodidos, criou um monolito de grande força e tamanho que até hoje se faz presente em várias bandas atuais; o Pearl Jam, que percorreu a aventura de fundir rock e poesia, nas declamações intensas e político-existencial-filosóficas de seu homem de frente, Eddie Vedder; o Alice In Chains, um mar heavymetálico de angústia e podridão; e a banda evidenciada agora, o Soundgarden, um dos pioneiros a fundir elementos de punk rock, heavy metal e rock alternativo para criar um dos gêneros musicais mais atormentados de que sem notícia. Andamentos esquisitos, afinações baixas, temáticas na lata: o caminho a ser percorrido por quem se aventurasse a ouvir.

Apesar do grunge ter explodido em 1991, o Soundgarden já vinha de uma longa estrada: seu núcleo base fora formada em 1984, que foi sofrendo alterações de line-up até chegar na formação que estourou, que consistia do homem-sirene Chris Cornell como vocalista, o filho musical de Tony Iommi que atendia pelo nome Kim Thayil, no avassalador Matt Cameron como baterista, e o sempre seguro e preciso Ben Shepherd no baixo. Esses quatro viram o Soundgarden ver as primeiras luzes do sucesso em seu terceiro disco de estúdio, que atendia pelo nome de "Badmotorfinger", do ano da explosão do movimento. O disco em questão é, sem sombra de dúvida, a obra-prima do quarteto de Seattle e confirma com gosto todas as afirmações feitas até agora, superando até o sucessor e mais conhecido "Superunknown" na opinião deste que vos escreve.

O álbum já desperta a atenção logo na primeira canção: introduzida apenas e unicamente pelo riff de guitarra, "Rusty Cage" logo nasce com fórceps quando entra a forçuda cozinha, pesada e rápida, acompanhando a base rústica e seca. Chris Cornell canta de forma nervosa e por vezes até rasgada uma letra sobre libertação, dizendo "Você atou meu senso de direção e tirou-me o julgamento/Para assistir meu sangue começar a ferver", e então berra no refrão "Mas eu vou quebrar/Vou quebrar minha/Vou quebrar minha gaiola enferrujada e fugir". No desenrolar dos fatos, a banda cai em um andamento mais cadenciado, que serve de pretexto para que Cornell solte ainda mais o vozeirão, atingindo tons cada vez mais altos.

Quase que interligada , a banda da início ao clássico "Outhsined", um petardo que poderia facilmente ter sido composto pelo Black Sabbath. A pesada e direta guitarra atinge o ouvinte em cheio. A banda acrescenta ainda um toque pessoal ao incluir partes mais cadenciadas e melódicas que servem de ponte para a parte mais infernal da música, enquanto Chris canta de forma rasgada um conflito de egos, uma música sobre pessoas esmagando as outras. Na parte mais forte, afirma: "Eu me sinto sóbrio, mesmo estando bebendo/Não posso ir mais fundo, mas sinto que ainda estou caindo". A pessoa sente-se ofuscada em relação a outra, e esse sentimento de rejeição faz com que a banda aplique um murro cada vez mais forte nos ouvidos.

"Slaves And Bulldozers", em poucas palavras, é uma das melhores músicas de toda a carreira da banda. De início mórbido, com um baixo soturno soando alto, logo começa uma música cadenciada e intensa. Chris está um monstro, simplesmente; de tom ousado e desafiador, vai crescendo sua voz ao ritmo da música, que tal qual uma bola de neve, assemelha-se um trator comandado por alguém ensadecido. A letra também não deixa pedra sobre pedra, tirando uma relação opressiva a limpo, em que o eu-lírico está tremendamente revoltado com toda a sujeira do mundo. "Comprando mentiras e roubando brincadeirinhas/E rindo o tempo todo da minha sufocação/Oferencedo o tempo todo o que você pegou/Agora eu sei por que você levou", diz Cornell. Kim, inspiradíssimo, debulha um solo elétrico, ruidoso e com fome de destruição. Ao seu final, a música vira uma pilha de raiva, por parte de um possuído Cornell todos os outros instrumentistas. Perfeitos sete minutos, sem tirar nem pôr.

Mais cacetada! "Face Pollution" é rápida, frenética e brutal. Não chegando nem a dois minutos e meio, a canção é pauleira pura do início ao fim, com a guitarra de Kim imprimindo um riff maníaco, Matt Cameron socando a bateria, Ben impondo seu ritmo sempre forte e Cornell... Bem, o que dizer? O homem grita, berra, se esgoela, vai do vocal limpo ao rasgado, alcança tons altíssimos... Cantando uma letra sobre uma pessoa que está cansada de usar máscaras. Sem piedade nenhuma em qualquer quesito.

"Jesus Christ Pose" é outro clássico de responsabilidade. E explicita o velho dilema do grunge: pesada demais para ser punk, suja e visceral demais para ser heavy metal ou hard rock. Nada nessa música parece ser coisa desse mundo. Um cometa virulento e psicótico, a cozinha invocando um tribalismo esquecido pela sociedade contemporânea, a guitarra soando como um alarme lancinante, e Chris cantando no limite da tensão, dando falsetes doentios. A letra novamente arrasa, com o eu-lírico cansado da pose cristã que várias pessoas utilizam, tratando-o como um fardo, revoltado de como elas deixam se levar por isso. "Mas você fica me encarando como se eu precisasse ser salvo com sua postura de Jesus Cristo...". E então a música some, tão caótica quanto começou.

Não espere ter descanso. Mais um momento Sabbathico é ouvido em "Somewhere", com cozinha mastodôntica e guitarras matadoras, e Chris abusando do gogó, gritando o máximo que consegue no refrão e não deixando por menos no resto da canção, porém, sem nunca perder o pique. Na letra, ele vê-se sozinho e desorientado, sem ver sentido para a sua existência. E a banda segue queimando lenha.

"Searching With My Good Eye Closed" é outro épico Soundgardeniano que ultrapassa os seis minutos. O riff surge do silêncio, de forma até assustadora, pois a medida que os atordados e ruidosos compassos aceleram, onde uma voz em tom irônico e ruídos estranhos abrem espaço para um ritmo cadenciado e um Cornell mais contido na voz, porém com Matt Cameron imprimindo força tremenda na bateria. O refrão é pesadíssimo, porém, cresce naturalmente. Na letra, novamente uma perda de sentido das coisas, uma falta de chão atordoante, como grita o refrão "Ele chega até o céu e cai?/Procurando pelo chão com o meu olho bom fechado...". E, só para variar, a música no final perde as estribeiras e todos os envolvidos chegam ao máximo de frenesi musical possível.

A seguinte, "Room A Thousand Years Wide", é uma das mais pesadas de todo o disco, com Kim abusando das afinações baixas. A aproximação com o rock alternativo barulhento é evidente, com Cornell cantando que descobriu alguém que vive enquanto os outros apenas mentem, descrevendo o futuro como um continuum que apenas repete o passado. O amanhã gera amanhã. Alternando entre os vocais limpos e contidos e os falsetes rasgados e momentos quase guturais, Chris sabe como fazer um refrão empolgante, enquanto a muralha de força que atende pelo nome de banda é truculentamente indescritível.

Inspirando certo suspense de início, "Mind Riot" abre com guitarras noise e a cozinha guiando a música seguramente, para que o vocal inicie acompanhando as melodias arrastadas e brutais, tal qual como ver em câmera lenta uma briga onde tos os envolvidos se machucam seriamente. Porque mesmo cadenciada, a música consegue esbanjar um senso puro de violência, com Cornell desesperado cortando o ar com agudos. A letra fala sobre alguém que chegou ao fundo do poço, e tenta libertar sobre todo esse clima de paranóia quanto a guerras mundiais, repressão policial, mortes em massa, síndrome do pânico, além de várias metáforas poéticas, dizendo "Eu estou amarrado por dentro/Eu sou o último fósforo aceso pelo destino/Em meio a uma tempestade".

"Holy Water" vem com o fantasma do Black Sabbath encarnando no riff, com a cozinha esbanjando técnica e precisão. A religião é massacrada sem dó nem piedade, com o eu-lírico dizendo que está se sentindo violentado por "outro macaco bizarro de circo". O ganho de melodia no refrão não diminui nem um pouco a força da canção, que não perde o tom de denúncia indignada em nenhum momento. Sustentando notas altas à vontade, Chris Cornell demonstra com folga que o rock tem mais homens-sirenes além de Ian Gillan, Ronnie James Dio e Bruce Dickinson...

O álbum então é fechado pela pérola "New Damage". Uma das músicas mais corrosivas do álbum, com a bateria cadenciada fazendo com que o resto da banda acompanhe em andamentos quase sombrios, com a guitarra caminhando entre um peso hard rocker e melodias com um quê alternativo. "Quando o novo desastre acontecer/Será o prenúncio de uma calamidade/Uma nova ordem mundial/Um novo mundo para se odiar", exclama o raivoso vocal. Os ares psicodélicos e barulhentos do solo de Kim são de hipnotizar. Um encerramento perfeito. "Os destroços estão afundando/Saia antes que você se afogue!".

O Soundgarden muitas vezes só é lembrado pela balada alternativa "Black Hole Sun", o que é uma tremenda injustiça. Tal fato fez com que grande parte do público da época não soubesse como a banda poderia ser maravilhosamente inventiva, primal, diferenciada e pioneira. Sempre acabam ganhando menos destaque quando postos no mesmo patamar de Nirvana e Pearl Jam. Poucos mergulharam fundo na usina de poder que a banda demonstrou ser desde a primeira metade da década de oitenta que, quem sabe, chegava até a ser melhor que seus companheiros de cena. Como acontece com Tom Waits e New York Dolls, o tamanho do reconhecimento quase nunca vem na altura do tamanho do talento. Mas quem já percorreu esses caminhos... Ah, meu amigo, pode ter certeza - não tem a mínima vontade de voltar atrás.

Black Sabbath - Black Sabbath

2007-11-14T12:31:00.000-02:00

Não há como negar: em se tratando da história da música contemporânea, o Black Sabbath é um dos nomes mais inventivos, originais e influentes que se tem notícia. Um dos grupos que realmente ajudou com que o Rock And Roll desse um passo à frente em sua caminhada através das décadas. Originários de uma cidade industrial chamada Birmingham, quatro jovens vindos de grupos que nunca deram em nada foram pioneiros em apostar em uma imagem dark e em um som distorcido, intenso e sombrio. Esses quatro são mais do que conhecidos nos dias de hoje : o vocalista Ozzy Osbourne, o guitarrista Tony Iommi, o baixista Geezer Butler e o baterista Bill Ward. Vindos de famílias trabalhadoras e estudantes de escolas medíocres, a juventude inglesa pobre na época só via três alternativas possíveis: trabalho duro, perigoso e extenuante, gangues com a esperança de conseguir bens de consumo que o trabalho nunca pode pagar... e música. Ao redor do mundo, a história se mostraria a mesma com filhos de famílias de recursos limitados vendo a música como a única alternativa possível para um futuro desgastante e sem perspectivas de melhorias. Vide bandas como o Led Zeppelin, The Stooges, Ramones, MC5, toda a cultura hardcore/street punk na Inglaterra, EUA e Brasil...

Formado das cinzas dos grupos Rare Breed e Music Machine, a banda angariou desde cedo uma fama de maldita. Quando ainda não existia todo um conceito em torno deles, a banda chocava pela extrema esquisitice do modo de seu vocalista cantar e agir no palco - com uma postura esquizóide, sacudindo a cabeça e lançando olhares hostis ao público - e também pelo hábito de tocar extremamente alto, o que lhes valeu a expulsão de praticamente todos os bares de Birmingham na época. O temperamento excêntrico da banda, adeptos de bebida e encrenca, só ajudava a sujar o nome deles ainda mais. Dois nomes, aliás: primeiro, como Polka Tuk, que afundou pelas inúmeras brigas de bar, depois, como Earth, que foi para o buraco após a banda ter sido chamada por engano para tocar em uma festa de gala - show este que fez parte da burguesia inglesa tremer nas bases ao presenciar toda a potência sonora que vinha por aí...

Então, entre um show e outro do Earth, Geezer Butler foi ao cinema. Foi ver o filme "Black Sabbath" (que foi lançado aqui no Brasil sob o nome de "Black Sabbath - As Três Máscaras do Terror"), uma película da Hammer, principal produtora de filmes de terror da época, narrada pelo clássico ator Boris Karloff (o primeiro a dar vida ao monstro Frankenstein da escritora Mary Shelley) e dirigido pelo italiano Mario Bava em que três aterrorizantes histórias eram apresentadas. Ao final do filme, Boris Karloff dizia o seguinte:

"Pronto. Não lhes parece que devia terminar assim? Com os fantasmas não se brinca, porque eles se vingam... Bem, chegamos ao fim de nossas histórias e agora infelizmente devo deixa-los. Mas tomem cuidado quando voltarem para casa. Olhem ao redor, olhem para trás. Cuidado quando abrirem a porta, não entrem no escuro... Sonhem comigo! Nós nos tornaremos amigos!"

E o silêncio reinou na sala de cinema. Todos olhavam uns para os outros, assustados e perplexados. Observando isso, Geezer viu a moral da história: as pessoas pagavam certa quantia de dinheiro não para se divertir, mas para se assustar, ficarem chocados, paranóicos e assustados ao andar pela rua de noite. Creio que a idéia tenha sido captada pelo leitor. A idéia ficou na geladeira quando foi levada a Tony, Ozzy e Bill. E já era uma banda com certo interesse no assunto - um dos poucos interesses de Ozzy na escola era ouvir o professor lendo Edgar Allan Poe e H.P. Lovecraft, enquanto Geezer sempre foi um estudioso de temas como ocultismo, tarô e outros. A idéia só foi levada às vias de fato quando o Earth tocou no Star Club da Alemanha e decidiu experimentar a temática sombria. Nascia então o Black Sabbath, e com ele, todo o heavy metal - de forma visual, conceitual, temática e sonora.

E assim, o Black Sabbath assinava com a Vertigo, mesmo o clima não sendo muito bom dentro da gravadora, já que seus executivos preferiam um som mais bicho-grilo. Som este que já parecia estar com os dias contados após a morte de ícones hippongas como Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison e Brian Jones, o conturbado fim dos Beatles e eventos violentos como o de Altamont, onde um jovem que apontou uma arma para o palco foi assassinado a facadas por Hell's Angels durante o show dos Rolling Stones. Tudo apontava que anos desesperançosos e hedonistas vinham em trilhos furiosos. E o Black Sabbath foi uma das bandas que mais representou esse espírito. Apesar de todos os mitos envolvendo satanismo, esqueça - muito além do choque barato, a banda discutia demônios muito mais presentes que o bíblico - eram os demônios de cada dia, aqueles instalados em cada pilar da sociedade. Ou como o próprio Ozzy explicou, "O Sabbath foi uma reação contra aquela merda toda de paz, amor e felicidade. Era só olhar em volta e ver que bosta de mundo a gente vivia".

E assim, em plena sexta-feira treze, pela bagatela de 600 libras inglesas e em apenas oito horas, o produtor iniciante Roger Bain e os quatro pé-rapados de Birmingham saíram de lá com o auto-entitulado "Black Sabbath". Revolucionário, ousado, indignado, um verdadeiro atestado de fúria, crueza e violência. Um peso ruidoso, sujo e seco, com a mixagem amadora evidenciando a levada mastodôntica de Tony Iommi e a truculência e casca-grossa da cozinha de Geezer e Bill. E claro, também tinha a voz de Ozzy - mórbida, demencial, diferenciada, um estranhamento como poucos. Basicamente, esse era o Black Sabbath - para a crítica, um bando de macacos tocando sons pré-históricos, para o público, o próximo passo do Rock And Roll. E aqui constatamos a razão de não poder dar muito crédito a uma crítica "especializada".

E o choque que devia ser em pleno 1970, na noite de sexta feira para sábado, olhar para a capa em que uma sinistra mulher olha um ponto indefinido. Da vitrola, começavam a vir o ruído da chuva atingindo o chão. E então, entra o riff de guitarra de Iommi como se fosse um estrondo elétrico e distorcido. Essa é a música que leva o nome da banda, "Black Sabbath". "O que é isso parado na minha frente?", pergunta Ozzy aterrorizado. Da forma mais macabra possível, a banda descreve o encontro de um homem com o próprio demônio em carne e osso. É narrado o pânico que o fato causa na população, a angústia de descobrir ser o escolhido e não haver escapatória para ninguém. A cada grito de Ozzy, a música explode em seus acordes sombrios e os bumbos de Bill ficam mais presentes que nunca. O baixo de Geezer faz a música ter um tom sufocante que poucas bandas conseguiram igualar até então. E, chegando ao seu final, a música cresce em velocidade, intensidade, medo e aflição. "É o fim, meu amigo?", pergunta Ozzy, "Satã está se aproximando...". É de deixar embasbacado não importa o número de audições. A música irá SEMPRE continuar gelando a espinha e dando um nó na garganta. Quase quarenta anos depois, ainda surte o mesmo efeito.

Então, começa a soar uma gaita que Ozzy havia furtado de um empregado da Vertigo. E então... Mais cacetada. "Manhã nublada/Nuvens no céu/Sem avisar/O mago ainda por aí". "The Wizard" é rápida para os padrões da época, com a guitarra de Iommi soando cortante ao sair pelas caixas de som e a bateria de Ward rufando e sendo espancada sem dó nem piedade com uma pegada fortíssima. A música desfila entre o vocal insano de Ozzy, machadas guitarreiras no córtex,e a cozinha funcionando como um trator em que o condutor estivesse ensadecido e com vontade de atropelar tudo. A gaita contribui com um charme indescritível, dando espaço para Ozzy cantar "Nunca falando/Apenas andado/Espalhando sua magia". É... O paganismo finalmente desembarcava na cultura pop!

"Behind The Wall Of Sleep" é onírica, apesar de estar mais para um pesadelo. Com um baixo etéreo de Geezer destoando entre a rifferama gritante de Tony, a música teve a letra escrita pelo baixista baseado no contato com a literatura do escritor H.P. Lovecraft. Ou a música corre em ritmos alucinados ou então embarca em uma lisergia cadenciada e maldita, um psicótico Ozzy parece falar simplesmente sobre o momento da morte, o calafrio sentido quando alma e corpo separam-se. Ou estaríamos apenas sonhando?

Então, tem início uma das linhas de baixo mais básicas, essenciais e geniais da história do rock. Uma introdução tão perfeita e magnífica só podia vir acompanhado de uma música no mesmo nível. "N.I.B." é o clássico da vez agora. Em uma letra ousada para a época, Ozzy canta como se fosse o próprio Lúcifer em primeira pessoa, apaixonado por uma simples mortal. "Você é a primeira a ter esse meu amor/Para sempre comigo até o final dos tempos". A música cai de ritmo no refrão, apenas para explodir novamente, isso sem contar um dos melhores solos já compostos e gravados por Tony Iommi, algo de cair o queixo. Genialidade juvenil e latente, em todos os quesitos. "Olhe nos meus olhos, você verá quem eu sou/Meu nome é Lúcifer, por favor, agarre a minha mão".

"Evil Woman" é um tanto polêmica. É um cover de uma música pop dos anos sessenta que a gravadora Vertigo impôs que a banda gravasse. Não dava, a banda já estava chocante demais para a época - o som não era psicodélico ou folk, as letras não eram pacíficas e utópicas, eles se vestiam de preto dos pés até a cabeça. Então foi imposto que pelo menos uma música mais pop a banda deveria ter em seu repertório. O resultado disso foi uma performance preguiçosa por parte da banda - todas as características que chocavam até agora continuam presentes, mas Ozzy não faz questão de praticar suas interpretações ensadecidas, a cozinha é apenas precisa e não fosse pelo peso, o solo de Iommi pareceria com tantos outros da época. A letra fala da relação do eu-lírico com uma mulher cruel que adora jogar com ele. Uma das únicas músicas que a banda nunca tocou ao vivo, recusando-se terminantemente.

A mais cadenciada do disco, essa é "Sleeping Village", introduzida por cordas tétricas e a voz de Ozzy contando sobre uma vila amaldiçoada a ter de dormir para sempre. Ironicamente, diz para o ouvinte sentir-se em casa. Então, a banda explode em um longo número instrumental, o blues-jazz-heavy-rock que só a banda sabia fazer, com momentos de destaque para todos os instrumentistas. Provavelmente, era o momento que Ozzy utilizava para descansar as cordas vocais. E que Iommi aproveitava para destilar mais solos elétricos, Geezer esbanjar suas geniais linhas de baixo e Ward fazer mais uma vez com que o ouvinte se sinta em um pelotão de fuzilamento.

Vem "Warning", introduzida pelo baixo e dando espaço para que os outros instrumentos apareçam timidamente e cresçam monstruosamente, na letra mais apocalíptica sobre dor-de-cotovelo já feita. Abandonado pela mulher que amava, o eu-lírico vê tudo ruindo, o sol tornando-se uma mancha escura, e é dominado pela aflição de ter sido deixado sozinho. Mas esqueça os outros instrumentistas, se é que isso é possível. Quem brilha aqui é Tony Iommi, no auge da sua criatividade; caso o ouvinte esteja curioso para saber porque alguns consideram este homem um gênio, essa é A música, camaradas - solos, solos e mais solos, rápidos, cadenciados, jazzísticos, viajantes, hipnóticos, heavies, rompendo em estouros elétricos... Sinceramente, o homem é um mestre. Dez minutos e meio de guitarras em êxtase.

E, com o advento do CD, finalmente foi permitido conhecer como parte integrante do disco a música que o Sabbath tocava ao vivo no lugar de "Evil Woman": "Wicked World", essa sim, uma autêntica pauleira que só esse quarteto vindo de uma cidade proletária saberia fazer. "O mundo hoje é semelhante a algo perverso/A luta continuará entre a raça humana/As pessoas vão trabalhar apenas para ganhar dinheiro/Enquanto as pessoas do outro lado do mar/Estão contando os mortos", canta Ozzy na música mais política da bolacha. Entrando como se viesse a galope acima da bateria, a guitarra soa mais desafiadora e direta do que nunca. Compassos lentos e rápidos para variar compõem OUTRO clássico... Em se tratando de Black Sabbath, nunca é demais.

Depois desse disco, ainda viriam os anos de ouro da banda - em que a banda lançou nada menos que outras cinco obras de arte da música pesada em seqüência. Ouvindo tudo em sequência, não é nem um pouco difícil de entender porque apenas poucas bandas como Led Zeppelin e Deep Purple tiveram a mesma importância que o Black Sabbath nos anos setenta - o espírito rebelde e corajoso rendeu um legado gigantesco - o heavy metal, o grunge, o stoner rock e muitas bandas de rock alternativo atual devem as calças ao Black Sabbath, e não têm vergonha nenhuma de admitir. Enfim, é difícil encerrar sem cair no que já foi tantas vezes repetido - e esse é mais um dos casos que muitos caracteres não servem nem um pouco diante da força da música em si.

We Sold Our Soul For Rock And Roll!

Novos Baianos - Acabou Chorare

2007-11-04T22:20:00.000-02:00

Brasil, 1969. A repressão da ditadura em nada ajudava a controlar a efervescência cultural pela qual passava o país. Para o mundo, o Brasil surgia como uma potência cultural interessantíssima, em todas as artes possíveis. Os artistas eram brasileiríssimos, e ainda assim, tinham uma acessibilidade inegável. A vibração diferente, as cores fortes, os ritmos envolventes, as letras, poemas, textos, crônicas e romances... Tudo muito forte, tudo muito subversivo, urgente, e principalmente, vivo. Eram os contestadores tempos da Tropicália, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Raul Seixas, Chico Buarque, Elis Regina, Nelson Rodrigues, Rubem Fonseca, Joaquim Pedro de Andrade, Glauber Rocha...

E entre tantos ícones, veio uma turma arretada da Bahia. Esse pessoal porreta atendia pelo nome de Novos Baianos, muito prazer, que influenciados pela contracultura e pelo pessoal tropicalista, se reuniu pela primeira vez em Salvador no ano que abre o texto, e se apresentou no espetáculo "Desembarque dos Bichos e Depois do Dilúvio". Também se inscreveram para o quinto festival de Música Popular Brasileira. E cá entre nós: não há jeito melhor de definir o trabalho dos Baianos. Samba, choro e rock pesado se encontravam em uma música muito agitada e bem-humorada, como se Jimi Hendrix tivesse nascido em Salvador e não em Seattle, e fosse discípulo número um de João Gilberto, e com aquele sotaque tão característico e marcante do povo baiano. Refletia o próprio estado de vida em que os mesmos viviam: isolados em uma casa de campo no Rio de Janeiro (para onde eram mandados todos os artistas nordestinos, em verdadeira "migração cultural"), jogando futebol, tocando, tendo experiências alucinógenas, vivendo de dieta macrobiótica, em total encontro com natureza, amor livre e misticismo. Uma mistura consistente, que só poderia dar no que deu.

A numerosa formação original consistia de Luís Galvão (letrista), Moraes Moreira (vocal e violão), Paulinho Boca de Cantor (vocal e pandeiro), Baby Consuelo (vocal e percussão), hoje Baby do Brasil, Pepeu Gomes (guitarra, viola, violão e bandolim), Dadi (baixo e violão), Jorginho (bateria, guitarra, cavaquinho, uculelê e bongô), Baixinho (bateria e bumbo) e Bolacha (bongô e percussão), que em 1972 liberaram seu segundo disco que também é seu álbum mais clássico: "Acabou Chorare". Um daqueles álbuns de importância histórica inegável que pode aparecer tranquilamente em qualquer lista dos álbuns mais importantes, inovadores e influentes da história da música contemporânea. Hoje em dia todo mundo presta reverência: Orquestra Imperial, +2, Tribalistas, Vanessa da Mata, Céu, Roberta Sá, Mariana Aydar, Marisa Monte em carreira solo, Devendra Banhart... Uma infinidade de gente.

Primeiro, cordas intimistas começam a prender a sua atenção... "Chegou a hora dessa gente bronzeada mostrar seu valor!", canta Baby. "O Tio Sam está querendo conhecer a nossa batucada/Anda dizendo que o molho da baiana melhorou seu prato...", e aí o o ouvinte identifica: está ouvindo um dos grandes clássicos dos Baianos, "Brasil Pandeiro". A sessão de cordas entra em polvorosa ao decorrer da canção, até que explode junto com a percussão no refrão "Brasil/Esquentai vossos pandeiros/Iluminai os terreiros/Que nós queremos sambar!". Forte, bonita, mágica, uma sonoridade que parece atual até os dias de hoje.

O clássico-mor "Preta Pretinha" entra com um violão doce e belo, abrindo oportunidade para Paulinho Boca de Cantor fazer jus ao apelido e destilar todo seu sotaque e carisma. "Só, só, somente só/Assim vou lhe chamar/Assim você vai ser", canta o melódico e apaixonado refrão. A música vai ganhando intensidade e riqueza em perfeitos quase sete minutos. "Abre a porta e a janela, e vem ver o sol nascer", convida Paulinho junto com toda a banda cantando a plenos pulmões.

Agora é hora de Pepeu Gomes e Baby Consuelo detonarem! "Tinindo Trincando" é introduzida pela guitarra estilo Jimi-Hendrix-baiano, Baby canta rápida sob um ritmo pesado com uma percussão muito rica versos como "Por que quem invade/Não chega não/Chega não, porque pera aí/Sou mesmo assim!". E os choristas incendeiam suas guitarras, e os rockers sentem os tropicais ventos atingirem suas rebeldes faces.

"Minha carne é de carnaval/Meu coração é igual", é assim que Paulinho inicia "Swing de Campo Grande", com um dos refrões mais divertidos da bolacha, e uma das sessões de cordas mais hipnotizantes, isso, claro, sem esquecer da sessão percussiva explodindo brasileirissimamente aos ouvidos. "Olha aqui, eu não marco toca/Eu viro toca/Eu viro moita", cantam todos, convidando os ouvintes a cantarem, maravilhados.

"Acabou Chorare", a faixa-título, tem uma curiosa origem: apesar de brasileira, Baby Consuelo passou parte da infância no México, que lhe deu o costume pueril de falar um híbrido de espanhol e português. A expressão em questão surgiu quando a jovem Baby caiu feio no chão, abriu o maior berreiro, e quando a família veio ver o que era, passou a gritar: "Acabou chorare!" ((dizem também que foi criada pela filha de João Gilberto, enquanto João e Moraes ensaiavam - ela teria caído, chorado e sido consolada pelo pai, e a certo ponto, dito a tal expressão - vai saber). Acompanhando as cordas onomatopeicamente, em clima quase infantil mesmo, Paulinho conta a poética visita que recebeu de uma abelha. "Acabou chorare, ficou tudo lindo...", "Abelha, abelhinha/escondido faz bonito/Faz zumzum e mel"... Singela e leve demais para ser descrita com palavras.

Algumas das melodias mais marcantes estão contidas em "Mistério do Planeta". Em uma letra um tanto quanto metafórica e misteriosa, o Boca de Cantor versa sobre sua participação na sociedade, no planeta, no universo: sendo o mistério tanto no passado, quanto no presente, mas independente disso, apenas um malandro, um moleque do Brasil. O baixo de Dadi dá todo um charme à coisa toda, deixando-nos nos trilhos para ouvir um solo totalmente psicodélico de Pepeu, que encerra a canção.

"A Menina Dança", já regravada por Marisa Monte, vem com Baby Consuelo deliciando os ouvintes com seu sotaque forte e contagiante, que dá cores tropical à música. "Quando eu cheguei tudo, tudo/Tudo estava virado/Apenas viro me viro/Mas eu mesma viro os olhinhos", canta ela cheia de graça. Guitarras, violões e pandeiros proporcionam uma viagem única. Dançante na letra e na música, com aquela vibração que só os brasileiros têm.

Isso aqui é Brasil na veia e saindo pelas caixas de som: "Besta é Tu". Sinta-se golpeado manhosamente pelo pandeiro, saia sambando sozinho pelo recinto, junto com um empolgado Paulinho discutindo a razão da necessidade de viver, além da história paralela em que ele conquista uma morena - "Mas isso é só porque ela se derrete toda/Só porque eu sou baiano"... Discurso vazio? Falta de profundidade? Bichim... "Besta é tu, besta é tu, besta é tu!"

"Um Bilhete Para Didi" é uma deliciosa instrumental nordestíssima - deixe-se levar pela parede de percussão, o cavaquinho de Jorginho, as guitarras ácidas de Pepeu e Dadi novamente arrepiando no baixo, fazendo ele soar cru, seco e delicioso. Remetente sortudo: imagine receber um bilhete tocando uma música tão criativa?

E encerrando... Ela volta! "Preta Pretinha II", reduzida aos três minutos, onde Paulinho já vem chamando sua nêga desde o início, enquanto a percussão acompanha e novamente transcorre novamente aquela clássica, apaixonada e regional letra. "Sou um pássaro que vive avoando/Avoando sem nunca mais parar/Ai, ai, Ai, ai, Saudade/Não venha me matar", fecham o Boca de Cantor, Consuelo, Moraes e todos os outros, inspiradíssimos.

Um dos grupos mais diferentes e originais surgidos em terra brasilis, em que poucos ficam em pé de igualdade. Um som tão rico, tão cheio de detalhes, e tão simples. Uma alma tupiniquim apaixonada pela sua terra que tem palmeiras onde canta o sabiá - sem discussões teológico-filosófico-político-existenciais profundas, isso aqui é puro Brasil, e só.

Só, só, somente só.

Devo - Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!

2007-10-29T15:43:00.000-02:00

Outro dia, lia os quadrinhos de Harvey Pekar, mais conhecido como o "Anti-Herói Americano". Lendo o prefácio escrito pelo grande Laerte, ficou na cabeça um trecho que dizia o seguinte: "quando a gente assiste às performances atuais do país dos americanos pelo mundo afora, esquece como é rica a cultura que se produz ali, rica e subversiva". E um dos maiores exemplos de subversão está na música - desde o jazz e o blues, que tocavam intensamente e foram os primeiros a experimentar alucinógenos e entorpecentes, passando pelo rock psicodélico, que quebrava as barreiras do senso comum a fundir a música com tendências surrealistas, e também o punk novaiorquino, que por agregar bandas de outras áreas, um tal de Richard Hell deu um nome mais simpático: Blank Generation - a geração em branco, a lacuna a ser preenchida.

E como esse lacuna era preenchida? Segundo as regras do movimento, de qualquer forma. Desde a porradaria ensandecida dos Deads Boys, à obsessão com o rock and roll clássico dos Ramones e The Cramps, passando por grupos mais acessíveis como Television e Blondie, e desembocando em grupos que primavam pelo pouco óbvio, pelo futurista, pelo visionário: grupos como o Talking Heads e a banda que abordamos hoje, o Devo.

Originários da cidade de Akron, estado de Ohio, os rapazes - mais nerds do que junkies, mais excêntricos do que punks - migraram para Nova Iorque ao saber da efervescência musical que dominava o lugar - e o clube CBGB'S como o local ideal para conseguir vender seu peixe. Era impossível a banda não chamar a atenção - no som, no visual, nas capas, a banda desconcertava os que chegavam a conhecê-los.

As capas de disco eram bregas, futuristas ou simplesmente bizarras. O som, inclassificável - punk rock, sintetizadores, dance, pop, livre experimentalismo - e impossível de passar batido pelos ouvidos. E as roupas... Bem, eles não vestem do jeito que alguém sairia na rua. Pirâmides na cabeça, macacões coloridos, jaquetas de couro, sacos plásticos, roupas de freira, chapéus de cowboy, capacetes de astronauta, uniformes de marinheiro, roupas de operários e qualquer coisa que surgisse nessas insanas cabeças. Ou seja: comparando com outras bandas que chocaram em som e imagem, como o Velvet Underground, eles não eram a representação do mais baixo que o ser humano consegue chegar - e sim algo totalmente alienígena. Prova disso é a forma de como o universo descrito pela banda pode ser sintetizado: ficção científica brega, com toques de humor surrealista. Segundo a própria banda, uma 'devolução': o ser humano já atingiu seu ápice e o Devo queria ajudar o máximo que pudesse a chutar a evolução escada abaixo.

Apesar de só estourarem nos anos 80, quando então deixariam a maior parte do seu legado para as bandas de rock alternativo de hoje em dia, a banda foi formada há 35 anos atrás, em 1972, e debutou logo com seu maior clássico, o obrigatório "Q: Are We Not Men? A: We Are Devo!". E o mundo começava a prestar atenção nesses estranhos extraterrestres que brotaram da terra. A banda, até então, era formada por Mark Mothersbaugh no vocal, guitarra e teclados, Gerry Casale no baixo, Bob II nas guitarras e teclados, Bob I nas guitarras principais, e Alan Myers na bateria.

O álbum abre com "Uncontrollable Urge" aproximada do punk novaiorquino com seu riff elétrico e direto. Uma música incansável cheia de 'yeahs' gritados de forma esquizóide em meio a uma letra que fala sobre uma necessidade urgente e imediata de gritar. Da mistura sobreposição de vocais, backing vocals e sons estranhos, a música é uma pancada do início ao fim.

O Devo é dono de um dos covers mais improváveis de todos os tempos: "(I Can't Get No) Satisfaction", dos imortais e chapados Rolling Stones, foi totalmente descontruída e reconstruída ao bel-prazer do Devo. O quanto de choque que a versão deve ter causado na época, eu não sei, mas imagino o choque conservador ao ouvirem uma bateria tribal e um clima soturno, repetitivo e distorcido. A crítica à alienação provocada pela indústria do consumo ganha contornos psicóticos, poucos usuais e para os menos acostumados com inovação, até certo desconforto.

Bateria martelando, guitarras em riffs quadrados e aquele vocal maníaco e aterrador. Esta é "Praying Hands", uma crítica impiedosa contra a religião e as pessoas que acham que contribuem muito para o mundo rezando. A banda soa mais agressiva ainda no verso: "OK, relaxe... Fique na posição... Vamos em uma submissão canina". O sintetizador só ajuda a nos sentirmos mais perdidos do que já estávamos.

"Space Junk" tem até certo charme pop, com agradáveis e repetitivas melodias de sintetizadores, mas contrastando com uma cozinha truculenta e riffs que surgem do nada, calando o sintetizador e mandando o ouvinte para o espaço. O eu-lírico declara estar tão louco por porcaria espacial que nem percebe que a garota com quem nunca tinha falado nem tocado mas considerava sua estava morta com a cabeça esmagada pelo que dá nome à canção.

Um dos maiores clássicos da carreira do Devo, esta é "Mongoloid", carismática canção introduzida pelo baixo e que cresce em ritmo marcial e vira um conto pop elétrico, distorcido e de certos tons épicos. Aqui presenciamos a história de uma pessoa com problemas mentais, em vários versos de humor negro como "Mongolóide, ele era um mongolóide/Mais feliz do que você e eu/Mongolóide, ele era um mongolóide/E isso determinou o que ele podia ver". Permeia por toda canção o irônico fato dele ficar feliz por poder usar chapéus, ir para o trabalho e roubar toucinhos sem ser percebido, enquanto nós, "normais", estarmos sempre deprimidos.

"Jocko Homo" tem um riff elétrico e pausado ora contrastando com o sintetizador dançante, ora com a voz de Mark. A música fala de evolução, com o vocalista declarando que consegue fazer as mesmas coisas que um macaco, e aproxima toda a humanidade dos símios. "Nós não somos homens?", pergunta Mark. "Nós somos o Devo!", responde uma voz doentia.

Seguindo com "Too Much Paranoias" que entra em tom de alerta, com as guitarras sempre beirando a explosão, enquanto o baixo e a bateria golpeiam repetida e maniacamente. Então... A música some! E torna-se um amontoado de sons e vibrações desconexas, apenas para a guitarra e Mark voltarem a se desesperar em uma música de sonoridade e letra neuróticas e desconfiadas com tudo.

"Gut Feeling (Slap Your Mammy)" é outra música que o Devo aproveita para destilar sua ousadia e humor negro, em uma música de cinco minutos introduzida de maneira quase pop, com direito a melodias mais acessíveis comparadas ao resto do álbum. A letra trata sobre vingança, onde o eu-lírico sente vontade de torturar uma pessoa que o oprimia e também agredir seus progenitores. Com o desenrolar, a música vai ficando cada vez mais barulhenta, pesada e intensa, até explodir em um punk rock neurótico.

E não pára por aí. "Come Back Jonee" segue a estratégia conhecida da banda de introduzir o ouvinte em uma tropical floresta pop... E fazer com que ele entre sem perceber em um pântano de esquisitices e detalhes exóticos - mesmo essa sendo uma das mais "normais" do álbum, digamos que soa como se os Beach Boys fossem viciados em anfetaminas e tivessem passado a juventude no Queens. A música parece dar uma bronca no tal Jonee do título, um garoto egoísta que só pensa em seus próprios interesses e faz com que uma garota fique deprimida.

"Sloppy (I Saw My Baby Gettin')" parece inverter a situação, e pior ainda: a garota do eu-lírico compra um carro e parece ir embora. A bateria soa crua e seca, as guitarras inflamam-se, Mark canta mais psicoticamente ainda... E então a música se desmancha em acordes e ruídos perdidos no ar, para então eletrocutar o ouvinte novamente.

A última música recebe o nome de "Shrivel-Up" tem um groove soturno impossível de passar despercebido, além de sons de sintetizadores delirantes que dão um ar atmosférico e pouco usual na canção. As várias reviravoltas são sempre acompanhadas com estranhezas, criticando alguém que toma cuidado com tudo, vive do jeito certo, não se diverte nem um pouco e torna-se uma pessoa pequena.

Mesmo quase todas as bandas da blank generation sendo brilhantes, ainda praticavam um som, digamos, que se tornou padrão para a segunda metade dos anos 70. Já o Devo... Ainda parece atual mesmo 29 anos depois de debutar e trinta e cinco anos depois de surgir. Muitas bandas que tocam rock alternativo hoje simplesmente devem os dedos com que tocam à uma das bandas mais diferentes surgidas na história da música pop do século vinte. Os diferenciais, creio eu, já foram-lhe muito bem apresentados.

Mas esteja avisado: quem entra nesse universo, deixa de ser humano. Passa a ser um... Devo!

Junkiebox #5

2007-09-29T20:49:00.000-03:00

(Colaboraram Bêr e Nat)

Grinderman – Grinderman: Mais um álbum do sinistro e genial Nick Cave, um dos mais prolíficos músicos do rock há exatos 30 anos. Dando um tempo para os seus Bad Seeds, Nick chamou dois de seus companheiros de banda e mais alguns outros músicos e montou o despirocado Grinderman. Em meio a guitarras e baixos ensurdecedores, distorções atordoantes e uma percussão maníaca, Nick fala, canta e lamenta da forma mais trôpega possível. O resultado final é urbano, sujo, alcoolizado e violento como só o rock aprendeu a ser nesses 50 anos de passeios no lado selvagem. Como bem disse uma resenha gringa, “nem Ted Nugent é heterossexual o suficiente para ouvir este álbum”.
Ouça: No Pussy Blues

Turbonegro – Retox: Vindos da Noruega com uma carreira fonográfica que já dura quase vinte anos, o Turbonegro é garantia de diversão. O som pode não ser o mais original do mundo, mas a energia e peso do hard rock em colisão com a sujeira e agressividade punk extremamente bem feitos fazem com que você se esqueça da eterna cobrança pelo novo. No lugar disso, você irá se deparar com o humor absurdo da banda, falando de temas bizarros, escatológicos e pouco usuais. Provas disso são porradas como “No, I’m Alpha Male”, “Do You Do You Dig Destruction”, a stoogeana “I Wanna Come” e principalmente a surreal e explicativa “What Is Rock”, que descreve que Rock nada mais é que a área entre o ânus e os testículos de um homem ou um cachorro. Para chocar parentes conservadores, incomodar os vizinhos e não deixar absolutamente ninguém parado.
Ouça: I Wanna Come

Marilyn Manson – Eat Me, Drink Me: Anúncio de uma temática romântica no trabalho que viria. Lançamento de perfume. Casamento com Dita Von Teese. Divórcio pouco após disso. Estafa e depressão. Declaração de admiração por cantores pop. Ataques diretos às bandas emo. Esse foi o universo de Manson entre os lançamentos de “The Golden Age Of Grotesque” e “Eat Me, Drink Me”. Em seu disco mais pessoal, o garoto atordoado que virou ídolo de toda uma geração de jovens está fazendo com sua música o que está fazendo com sua vida particular: não está fornicando, tampouco saindo de cima. No início até que engana, mas com o passar das ouvidas, percebe-se que falta algo. A barulheira insana transformou-se em barulheira condicionada, de soluções hard-roqueiras previsíveis e fáceis, isso quando não caem no pop deslavado. Trent Reznor se repetindo, Marilyn Manson se repetindo... Estaria o gênero industrial vislumbrando o início de um amargo fim?
Ouça: You And Me And The Devil Makes 3

Rufus Wainwright – Release The Stars: Filiação de pais separados, homossexualidade não aprovada pela família, estupro aos catorze anos, internação para cura de vício em anfetamina. Esses são alguns elementos que compõem o atormentado universo do cantor e compositor cadanense-americano Rufus Wainwright. Mesmo nunca tendo feito grande sucesso comercial, o músico demonstra grande fluxo de criatividade ao lançar vários álbuns, Eps e músicas para trilha sonora de filmes. Sua música mescla a simplicidade do folk e a garra do rock com a formação musical do cantor, envolvido com ópera e música erudita desde a adolescência. Talvez daí venha a grande facilidade de transformar sentimentos cinzentos em música. E este novo álbum, “Release The Stars”, é outra prova incontestável e emocionante de todas as afirmações feitas na resenha.
Ouça: Rules And Regulations

Yoko Ono – Yes, I’m A Witch: Yoko é a grande vilã do rock and roll. Desde que ouve falar em música, você aprende em não gostar da viúva de John Lennon, “aquela que acabou com os Beatles”. Ainda bem que tudo que é proibido e condenável é mais gostoso. Aos 74 anos, a japonesa assume a vilania na maior cara de pau e mostra que a idade não impede que ela mantenha-se atualizada quando o assunto é música. Sem medo nenhum, grava com artistas muito mais novos com ela e dá sua visão amadurecida sobre novas tendências musicais chamando várias estrelas da nova música, como Peaches, Le Tigre, The Polyphonic Spree, Porcupine Tree e Cat Power, entre outros. O resultado é diverso e interessantíssimo. Tudo bem que devido ao grande número de canções (17, no total), o álbum não é cativante em 100% dos casos, mas aí já é pedir demais que uma senhora já velhinha tenha aqueles arroubos de genialidade juvenil.
Ouça: Kiss Kiss Kiss

Cachorro Grande – Todos Os Tempos: Ternos, gravatas e chapéus tipo Bob Dylan. Quem mais poderia ser? "Todos os Tempos", quarto álbum do quinteto gaúcho, é um excelente disco: continua naquela linha de rocknroll e vocais gritados. Sonoridade super anos 60s e 70s, talvez até pelo modo com que o disco foi gravado: “Gravamos tudo em um ou dois takes. Três no máximo” (Rafael Ramos – produtor do disco). “Todos os Tempos” é daqueles discos que são bons do inicio ao fim: “Você Me Faz Continuar” – a primeira faixa do disco, é uma das canções mais dançantes, enquanto “O certo e o Errado” – última faixa, é um rock nervoso cuja letra narra uma briga entre Beto e Gross. Super rocknroll!
Ouça: Você Me Faz Continuar

Björk – Volta: Assim como nos outros discos, Björk continua se dedicando a fazer novas experiências na música. E se você acha que ela já fez coisas diferentes demais, dessa vez ela ainda vai conseguir te surpreender: ela chamou, nada mais, nada menos que Timbaland para participar do disco. É aquele mesmo, que já gravou com Nelly Furtado, Justin Timberlake, Pussycat Dolls... Bom, chega né? O single “Earth Intruders” é uma das melhores músicas do disco. Cheia de batidas a-la timbalada e experimentalismo da Björk. No mínimo curioso, não?
Ouça: Earth Intruders

The Chemical Brothers – We Are The Night: Nunca fui grande fã de música eletrônica, mas depois de tanto ouvir o nome Chemical Brothers por aí, resolvi ouvir alguma coisa dos caras, e descobri que já havia escutado, sem ao menos saber que eram eles que ecoavam em meus ouvidos. "We Are The Night" é o sexto álbum da banda (ou dupla) britânica. Muito badalados nos anos 90,os irmãos químicos eram figurinha carimbada nas pistas do mundo todo. Porém, de lá pra cá são mais de dez anos, e quem antes dançava ao som de Chemical Brothers, não dança mais...E por esse mesmo motivo, Tom Rowlands (Chemical Tom) e Ed Simons (Chemical Ed), não deram a chance pra ninguém dizer que eles estão velhos e ultrapassados em se tratando de música eletrônica. Eles chamaram os Klaxons para participação em uma das faixas do disco - "All Rights Reversed", uma das melhores músicas desse álbum.
Ouça: All Rights Reversed

Chris Cornell – Carry On: Soundgarden era uma banda legal, foi a melhor fase do Chris Cornell, já que o Audioslave não durou muito. "Diferenças irreconciliáveis" – esse é o motivo da saída de Chris da banda. Tá... sei. O fato é que os três outros membros da banda voltaram com o Rage Against the Machine, e então Chris Cornell anunciou sua saída da banda. Então, Chris parte pra outra e lança um cd solo: "Carry On", que em certos momentos até parece ser bom. O cd conta com "You Know My Name", que faz parte da trilha sonora de "007 – Cassino Royale". Mas, de repente surge um cover de "Billie Jean" do Michael Jackson, e quem está ouvindo o disco não entende mais nada. Chris Cornell, monte outra banda. Mas dessa vez, sem membros do RATM, ou então sem covers de Michael Jackson.
Ouça: You Know My Name

Velvet Revolver – Libertad: Desde 2002, quando a banda se reuniu pela primeira vez, todos os fãs do Guns n’ Roses e do Stone Temple Pilots devem ter ficado na maior expectativa do lançamento do “Contraband”, que não agradou tanto os fãs. Afinal... três ex-membros do Guns n’ Roses e o ex-vocalista do Stone Temple Pilots... vá dizer que você não esperaria um baita discaço? Até era um bom disco, mas toda a fama dos membros fez com que todos esperassem sempre mais e mais. Porém, “Libertad” vem pra provar que o Velvet Revolver é muito mais do que uma banda de ex-membros de outras grandes bandas. Muitos riffs, solos e hard rock de primeira. Esqueça da existência do GN’R e STP, coloque “Libertad” no último e saia fazendo air guitar pela casa.
Ouça: She Builds Quick Machines

Secos & Molhados (73) – Secos & Molhados

2007-09-20T20:40:00.000-03:00

Os Secos & Molhados foram um grande poema. Poesia cantada, interpretada e dançada Numa época em que o rock tinha fortíssima inspiração importada, como os Mutantes e sua psicodelia inglesa ou Gilberto Gil e seu Sgt. Peppers brasileiro, foram eles que alteraram toda a música criando um som único, poderoso e original. A atitude era roqueira, claro: destoavam dos hábitos moralistas da sociedade em plena ditadura com suas encenações andróginas e sensuais, protestavam em arte tipicamente brasileira, lotavam ginásios e estádios. Mas o som era popular, daí a classificação de heróis dos jovens e dos velhos: era música que atingia a todos, desde os adolescentes batuqueiros aos românticos de tempos melhores.

A proposta original foi de João Ricardo, líder da banda e compositor da maior parte das músicas: musicar poesia, idéia fortemente influenciada por seu pai João Apolinário, poeta português radicado no Brasil. Era esse fator que aproximava os fãs mais artísticos, afinal, eles não transformavam poemas quilométricos em canções pouco instrumentais. Eles criavam melodias que interagiam com os versos, como se fosse outro poema acompanhando-o. Em outras palavras, não era apenas um cara com voz de mulher lendo textos portugueses sem emoção. Por outro lado, eram uma banda de músicos completos: João Ricardo, além de tudo, ainda tocava violão de 6 e 12 cordas e harmônica. Gerson Conrad, além de ser ajudante na voz e compositor de uma parte das melodias, também tocava violão. Marcelo Frias, que não era considerado membro mas aparece na capa do álbum, era baterista e percussionista. O vocal de Ney Matogrosso dispensa comentários, certo? Outro destaque, fato esse que taxou a banda de “homossexual” logo no começo, era o uso excessivo de maquiagem no rosto – tentativa de Ney de poder se “mascarar” para que pudesse andar nas ruas sem problemas –, que chegava a esconder as feições.

Ney Matogrosso era a voz perfeita, assim como as melodias de João Ricardo e o vocal de fundo de Gerson Conrad. A bateria de Marcelo Frias, o baixo de Willie Verdaguer e a guitarra de John Flavin ajudaram muito. Como banda eles eram excelentes, muito acima de tudo que era feito na época. Não aderiram à moda do experimentalismo psicodélico da época (cof, Mutantes, cof), nem tentaram misturar samba com tudo como outros fizeram porcamente. Eles seguiam as melodias com os instrumentos completando-se, impondo o espírito da poesia à música. Prova maior disso é o álbum Secos & Molhados de 1973, por muitos considerados a obra-prima da banda, tanto pelas composições líricas quanto musicais.

Que demonstração melhor da qualidade musical que o baixo tocando forte no começo de “Sangue Latino” , com o acréscimo da guitarra e da bateria em ritmo crescente, para entrar finalmente Ney cantando? E quanto à letra, “jurei mentiras e sigo sozinho/assumo os pecados”, não resta nada a dizer além de aplausos: um poema sobre a solidão e, principalmente, a auto-depreciação. A voz já tem o característico destaque, com os outros instrumentos apenas acompanhando. E é ela que dá o tom, numa performance emocionante na canção mais revigorante que o Brasil já produziu. Abertura melhor, impossível.

“O Vira”, talvez a música mais conhecida dos Secos, tem o início roqueiro, pesado, forte. Até entrar o piano e se tornar um baião divertido. Não é poesia séria, não tem uma melodia poética, nada disso: mas é inesquecível Ney cantando. É a típica canção divertida que dá o toque de descontração ao álbum.

São as cordas que ditam a música em “O Patrão Nosso de Cada Dia”, desde seu início com o sino badalando até elas se tornarem acompanhante da flauta. Ao menos até entrar o vocal, numa das atuações mais emocionantes da banda. A letra é assumidamente anti-burguesia, com versos como “eu vivo preso à sua senha/sou enganado/eu solto o ar no fim do dia/perdi a vida.” Sem falar do romantismo do início, com a flor de cactus. Linda, linda de morrer.

“Amor” é a primeira das músicas rock dos Secos & Molhados, e é aqui que eles demonstram a que vieram. Afinal, as três faixas anteriores eram excelentes, mas não eram muito diferentes do que tinha sido feito até então. O baixo berra ao fundo, a bateria acompanha, e a voz em conjunto, agora com mais destaque a João Ricardo, numa poesia que explica o amor de forma criativa como ninguém mais fez. Não é uma declaração ou um soneto meloso, é, simplesmente a descrição do amor.

O piano é usado num blues, a faixa mais longa do álbum. O início de “Primavera nos Dentes” tem o básico, além do piano: a bateria e a guitarra bem fraca. Depois de três minutos de aceleração viajante, as vozes novamente em coro em uma canção interpretada tanto quanto manifesto anti-ditadura quanto como versos existencialistas. “Quem não vacila mesmo derrotado/quem já perdido nunca desespera/e envolto em tempestade, decepado/entre os dentes segura a primavera”, para então vir o grito de Ney, para voltar à viagem mais uma vez. Prova maior de harmonia entre letra e composição.

Os batuques no começo de “Assim Assado” não demonstram, mas essa tem a guitarra mais forte do disco, que acompanha como se fosse uma segunda voz, na letra mais maluca da história, e, ao mesmo tempo, uma das mais cativantes. Destaque para o solo de guitarra no meio, poderosíssimo, sem sombra de dúvida. Quer aprender a unir música brasileira com rock da melhor forma? Ouça-a.

E é “Mulher Barriguda” que confirma a afirmação de que sim, Secos & Molhados é uma banda de rock. Tudo muito rápido, muito violento, o piano levando o som a outro nível de originalidade, a gaita ao meio de tudo da forma mais Bob Dylan possível, e a guitarra, meu deus, que guitarra, que baixo. Ok, o nome faz parecer uma música dos Mamonas Assassinas. Mas não é: é uma canção anti-guerra, acreditem. Quando eles (porque aqui o vocal não é único) cantam “mulher barriguda/que vai ter menino/Qual o destino/que ele vai ter?/o que será ele/quando crescer?/haverá guerra ainda?/tomara que não”, você percebe o poder do rock ‘n’ roll de atrair multidões a seu favor e seus ideais. Lembrem-se: a guerra no Vietnã ainda não tinha acabado.

A mais curta canção do disco, “El Rey”, que tem menos de um minuto, segue do início ao fim a junção completa entre cordas de violão e cordas vocais, e tem um resultado que não se pode negar ser emocionante. A letra, insistente, que repete o verso “eu vi El Rey andar de quatro”, é uma profunda metáfora, sobre os reis, ou não.

O toque de “Rosa de Hiroshima”, no começo, parece o mesmo de O Patrão Nosso de Cada Dia, e provavelmente os desavisados vão achar que é a mesma música se repetindo. Muito enganados, baby. Quando entra a flauta e a (bela) melodia continua inalterada até se unir ao vocal, que cantarola com sentimento a poesia de Vinícius de Moraes. É botar para tocar numa festa e ver aparecer as lágrimas nos rostos das velhinhas.

A melodia é baladeira, verdade. Mas “Prece Cósmica,” composição surrealista de Cassiano Ricardo, é a genialidade da poesia transformada em música. O coro que canta “que os quatro como num teatro/conservem a mão sem nenhum gesto/que o vinho quente do coração uóu uauaum/lhes suba à cabeça/espessa”, o violino (seria um violino?) que faz o solo, a guitarra acompanhando a bateria... é lindo, a canção que me fez gostar de Secos & Molhados. Destaque para o “uóu uauaum/”, cantado de forma descarada satirizando aqueles tempos psicodélicos e mágicos.

Ao ouvir “Rondó do Capitão”, composição de Manuel Bandeira, a imagem que vem à cabeça é provavelmente a de mãos flutuando sobre um violão. Novamente um dueto de cordas e sopro, esse último representado pela flauta. Ney recebe grande destaque nessa canção alegre, que cantarola: “bão balalão/senhor capitão/tirai esse peso do meu coração/não é de tristeza/não é de aflição/é só de esperança.” Curta, realmente, um minuto e cinco segundos. Mas é ouvir para sair cantando.

“As Andorinhas”, outra poesia de Cassiano Ricardo, é basicamente uma frase só, cantada silabada, “nos fios tensos da pauta de metal as andorinhas gritam por falta de uma clave de sol,” mas ela é cantada de tal forma, com a percussão evocando espíritos eruditos e a voz leve e lenta, que é impossível você não querer ouvi-la novamente. É poesia, poesia pura, pura e surrealista, surrealista e genial.

“Fala” tem um ritmo que remete às canções de John Lennon (ouça "God" que você entenderá), mas com um toque crescente e a voz de Ney. Além da letra, que resume bem os momentos de quietude, “eu não sei dizer/nada por dizer/então eu escuto,” os músicos mostram aqui todo seu talento, de guitarras distorcidas ao violino, cordas e percussão. É a típica música da vida de muita gente, espetacular, emocionante, com no fim tudo sendo levado ao caos com o fim, no que parece ser uma quebra de instrumentos geral.

E é assim que acaba o primeiro disco dos Secos & Molhados. Agora só podemos imaginar qual foi a sensação do jovem que desligava seu som em 1973 depois da primeira audição desse álbum. Tirava o bolachão do toca-discos, empurrava a agulha para o lado e se sentava no sofá de couro. Lembrava-se de cada composição, cada verso, cada melodia, cada segundo. Pensava que o rock podia, sim, ser brasileiro e ser bom (senão melhor). Ele não sabia ainda, mas um ano depois ele compraria o segundo disco que também haveria de ser uma obra-prima. E não se decepcionaria. Secos & Molhados foi poesia, uma das únicas bandas do mundo que tinha o poder de envolver o ouvinte em palavras e sons.

Beck - Odelay

2007-09-12T23:26:00.000-03:00

Quem conhece, sabe: Beck Hansen pode ser considerado qualquer coisa, menos um artista ortodoxo. O californiano filho de atores e músicos que quando mais jovem catalogava filmes pornôs em ordem alfabética por quatro dólares a hora e que já morou em um galpão cheio de ratos há mais de dez anos vem se mostrando alguém notório na música pop. Cantor, compositor e multi-insrumentista, Hansen sempre foi capaz de surpreender a todos que nem David Bowie faria: sendo uma enciclopédia ambulante e obsessiva pela música, conhecedor de várias vanguardas e movimentos regionais, admirador de velharias famosas e obscuras, o que acaba resultando em um artista inquieto que, quanto mais suga informação, mais consegue devolver isso em forma de música.

A vibrante música muda de sintonia a cada disco, mas no geral, Beck vai desde a fórmula rock-rap-folk-psicodélico que consagrou o cantor até caminhos que desafiavam a criatividade do músico, como a tropicália, o low-profile, a soul music, música espanhola, entre outros. Sexo, introspecção, auto-afirmação, pessimismo, romance, dor... Não é à toa que é um dos poucos artistas de gravadora grande e com público de massa razoável que também faz sucesso e é incensado pelo público alternativo e pela crítica especializada.

O primeiro álbum de Beck a ficar famoso foi o seu segundo, "Mellow Gold", puxada pelo já clássico hit "Loser", mas julgo seu sucessor, "Odelay", o melhor exemplo do que é realmente a música de Beck Hansen. Se no disco anterior vários gêneros musicais eram recheados de orquestrações e perfeccionismo inseridos em um contexto sujo e direto, que só denunciava a tendência outsider do cantor - aquele que nunca está até o pescoço a algum ambiente - o disco em questão, lançado em 1996 pela Geffen, é variadíssimo, até mais que o seu predecessor, e mostra um trabalho aparentemente mais polido - mas nem por isso menos absurdamente criativo e freak. A produção não poderia estar em melhores mãos: ficou a cargo de gente como os Dust Brothers (responsáveis por um disco igualmente absurdo e inventivo: "Paul's Boutique", dos Beastie Boys) e o brasileiro Mário Caldato Jr. (Beastie Boys, Super Furry Animals, Molotov, Marcelo D2, Seu Jorge, Nação Zumbi, etc.), entre outros.

O disco começa já com uma de suas músicas mais famosas, "Devils Haircut". Mesmerizante, com Beck recheando a canção de pequenos detalhes, como teclados borbulhantes, linhas de baixo destoando, com a letra discorrendo sobre uma pessoa pessimista, em versos como "em todo lugar que eu olho, há um final morto esperando", descrevendo um mundo decadente, sempre desembocando no poderoso e grudento refrão "eu ganhei um corte de cabelo demoníaco na minha mente". Passando pelo pop, pelo dançante, pelo viajante e quase alcançando um nível etéreo, a música pode ser facilmente considerada uma das melhores da carreira do cantor.

Cordas abrem "Hotwax", canção que, mesmo mais lenta, com uma melodia principal relaxante, é recheada de momentos onde regionalismos e eletronices vem à tona para pegar o ouvinte totalmente desprevenido. Nos moldes de "Loser", é uma canção que funde versos em inglês com um refrão espanhol, com Beck afirmando ser um disco quebrado e ter um chiclete no cérebro. Um atordoamento relaxante, por assim dizer.

"Lord Only Knows" é aberta por um grito horripilante para então se transformar em um delicioso pop ao mesmo tempo ensolarado e ruidoso, de ritmo pulsante e com linhas vocais excelentes. E quando você pensa que Beck estava voltando à normalidade, ele deixa a música quase que esquizofrênica, e por outras vezes quase folk, enquanto Beck canta que apenas deus sabe o quanto está tarde para voltar atrás.

A seguinte, "The New Pollution" começa com vocais e teclados desencontrados para que a bateria imprima um ritmo constante, compondo uma das melhores músicas do disco, também com um dos refrãos mais em destaque, contagiante ao extremo. Com o passar da música, vemos uma letra cheia de metáforas sobre a solidão, com instrumentos de sopro que deixam a música com um quê de sensualidade.

Uma das sessões percussivas mais interessantes nos é mostrada em "Derelict". Beck dá suas vocalizações mais desleixadas, com uma voz pastosa combinando com a letra, que fala sobre uma noite em que tudo deu errado. Os muitos ruídos que acompanham a incansável bateria chegam a dar a sensação de estar perdido.

"Novacane" é uma das mais diversificadas do álbum. Melodias relaxantes combinam com scratches, daí a pouco temos um momento dançante e Beck cantando uma marra rapper incrível enquanto ruídos eletrônicos não se aquietam. OK, sabemos que a cabeça do rapaz não funciona como a da maioria, mas temos uma das letras mais complexas então, onde uma letra de estrada se funde a termos científicos e biológicos.

Guiada por belas e tranquilas cordas, essa é a balada "Jack-Ass". Bonita em todos os sentidos, de líricas e vocalizações nostálgicas, falando tanto sobre solidão quanto relacionamentos desgastados. Nem as ritmadas batidas inseridas na música conseguem quebrar a beleza inerente da canção. A música chega no seu ápice pessimista quando, no seu final, o som de um burro atacado chega aos ouvidos.

Outro dos sucessos do álbum, esse é "Where It's At". O tradicional folkdélico rapper de Hansen, com samples e scratches repartindo espaço com cordas e efeitos viajantes. O refrão é forte, direto e até mesmo pesado. Uma música sobre decadência social que sempre desemboca com Beck respondendo sobre os equipamentos de gravação que possui. Maravilhosamente exótica.

"Minus" é a que mais se aproxima do rock alternativo que era feito na época - um baixo sujo, uma guitarra distorcida e ruidosa e uma bateria direta e na lata, alternando cadência e velocidade, mas sempre com muito peso. Aqui testemunhamos um Beck apocalíptico de uma forma quase bíblica na letra. Verdadeira porrada na orelha.

Aberta por um assobio, "Sissyneck" então prossegue com uma cozinha forte e marcante como principal destaque. Ao chegar no refrão, a música fica mais pop e acessível, até voltar para os versos repetitivos e fortes. O pessimismo inerente ao mundo de Hansen se faz mais presente que nunca, onde ele avisa "não fale comigo se você estiver procurando por alguém para ser consolado". E tudo acaba com mais um grito demente...

"Readymade" pisa no freio, com o baixo ressoando quase como uma cama e a bateria seguindo lenta, e as melodias surgindo de forma esparsa, competindo espaço com efeitos eletrônicos. Até o jazz tem seu espaço em alguns momentos, onde na letra o cantor está desesperado para fugir da vida que leva.

A penúltima leva o nome de "High 5 (Rock The Catskills)", onde um início sampleado de "Desafinado" de João Gilberto (influência de infância do cantor) logo se transforma em uma música de fundo eletrônico recheado de graves e voz microfonada, com vários outros samples de vozes de rappers de Los Angeles. Um Beck de voz rasgada partilha o refrão com um coro de várias pessoas. Extremamente inventiva.

O álbum enfim encontra seu final, em "Ramshackle", uma balada onde Beck tenta se redimir de todo o seu pessimismo e sai em busca de arranjar ânimo para continuar andando e cantar mais uma canção. Realmente, após tanta maluquice, o mais bizarro seria encerrar tudo com uma música mais convencional... E com um barulho repetido e irritante ao seu final após mais de dois minutos em puro silêncio.

É engraçado notar que, há mais de uma década, poucos podem se gabar de poder competir com Beck Hansen. Definitivamente, um artista que não se vê por aí todo dia. Capaz de tocar do acorde mais melódico e careta até o pancadão eletrônico mais irritante, tudo posto no contexto do mundo de ruídos que só existe na cabeça do cantor, e que ele felizmente faz questão de botar para fora caso tenha qualquer idéia diferente. Resumindo, um cara para se chamar de genial.

Elvis Presley - Elvis Presley

2007-09-08T10:44:00.000-03:00

That’s all right! Now, with you: Elvis, The Pelvis!

A não ser que nas últimas cinco décadas o leitor tenha morado em algum planeta distante ou vivido nas profundezas do subterrâneo, torna-se inevitável conhecer o garoto que nasceu em Tupelo, Mississipi, e se mudando para Memphis ainda adolescente, conheceu Coronel Tom Parker, o empresário que dizia que ficaria rico no dia em que encontrasse um branco que cantasse feito um negro. Esse branco tinha nome, voz e quadris encarnados nesse garoto: Elvis Aaron Presley. Ou como se lançou primeiro na Sun Records, depois na RCA, Elvis Presley. O abençoado moleque então se tornou um dos maiores da cultura de massa do século 20.

Se você está no mundo do rock há algum tempo, provavelmente já encontrou muitos comentários dizendo que Elvis não era tanto assim – ele não era “O Matador” feito Jerry Lee Lewis, “A Voz” feito Little Richard, “O Homem de Preto” feito Johnny Cash ou gênios rústicos e primitivos como Chuck Berry e Bo Diddley. Mas sinceramente... Não precisava. O carisma e a sexualidade absurdas exibidas no topete, no rebolado e nos gestos eram suficientes para que Elvis chocasse a sociedade americana branca, anglo-saxã e protestante com apenas um dedo chamando a mulherada, que é claro, ia à loucura. Aqueles rocks inflamados e aquelas baladas impostas foram suficientes para que vários garotos começassem a se comportar como Elvis, Jerry Lee e o ator James Dean no clássico “Juventude Transviada”.

Entre esses atentos discípulos, estavam ícones como quatro rapazes de Liverpool que sonhavam em ser os Elvis Presley ingleses, que atendiam por Beatles, um baiano arretado que misturava baião e mandingas ao seu rockabilly, chame-o de Raul Seixas, aqueles obsessivos pelo rythm ‘n’ blues acelerados e seus topetes fascinantes, falamos de Stray Cats, e até um certo cara sombrio e introspectivo, que o público trata com certo temor e chama de Nick Cave. Isso, claro, parando em quatro exemplos influentes. Pense em um músico de Rock famoso. Pensou? Se não é fã de Elvis, pelo menos o tal já passou uns minutos de sua vida dançando “Jailhouse Rock” e “Teddy Bear”...

O primeiro álbum de Elvis - de 1956 - é definitivamente um estouro nos ouvidos. Pense comigo. Em uma sociedade de adolescentes brancos reprimidos, aquele disco que tem Elvis berrando com seu violão na capa, com um logotipo que mais de duas décadas depois seria reverenciado pelo The Clash no clássico supremo "London Calling", aquela mistura bizarra para a época de blues, gospel e country, com mr. Presley provocando de forma tão abusada que os então jovens sentiram-se ainda mais virgens e inocentes, como se alguém estivesse colocando a mão em suas virilhas pela primeira vez. Daí todo o estardalhaço no show do homem, que muitas vezes acabava em brigas violentas. Pois então. Gravado e mixado em poucas horas pela RCA Vitor de forma bem crua e direta, o rock finalmente saía de casas famigeradas por aceitarem negros e brancos para ganhar toda a América da Norte. E mais tarde, o mundo.

Três estouros. Um pelo dinheiro, dois pelos shows, três para se aprontar e... Estamos ouvindo "Blue Suede Shoes"! Uma música explosiva, com a guitarra soando altíssima e Elvis cheio de melanina e sex appeal no vocal. Na letra, ele tenta proteger seus sapatos de qualquer jeito, dizendo que "Você pode queimar minha casa/roubar o meu carro/Beber meu licor/De um velho jarro de frutas/Fazer o que quiser/Mas querida, fique longe desses sapatos!". Um dos maiores clássicos da carreira de Elvis Presley, e diga-se de passagem, merecidamente.

"I'm Counting On You" pisa no freio, mostrando aqui uma doce balada romântica altamente blueseira, em uma esperançada e emocionada canção onde o cantor espera que ele e a garota fiquem juntos no final. Com um refrão crescente, acrescidos de belos backing vocals e um grudento piano, a música é de uma beleza singela, quase inocente depois de mais de cincos décadas de tanto mau-mocismo.

Elvis dá sua versão a um grande clássico do imortal Ray Charles em "I Got A Woman". Rápida, incendiária, com Presley cantando à toda voz que está com uma mulher que é muito boa para ele, que ama ele incondicionalmente, com várias paradinhas e a guitarra estalando aos ouvidos e chamando para a dança. De um poder e energia incríveis demais para serem descrevidos. Nesse caso, só ouvindo para entender a rasgação de seda.

Um teclado introduz "One-Sided Love Affair", com uma interpretação até bem humorada do cantor, mais lenta que a anterior, mas ainda assim dançante, com o baixão gritando aos ouvidos e deixando o ouvinte extasiado. Elvis declara que se a garota quer ser amada, beijada e abraçada, terá que amar, beijar e abraçar o cantor. Pois afinal, como declara o próprio, "não estou aqui para um relacionamento apaixonado de um lado só".

"I Love You Because" é outra balada, só que dessa vez muito mais rasgada. Cordas e assobios acompanham Presley cantando versos carinhosos, realmente para derreter o coração de qualquer que ouvisse, independente do sexo, com Elvis dizendo ao final: "eu te amo por cem mil razões/mas principalmente porque você é você".

O Rock volta em "Just Because", uma das músicas mais animadas do disco, com uma sessão percussiva inquieta e algumas das melhores melodias de guitarra de todo o álbum. Elvis, ressentindo, canta que só porque a garota parece ser linda perfeita, ela não tem o direito de rir da cara dele. E ainda diz que haverá uma época em que ela estará sozinha, e que nem o Papai Noel se lembrará dela. Seria uma vingança comida como um prato frio, mas... Com o calor existente dentro artista em questão, impossível!

"Wah-Bap-Loo-Bap-Wap-Bang-Boom!". É isso aí. Elvis Presley regravou o maior hino de Little Richard, "Tutti Frutti", retirando a sujeira e a voz rasgada da original e inserindo força instrumental e sua clássica voz imposta, cantando sobre Sue e Daisy, garotas que deixam o eu-lírico realmente louco e sem reação. Tudo bem que a versão que Little Richard compôs e gravou dá um banho nessa aqui mas... Essa regravação que vemos aqui não faz feio. Mesmo.

"Tryin' To Get To You" é um dos melhores desempenhos vocais de Elvis em toda sua carreira, mesmo com a música esbanjando simplicidade. A letra é bem direta ao afirmar que o eu-lírico não desiste por nada de chegar até a sua amada. Um dos ápices do disco, com várias paradinhas empolgantes e um refrão mais do que cativante.

Fogo na alma de novo? Pois sim. "I'm Gonna Sit Right Down And Cry (Over You)", apesar do título meloso, é agito dos bons, meu rapaz. Um teclado entra pelos nossos ouvidos e já nos empurra para as melodias contagiantes da guitarra, enquanto baixo e bateria nos fazem bater pé incoscientemente, e Elvis manda o papo de que ele é um romântico possessivo: a garota será amada de todas as maneiras, mas se ela ao menos tentar deixar nosso romântico rockstar, ele não irá parar de chorar.

Olha só, o rapaz está realmente possessivo! Agora já dá pra perceber até pelo título: a música em questão, "I'll Never Let You Go (Little Darlin')", com Elvis lamentando como um cãozinho carente, pedindo perdão por ter feito ela chorar, e que ele nunca mais irá segurar outra garota em seus braços se ela o deixar. Meus companheiros do sexo masculino sabem que realmente podemos chegar a esse nível... Já para as mulheres, é tudo canastrice... Mas não sejamos tão radicais, amigos: a música é de uma beleza incrível, além de ser dotada de uma incrível reviravolta, onde o cantor simplesmente arrasa.

O clássico pop "Blue Moon" é outra regravação que Elvis fez questão de regravar da sua maneira única. Aqui então que o cantor tem seu desempenho mais introspectivo, cantando os já conhecidos versos: "Lua azul, você me viu na maior solidão/Sem um sonho no meu coração/Sem um amor que pudesse ser meu". Em qualquer versão que grava, é incrível como a canção, mesmo sendo tão acessível, não perde a melancolia latente.

O álbum encontra seu final então em mais uma faixa que entrou para a notoriedade e posterioridade depois de encontrar a garganta de Presley: "Money Honey". Uma música em ritmo safado e suingado, com uma sessão percussiva em destaque e as famosas paradinhas marcando presença. A letra mais irônica do álbum, onde Elvis critica o interesse das pessoas apenas pelo dinheiro. Mas no final o próprio assume fazer parte do esquema também ao afirmar: "Mas antes de dizer que eu te amo/Eu quero dinheiro, querida...". Divertidíssima.

E quem diria, lá se vão trinta anos que o primeiro Rei do Rock partiu desse mundo deixando sua marca indelével na história da música do século 20. Tanto em termos de vendagem, quanto de qualidade. Trinta anos que um cara pegou o ritmo de alguns revolucionários cansados da hipócrita república americana que queriam fundar um reinado só deles, e realmente construiu esse império que já perdura há mais de 50 anos. Por essas e outras, nosso muitíssimo obrigado, King Creole!

"Antes de Elvis não existia nada." (John Lennon)

Feios, Sujos e Malvados: O Som de Garagem dos Anos 60

2007-08-28T00:40:00.000-03:00

Um exército de caras vestidos de preto ou usando sempre os mesmos ternos rotos e esfarrapados, em cima de um palco, com instrumentos vagabundos ou feitos em casa com sucata, efeitos fuzz e distorções rugindo da maneira mais cortante o possível e vocalistas gritando ao microfone da mais completa selvageria até a demência mais amedrontadora existente. Protopunks, protopsicodélicos, protometaleiros, protohardroqueiros, e mais um monte de “protos”...

Essas eram as bandas de garagem dos anos 60. Literalmente centenas de grupos de garotos chapados de anfetamina e ácido lisérgico, com a sonoridade mais tosca o possível, os equipamentos e instrumentos caindo aos pedaços, falta de informação técnica que lhes concedia um talento único e mais uma porrada de dificuldades e limitações fez com que jovens garotos brancos americanos pudessem provar que os moleques ingleses não eram os únicos no mundo. E se na terra da Rainha, mesmo os mais pesados e/ou brutos como The Kinks, The Who e The Troggs viam a luz do sucesso, muitos dos garotos americanos contrariavam suas conservadoras famílias, tocavam para algumas centenas de pessoas, gravavam alguns discos e sumiam nas areias do tempo antes mesmo da década acabar, com seus ex-integrantes rumando para profissões não tão radicais quanto a de músico de rock...

Mas vamos chutar o leitor para um tempo mais passado ainda. Nos anos 50, um músico e compositor de voz grave e produtividade espantosa chamado Richard Berry, após ganhar o pão nosso de cada dia compondo baladas, teve vontade de fazer algo diferente. A idéia surgiu em 1955, após ouvir o calipso “El Loca Cha Cha” de René Touzet. Então, entre uma sessão e outra que gravava com os artistas de sua gravadora, escreveu uma canção em um guardanapo de papel, um rythm & blues safado, de letra misteriosa, homenageando uma garota que conheceu na beira do cais, e após algum romance, teve que sair de fininho. O nome? “Louie, Louie”.

Quase dez anos depois, em 1964, uma banda pegou esse sugestivo blues e sem mudar uma palavra na letra, verteu num rock de garagem tosquíssimo e indecente, onde o vocal desafinava excitado seu tesão pela mulherada à beira do cais. Com isso, os Kingsmen transformaram a música no provável maior hino do movimento garageiro americano.

Ainda na região norte, outros que atraíam as atenções para si eram bandas como The Sonics e The Monks. Duas bandas tão secas, cruas e primárias, com integrantes problemáticos vestidos de maneiras exóticas, que acabaram tornando-se influência consciente ou inconsciente da maioria das bandas que nos dias de hoje puxam o título de “som de garagem” para si.

Atravessando o país da bandeira de estrelas e listras, o choque é contínuo. Como não destacar o surf rock demente dos Trashmen? Ou o Seeds, banda que nos faz lembrar de um bando de homens das cavernas chapados, e que foi a primeira a dispensar o uso de baixista? Ou ainda a truculência exaltada por Lester Bangs do Count Five?

E claro, não podemos nos esquecer de Detroit e New York, locais que foram sedes para os estandartes principais do punk rock, grunge e todos os movimentos alternativos subseqüentes: Stooges, MC5 e Velvet Underground. Há também o Iguanas, primeira banda de Iggy Pop, onde o mesmo tocava bateria, uma das bandas mais populares da cena da cidade do motor, que misturava surf rock e Beatles para gravar seu repertório; as canções-jams amedrontadoras dos novaiorquinos do Blue Magoos; as insanidades psicodélicas e texanas dos 13th Floor Elevators; os Electric Prunes que se tornaram uma das bandas mais conhecidas da cena garageira ao ter uma música incluída no filme "Easy Rider"; os Standells no mesmo barco de sucesso dos Electric Prunes, conseguindo fazer algumas das músicas mais ouvidas do ano, mas ainda assim sumindo sem deixar notícia ou lembrança; o humor histérico e suburbano dos Barbarians (que para completar, tinham um baterista com uma mão só, que usava um gancho no lugar do outro!); e os embriões do ZZ Top (Moving Sidewalks), Grand Funk Railroad (Terry And The Packs), Blue Cheer (Oxford Circle), a formação da banda de suporte de Ted Nugent, os Amboy Dukes, e mais uma tonelada de bandas...

É extremamente recomendável procurar pela coletânea “Nuggets”, pois até o início dos anos 70, o rock americano era considerado coisa de gente criminosa, pervertida e sem nenhum valor artístico; essa coletânea organizada por Lenny Kaye (jornalista e guitarrista do Patti Smith Group) compilou em uma coletânea dupla os maiores clássicos de garagem dos anos 60. O som de garagem enfim tomou o mundo de assalto e mostrou que as melhores obras de arte surgem quando entram em contato com a realidade e abandonam a erudição – ou seja, tornam-se marginais, primitivas, violentas, dispostas a ferir os sentidos e de transmitir muita sacanagem e todo o urbanismo dos nossos dias.

Para adentrar o mundo das bandas de garagem, aqui vai uma pequena lista para que o ouvinte não se assuste com o cheiro nauseante de óleo, a estética nem um pouco convencional, o clima claustrofóbico, os sons guturais e horripilantes e o espírito libertário de uma época – mais preocupados em nos fazer pensar nas ruas de nossas cidades do que guerras em países distantes e discursos de paz-e-amor :

The Kingsmen - Louie, Louie
The Sonics - The Witch
The Monks - Shut Up
The Seeds - Can't Seem To Make You Mine
The Trashmen - Surfin' Bird
Count Five - Psychotic Reaction
The Blue Magoos - We Ain't Got Nothin' Yet
Electric Prunes - I Had Too Much To Dream (Last Night)
13th Floor Elevators - You're Gonna Miss Me
The Standells - Little Sally Tease
The Iguanas - Mona
Barbarians - Are You A Boy Or Are You A Girl

Paul McCartney & Wings - Band On The Run

2007-08-16T00:17:00.000-03:00

Paul McCartney é um gênio da música pop. Essa afirmação quase tão velha quanto o próprio é incontestável, após tantos anos de carreira solo, a carreira brilhante nos Beatles, as inúmeras críticas em revistas conceituadas e prêmios em eventos de fama mundial, a composição de músicas que mudaram a cara do mundo com ou sem seus amigos de Liverpool... E, claro, com os igualmente geniais Wings.

Por dez anos, de 1971 a 1981, Paul provou que o Wings não eram apenas uma banda feita para matar sua saudade dos palcos, atividade esta interrompida quando os Beatles realizavam discos tão intricados, inovadores, com tantos instrumentos e feitos exóticos, que as bolachas tornavam-se impossíveis de serem reproduzidas ao vivo. Mais que um capricho ou projeto do ex-Beatle, era uma nova banda, com todas as letras merecidas.

Enquanto John Lennon tornava-se o herói da classe trabalhadora junto a Plastic Ono Band, usando sua fama para tentar fazer as pessoas refletirem e George Harrison ia cada vez mais fundo na sua admiração pelo lado oriental do nosso velho globo terrestre em discos como o perfeito "All Things Must Pass" e o live "The Concert For Bangladesh" ao lado de Ravi Shankar, Paul não atravessava sua melhor fase com crítica e público no que se dizia respeito sobre sua carreira-solo. Claro que Paul ainda vendia consideravelmente bem, mas era um caso em que um nome famoso ajudava mais do que tudo... Mesmo nos primeiros discos do Wings, Paul parecia que não iria chegar muito longe. Mas Paul tem uma característica que os Rolling Stones também possuem: sempre que você acha que um deles não está tão bom quanto antigamente, que a criatividade está acabando após tantos anos de carreira, que eles deviam se preocupar mais em fazer shows "greatest hits", que o som deles já é coisa do passado... Eles simplesmente tomam aquele chá inglês que tem um efeito especial na cabeça dos músicos da terra da Rainha... E soltam um disco que crítica e público irão idolatrar pelos meses seguintes, até o próximo disco.

E dessa vez não foi diferente. Após ser criticado e até mesmo banido pelo conteúdo extremamente político da canção "Give Ireland Back To Irish" e soltar mais duas canções mais felizes e juvenis - "Mary Had A Little Lamb" e "Hi Hi Hi" (que também foram banidas por causa de conotações sexuais e insinuações ao uso de drogas), Paul acerta o passo no terceiro disco da sua nova banda. E após tanto tempo longe das paradas de sucesso, tanto tempo sem ter um compacto entre os três primeiros, depois de ser banido três vezes das rádios, Paul, sua banda e algumas celebridades inglesas feito o ator Christopher Lee e o jornalista Michael Parkinson, entre outros, vestiram-se de negro e posaram para uma foto de capa como se estivessem fugindo da polícia. E o nome do disco? "Band On The Run"!

Cantando e tocando baixo, Paul era apoiado pela sua esposa Linda nos vocais e teclados e o guitarrista e backing vocal, ex-Moody Blues, Denny Laine, que formavam o núcleo principal da banda, acompanhados pelo guitarrista Henry McCullough e o baterista Denny Seiwell. O resultado final não tem muito segredo: em "Band On The Run", lançado em 1973, o ouvinte ouvirá música pop, direta, simples e bem-feita, com adição de orquestrações, chocalhos, saxofones, percussões... Um disco que é familiar e resfrescante, divertido e emocionante... Algo tão humano e tocante, que só mesmo uma banda com Sir Paul nas suas fileiras conseguiria compor.

O disco abre com a faixa título, "Band On The Run", introduzida por melódicas cordas e Paul lamenta por estar atrás das grades. A introdução da bateria faz a canção engedrar em um ritmo cada vez mais forte, até as doces reviravoltas virarem um pop animado e feliz, de onde não desce mais, afirmando que fugiram da cadeia, gritando "A banda em fuga, a banda em fuga! E o carcereiro e o marinheiro Sam estavam procurando por todo mundo... pela banda em fuga!".

"Jet" entra com um riff grandioso, numa canção que fala sobre um labrador negro que Paul e Linda tinham há mais de 30 anos atrás, num empolgante refrão onde toda a banda grita o nome da canção, e onde mesmo com o ritmo mais pesado, Paul consegue soar cativante e cheio de emoção, como na ponte em que Paul canta "Quero Jet sempre me amando!" e "Jet achava que o major fosse uma pequena senhora sufragista". Perfeita em todos os sentidos, nos refrões, vocalizações, reviravoltas... Macca definitivamente não acerta na mosca. O que ele faz é fuzilar o pobre inseto...

Pisando no freio, Paul nos entrega de bandeja "Bluebird", belíssima e relaxante balada com uma das letras mais puras e românticas escritas por Paul, já começando em versos como "Tarde da noite quando o vento estiver parado/Eu irei voando até sua porta/E você saberá para que serve o amor/Sou um pássaro azul", onde também convida a pessoa por quem está apaixonado a virar um pássaro azul também. O clima é tão romântico que a canção tem a adição de instrumentos de sopro, isso sem contar o refrão com vocalizações quase inocentes.

"Mrs. Vanderbilt", canção de ritmo forte e cordas insistentes, apresenta vocais inusitados, cheios de coro de "ho-hey-ho" e uma letra que critica a neurose das pessoas na grande cidade. "Lá na selva, vivendo em uma tenda, você não precisa de dinheiro, você não precisa pagar aluguel, você sequer conhece tempo, mas você não se importa", dispara Paul acidamente. E se a pessoa tanto reclama de sua vida, mas não está disposta a largá-la, Macca não quer que você fique enchendo o saco famoso, milionário e despreocupado (e também nobre) dele...

Uma das melhores canções já compostas por Paul, essa é "Let Me Roll It". Redonda, viciante e cheia de guitarras, a música tem a polêmica de ter uma estrutura muito parecida com "How Do You Sleep?", música da carreira solo de John Lennon. Paul canta da sua inabilidade de expressar seus sentimentos, mas que queria fazer as pazes com seu amigo Lennon de qualquer maneira. "Não posso te contar como eu me sinto/Meu coração é como uma roda/Deixe-me rolá-lo até você!". A referência foi tão boa que a guerra pela música e pela impresa de Macca e John parou pouco após.

"Mamunia", uma palavra árabe que significa "paraíso seguro" e também nome de um hotel onde Paul se hospedou em Marrakesh, é a canção mais árabe que um inglês poderia ter escrito. Enquanto balada nos versos, a música rapidamente deságua no refrão, ganhando batidas fortes, melodias ensolaradas e um refrão para lá de relaxante. A paz de espírito transmitida por letra e música são impressionantes. "Na próxima vez que você ver nuvens de chuva em L.A., não reclame. Está chovendo para mim e para você."

O que dá raiva em álbuns perfeitos é que, por mais que a música anterior seja excelente e capaz de mudar vidas, a seguinte também é capaz de repetir o feito. "No Words" é uma canção em tom crescente, cheia de orquestrações, composta em conjunto por Paul e Denny Laine. Macca canta, introspectivamente, sobre o amor eliminar a necessidade de palavras.

O ator Dustin Hoffman (de "Perdidos na Noite", "Papillon" e "Todos Os Homens do Presidente") sugeriu que Paul composse sobre a morte do lendário pintor Pablo Picasso. O resultado foi "Picasso's Last Words (Drink To Me)". Uma epopéia de quase seis minutos, com a participação de Ginger Baker (ex-Cream e Blind Faith) nos chocalhos, com dois empregados dele sacudindo um balde com carvão e lindas orquestrações, numa música cheia de reviravoltas, barulhos de zoeira, e uma letra muito bem-humorada, ao estilo da fase rosa de Picasso, no cativante refrão: "Bebam por mim/Bebam pela minha saúde/Vocês sabem, eu não posso beber mais!". Só para aumentar ainda mais o clima de diversão, os refrãos de "Jet" e "Mrs. Vanderbilt" são introduzidos de surpresa no meio da música. Uma das mais criativas do ex-Beatle.

Só o mais insensível não conseguiria dar pelo menos um sorrisinho nessa que é a última canção do álbum, "Nineteen Hundred And Eighty Five". Romanticamente, Macca faz suas previsões para 1985, falando que não acredita por estar vivo e vendo tudo acontecer, e feliz de ter uma pessoa que ele gosta ao seu lado. Só mesmo o autor de "Love Me Do" e "Yesterday" para nos fazer sorrir por inocência e romantismo em uma decada dominada por Iggy Pop, Johnny Thunders, Robert Plant e outros comedores junkies de plantão... O disco acaba em tom grandiloqüente, e eles continuam fugindo, e cantando o refrão da música que abre o disco.

Esse disco é uma das provas definitivas que permitem Macca receber tanto crédito por tudo o que fez. Genialidade pop em torrentes em uma época em que o mau mocismo imperava. Paul não deixou-se abater. Ele sabia que, enquanto houvessem corações sensíveis, ele ainda teria gente para tocar os sentimentos. Não deu outra. Foi o disco mais vendido dos Wings e um dos maiores sucessos da discografia de Paul, superada apenas, é claro, pela sua época nos Beatles.

Um sorriso, um aperto de mão, um beijo, uma paixão. Forty minutes of fun? Baaaand on the ruuuun...

The Velvet Underground - White Light/White Heat

2007-08-08T21:52:00.000-03:00

Existem discos realmente dementes. Existe o "Fun House" dos Stooges, que começa rolando abaixo em "Down On The Street" e acaba no apocalipse de "L.A. Blues". Existem os berros maníacos e horripilantes sobre um instrumental caótico do primeiro disco auto-entitulado do Suicide. O Fantomas de Mike Patton e sua discografia nonsense. Mas não há competição; quando se fala de demência, dos instintos mais baixos e imorais do ser humano sendo convertidos em música, existe apenas um disco para representar tudo isso. "White Light/White Heat". A banda não poderia ser outra: The Velvet Underground.

Para os fãs, as figuras já são bem conhecidas. Estão lá todo o cinismo, sarcasmo e a postura abertamente pervertida e transgressora do vocalista e guitarrista Lou Reed, a psicopatia musical tirada do baixo, das violas, teclados, arranjos e vocais de John Cale, e fazendo companhia aos dois gênios, a cozinha suja e musicalmente primária do baixista/guitarrista Sterling Morrison e da baterista Maureen Tucker.

Sem Nico, sem Andy Warhol, começando a se desfragmentar totalmente. O quarteto mais famigerado de New York, em 1968, um ano depois de chocar a todos com seu primeiro LP, só provou que com eles, o buraco era mais embaixo. Em canções distorcidas, guiadas por feedback, quase todas elas contendo momentos puramente experimentais e avant-garde.Mesmo em anos de puro experimentalismo, a banda conseguia ser e continua sendo pura blasfêmia aos ouvidos humanos. Já disse quando fiz a resenha do primeiro álbum; em todos os aspectos, era uma banda no mínimo diferente para a época. Não é folk, não é mod, não é mersey beat, não é hard rock, não é rock psicodélico. É simplesmente indefinível – uma profusão de elementos surgem e são tragados como se estivéssemos no meio de um furacão em movimento. Realmente não são todos os preparados para ouvir um disco tão marginal. É como se o diretor italiano Pier Paolo Pasolini resolvesse tocar Rock and Roll. Se fosse lançado hoje, a crítica tomaria o disco por pelo menos ousado e inventivo; imagine só há quase quarenta anos atrás...

O disco começa roqueiro até, com a faixa título “White Light/White Heat”, com a banda cantando repetidamente o nome da canção, com um piano uniforme e rápido acompanhando a canção, enquanto Lou Reed trata de uma experiência com luz branca, provavelmente vinda de uma viagem de anfetamina que o mesmo teve. “Todo mundo vai fazer isso toda semana/Gaguejando aos berros, todos vão matar suas mães/Aqui vem ela, aqui vem ela, todos conseguem, vai me fazer correr, faça/Mais alto”, diz Reed, antes da canção explodir em um solo doentio que a encerra. De um ineditismo surpreendente.

Não sei quantas vezes “The Gift” possa ter sido chamada de lixo, chatice, experimentação desnecessária... Afinal, são oito minutos de John Cale recitando uma história escrita por Lou Reed na época do colegial sobre o instrumental distorcido e psicótico da banda. O excêntrico músico conta a história de Waldo Jeffers, um garoto que atingiu seu limite no que se trata de solidão ao ter um relacionamento de longa distância, e resolve se dar de presente para a própria namorada. Marsha, a infiel namorada, encontrou outro cara que transa melhor, e ao receber o presente, não deixa as amigas abrirem, pega um cortador no porão e... Corta a caixa. A caixa onde dentro estava a cabeça de Waldo... Tal história só poderia ter saído da cabeça de quem, mesmo?

Dois acordes numa viola elétrica distorcida, linhas vocais arrastadas, um fundo tenso e sempre à beira de explodir que gera contraste imenso com o resto. Tal música ganha o nome de “Lady’s Godiva Operation”. Uma operação de mudança de sexo é narrada cheia de humor negro, com Cale e Reed repartindo os vocais, enquanto os instrumentistas fazem ruídos com a boca para simular instrumentos hospitalares em pleno funcionamento quando a música avança para o seu final. Um sonho de uma vida, que ao que parece, acaba em uma morte horrível e sangrenta.

Aqui está um dos hits do disco: “Here She Comes Now”, a mais curta do álbum, originalmente feita para Nico cantar, mas na época, a parceria entre a loira e o Velvet já havia acabado; que adentra com ares até melódicos, e Reed entrar com a letra cheia de palavras repetidas, o que dá espaço para que o instrumental cresça por trás, certas vezes com o vocal sendo quase engolido, em uma letra sobre uma mulher onipresente, descrita com certo desprezo pela voz de Lou.

“I Heard Her Call My Name” traz guitarras que apenas Jimi Hendrix conseguiu fazer algo parecido, tão malditamente distorcido e com o vocal rouco e desafiador de Lou Reed imposto no limite, mas no contexto da banda mais maldita de todas, a música ganha contornos pestilentos ao invés de lisérgicos; a guitarra ruge, guincha, enquanto a letra nem um pouco sutil fala sobre necrofilia; “Eu sei que se importa comigo/Eu ouvi ela me chamando/E eu sei que ela morreu faz muito tempo/Ela não continua a mesma”. Por vezes, o vocal é ininteligível, compartilhando espaço com um solo que só faz piorar a situação; algo que muitos chamariam nem de tortura musical, mas de barulho.

E aqui chegamos na sexta e última canção. “Sister Ray”. Definitivamente, a música mais assustadora dos anos 60. Não tem para os The Doors, para os Stooges, para Hendrix, nem para o primeiro disco do Velvet, que por si só, já era um ultraje sonoro. Homossexualismo, transexualismo, assassinato, violência, uso abusivo de drogas. Drag queens levam marinheiros para orgias, esses rapazes são mortos, e nem a polícia parece se importar. A moral e os bons costumes, qualquer senso de humanidade, todas as religiões erigidas até então não significam absolutamente porra nenhuma para Lou Reed. A música não significa nada para John Cale. É por isso que todos os instrumentos utilizados no álbum aqui são levados ao limite da exaustão, construindo um verdadeiro circo de horrores escrotos, por isso que Lou Reed canta cuspindo e vociferando as palavras, sem se importar se você está gostando ou não. A sociedade que se foda, os bilhões de anos da Terra que se fodam, isso aqui é a natureza humana, a mais podre de todas que já existiu, capaz de perder qualquer consideração alheia a partir do momento que assume o controle das outras. Não são assassinos seriais matando os próprios pais, não são Joe’s vingativos, tampouco soldados no Vietnã procurando e destruindo – é em plena cidade grande, cidadãos que vemos todos os dias, matando uns aos outros em meio ao sexo, algo que deveria ser prazeroso, mas se derrete em gozo, sangue e lágrimas. A bateria marcha, a distorção entra feita uma broca nos seus ouvidos, o baixo quer te matar por asfixia e Lou Reed ri e cospe em você. Você é um em bilhões. Você vai ter o mesmo destino dos personagens da música se estiver no lugar errado e na hora errada. Não importa quantas informações preciosas existam na sua preciosa cabecinha. Uma bala e toda essa poesia transforma-se em miolos espalhados pelo chão, sangue sujando a parede e o fim de mais uma formiga Homo Sapiens efêmera. Isso é “Sister Ray”. A reflexão de que uma vida (a sua, a minha, qualquer uma) não é nada. A filosofia máxima do fim.

Luz branca. Calor branco. Ruído branco. Você entende o que quer dizer demência? Não com essas linhas, certeza absoluta. Não existem letras, algarismos, medidas ou símbolos para definir uma música tão forte, transgressora e absurda. Diante do Velvet Underground, a cultura ocidental não faz sentido. A sociedade americana não absorveu ou capitalizou o disco – ignorou-o com todas as forças, como um fantasma que mora ao lado.

O tempo passou, e ficamos mais conservadores. Aparentemente, a não-mensagem de Lou Reed foi pouco compreendida. Mas como visto acima, isso não significa lá muita coisa...

The Rolling Stones - Sticky Fingers

2007-08-05T20:37:00.000-03:00

É até chato escrever sobre os Rolling Stones. Quer dizer, desde o surgimento da banda em 1962 e o primeiro LP em 1964 vêm falando, discutindo e escrevendo resenhas, livros, compêndios e enfim, parágrafos, parágrafos e mais parágrafos sobre os Glimmer Twins (Mick-Keith) e seus comparsas. Assim, como escrever algum elogio sem evitar cair em clichês completos? Atitude corajosa esta de escrever sobre música... Isso pode acabar sendo uma resenha como as outras, mas sabe como é... É apenas resenhar, mas eu gosto disso...

Pois bem, os Rolling Stones não foram chamados de “versão bad boy” dos Beatles por um simples motivo – diferente dos garotos de Liverpool, a banda sempre foi afeita a temas mais sexuais, tristes, cruéis e até mesmo ultrajantes. Conferindo os primeiros hits, temos “It’s All Over Now” e “The Last Time”, que falam de separação; “(I Can Get No) Satisfaction” e sua crítica ao sistema capitalista; “Paint It, Black”, sobre ver tudo negro por estar sem o seu amor; as letras urbanas de “Jumpin’ Jack Flash” e “Street Fighting Man”; a melancolia latente de “You Can’t Always Get What You Want”; e por aí vai. Enquanto isso, os Beatles eram mais lembrados por um romantismo doce e um pop ensolorado, ainda que afirmar isso de forma generalizante não corresponde à realidade.

Os Stones não atravessavam seu melhor período em termos econômicos e pessoais – naqueles primeiros anos da década de 70, quando a banda saiu da categoria de antagonistas à sombra dos FabFour e se afirmou musicalmente como uma banda de respeito – foi a época dos conflitos contratuais para sair da Decca, já que estavam insatisfeitos com o empresário Allen Klein, que dava mais importância ao seu contrato com os Beatles do que com os Stones. Tal ruptura fez os Stones moverem-se para a gravadora Atlantic e abrir o selo Rolling Stones Records, ainda que a custo de Allen ficar com os direitos autorais e royalties de todas as músicas compostas até 1970.

A perda do guitarrista Brian Jones ainda era algo recente, a banda ainda vinha se acostumando com o novo guitarrista Mick Taylor, egresso da banda John Mayall And The Bluesbreakers, Mick Jagger separava-se da cantora Marianne Faithfull para começar seu relacionamento com Bianca Perez Moreno de Macías, ativista social e advogada de direitos humanos. Keith Richards se afundava nas drogas com sua esposa Anita Pallenberg, e o trágico festival de Altamont, o ‘Woodstock sem policiais’, onde um jovem que apontou uma arma para o palco com a intenção de matar Mick Jagger foi assassinado pelos Hell’s Angels contratados como seguranças. Os impostos ingleses tornam-se tão altos e a perseguição da polícia tão acirrada que os rapazes se vêem obrigados a se mudar para a França.

O custo de todos esses prejuízos obrigou o Rolling Stones a realizarem uma lucrativa excursão americana, lançaram um disco ao vivo (o estupendo “Get Yer Ya-Ya’s Out”) e finalmente lançarem um novo disco de músicas inéditas, o primeiro a trazer a participação efetiva de Mick Taylor como guitarrista (já que ele apenas gravou overdubs para as músicas “Live With Me” e “Country Honk”, do disco “Let It Bleed”), o primeiro dos Rolling Stones por uma nova gravadora, e somando a tudo isso, uma capa do genial Andy Warhol. A data em que foi parido, 1971. Os pais, Mick Jagger no vocal, Keith Richards e Mick Taylor nas guitarras, Bill Wyman no baixo, Charlie Watts na bateria e vários músicos de apoio, Stones honorários. O nome da criança, “Sticky Fingers”. O disco mais chapado e um dos mais marginais da carreira da banda. Nenhuma das dez faixas fala de um tema mais sutil – todas estão, direta ou indiretamente, ligadas às drogas.

O disco já começa mostrando ao que veio: cansados de todos esses problemas que os deixavam aborrecidos, o indestrutível Keith dispara um de seus riffs mais marcantes junto a Mick Taylor, em uma tremenda fome de guitarra, e o eterno sexto stone Ian Stewart toca piano da maneira mais empolgante o possível. Jagger começa a cantar uma letra chutando o saco de mil tabus, falando sobre escravidão, sexo interracial e principalmente, uso (e abuso) de heroína. Heroína esta, que ao ser misturada com éter e adquirindo uma coloração marrom, deu inspiração ao nome da música: “Brown Sugar”. Um dos maiores clássicos da banda, obra prima verdadeiramente marginal. Tente não cantar com Mick J. o refrão “Açúcar marrom/Como você tem um gosto tão bom?”, por mais que você odeie qualquer entorpecente. E como se não bastasse, tem o maravilhoso saxofone de Bobby Keys solando furioso. Perfeita em todos os sentidos, do primeiro ao último segundo. Um literal arraso.

“Sway” entra com um riff de guitarra desafiador que logo se torna mais melódico, abrindo espaço para Jagger cantar em um ritmo mais cadenciado, até desembocar no maravilhoso refrão e suas hipnotizantes reviravoltas, em uma música que versa sobre o quanto drogas podem deixar alguém mal, com o eu-lírico falando diretamente com os narcóticos, que o dominaram totalmente; Mick Taylor bota para foder com dois solos de cair o queixo, deixando o ouvinte boquiaberto ao solar primeiro ao estilo bottleneck (deslizando uma garrafa sobre as cordas), e depois encerrando a canção com o que podemos facilmente chamar de um dos dez melhores e mais marcantes solos da história do Rock.

A canção número 334 na lista de “500 maiores canções de todos os tempos” pela Rolling Stone. Essa é a balada “Wild Horses”, onde tudo é perfeito, os arranjos emocionantes, um piano terno e Mick Jagger no auge do seu potencial interpretativo. A letra foi escrita após Marianne Faithfull consumir uma quantidade excessiva de heroína, quase morrer em decorrência de uma overdose, e ao ver um preocupado Jagger ao lado de sua cama de hospital, dizer: “Cavalos selvagens não conseguiriam me carregar embora”, que acabou se tornando o refrão da música. Uma letra um tanto poética e realista sobre perdas, dificuldades e tristezas, fazendo da mesma um dos melhores e mais simples tratados sobre relacionamentos. Aí que você vê como escrever sobre música é difícil... Na opinião do gringo que listou a música, ela merece um 334º lugar. Na minha, pelo menos entre as 50 primeiras.

Para um disco tão chapado, nada melhor que uma overdose de obras-primas. Agora ouvimos “Can’t Your Hear Me Knocking”, com uma letra indo aos raios da marginalidade e sexualidade voraz. A bateria de Charlie Watts mostra enorme segurança e Keith exibe aqui um dos seus riffs mais famosos. E não é só isso. Quando está chegando aos três minutos, a canção abandona o rock para ingressar numa viajante jam, onde o músico Rocky Dijon dá um clima caribenho a musica com suas congas, o sax de Bobby Keys imprime uma parte jazz de respeito e o monstro Mick Taylor roubando a cena com um solo digno de Carlos Santana. Ao se encaminhar para o final, a música funde todos os mundos pelos quais viajou nos seus sete minutos e dezesseis segundos. Presença obrigatória em qualquer lugar onde se fale de música criativa e inovadora.

“You Gotta Move” é puro Delta blues da primeira metade do século 20. Aqui temos a performance minimalista de Charlie Watts no chimbal, os backing-vocals gospel de Mick Taylor, o riff rústico e primitivo das guitarras, e enfim Mick Jagger, esse branco com alma negra, destilando uma safada letra com sotaque de um autêntico negão sulista americano: “Você tem que se mexer, você tem que se mexer, criança, você tem que se mexer...”.

As guitarras nervosas dão o tom dessa música realmente fazer jus ao título obsceno de “Bitch”. O vocal agressivo de Jagger, então, nem se fala. A sessão de sopros por parte de Keys e Jim Price soa mais alta que nunca. Taylor solando mostra o que é rock elétrico e cheio de melanina. A letra indignada fala de todas as decepções amorosas do vocalista, pela sua inconstância na hora de reagir a uma provocação. Uma autêntica aula de aspereza que poucos têm moral para fazer.

“I Got The Blues”. Ninguém tinha mais dúvida disso, mas ainda sei os Stones fazem questão de afirmar. Surge uma balada sofrida, característica perceptível tanto nos acordes espaçados quanto na voz alta e atormentada de Mick Jagger. O baixo de Wyman se pronuncia como nunca aqui, e Billy Preston nos entrega um rasgador solo no órgão. A sessão de sopro de Keys e Price só ajuda a dar mais sentimento a esse tremendo gospel/soul. A letra fala de quando Jagger se separou de Faithfull. Diz que precisará de tempo para esquecer dela, e que “o amor é uma cama cheia de tristeza”. Isso é o que qualquer um com um mínimo de sensibilidade chamaria o que temos aqui de música transbordando emoção.

E falando em Marianne, a mesma dá indiretamente o belo ar de sua graça em “Sister Morphine”, que teve a letra escrita por ela e teve a ajuda de Jagger e Richards para completar a parte musical. Keith Richards mostra habilidade ao violão, junto a Ry Cooder na guitarra bottleneck, somando ao piano de Jack Nitzsche. A pessimista letra é a mais direta de todas sobre o uso de drogas, com versos como “Vamos lá, irmã Morfina/É melhor você fazer a minha cama/Pois você sabe e eu sei/Que de manhã estarei morto”. A música havia sido lançada por Faithfull como single no ano de 1969, mas acabou sendo banida das lojas devido à sua forte temática. Restou a uns certos ingleses o dever de eternizar a canção de uma vez por todas.

Gravada no Alabama, temos agora a canção “Dead Flowers”. Mick Jagger assume o violão, e todos os músicos que tocaram no álbum até agora aparecem todos em seus respectivos instrumentos compondo um melódico rock de refrão inflamado, com a canção inteira falando do relacionamento de Jagger com uma tal de Susie, mas logo se vê que a canção é um tratado sobre drogas, com raiva imensa de ser desprezado pela garota, afirmando que enquanto ela se diverte, “estarei no porão/com uma agulha e uma colher/e outra menina para aliviar minha dor”. E no clássico mau-mocismo Stoniano, o refrão tem toda aquela marra de “se você se acha a fodona, vai sonhando”... Se isso é um clichê? Tudo bem. São um dos criadores que estão utilizando-o.

Chegamos na última canção, em uma das eleitas melhores baladas stonianas. O nome, “Moonlight Mile”. Modificando o arranjo de um fragmento gravado por Richards, Taylor obteve uma sessão de cordas de sonoridade asiática, com Jagger também participando do riff acústico. Assim como muitas das canções dos Stones, tem uma letra uma tanto metafórica e misteriosa, mas parece falar das alienações da vida na estrada.Insatisfação com o próprio show business, resumidamente. Um fim perfeito, recheado de belas melodias, onde já vemos os já cansados Stones entrando em êxtase, enquanto duas agulhas – a da vitrola e da seringa – compartilham espaço nos sentidos do maravilhado ouvinte.

O que dizer, sem cair no clichê? Que isso é um autêntico álbum de Rock And Roll com letras maiúsculas? Que poucas bandas teriam alma, melanina e blues o suficiente para gravar algo do tipo? Que esse é um item indispensável para entender as últimas décadas da música pop? Que se não fosse por discos como esse pelo menos metade das bandas de hoje não teriam onde buscar seu referencial? Para que repetir tudo o que já foi dito? Não há necessidade. A única e real necessidade é ouvir esse disco que periga chapar de tão marginal, insano e junkie, e o melhor de tudo, sem rebordosa nenhuma.

The Who - Who's Next

2007-08-01T23:17:00.001-03:00

O The Who sempre pareceu (e foi) uma banda digna de figurar no panteão das bandas preferidas de qualquer um. Tinha Roger Daltrey, que impressionava pelo seu vocal rasgado, másculo e imposto, uma das primeiras vozes nas quais se pensa quando o assunto é rock; tinha os power chords ensandecidos e abrasivos de Pete Townshend; tinha os acordes sólidos, técnicos e rápidos do baixo de John Entwistle; e Keith Moon com sua técnica visceral e impressionante. Não obstante as qualidades musicais eram verdadeiros selvagens enlouquecidos, capazes de beber, cheirar e injetar todas e fazer do palco um lugar a ser devastado. Como Ron Asheton, guitarrista dos lendários Stooges, explicou uma vez, ir a um show do Who era uma experiência de pandemônio total – Daltrey girava o microfone como um helicóptero, Pete estilhaçava a guitarra no chão e depois a jogava contra os espectadores, Entwistle tratava o inferno que o cercava como um templo budista, e Moon fazia pouco caso da sua bateria, furando as peles, arremessando pratos e chimbal longe, chutando o bumbo sabe-se lá onde... Nenhum comprometimento com opiniões conservadoras, o puro espírito rebelde, inconseqüente e primitivo do Rock And Roll.

Sendo uma das poucas bandas sobreviventes da Invasão Britânica - juntos aos Rolling Stones e os Kinks - que assolou os Estados Unidos e conseqüentemente o mundo nos anos 60, o The Who já havia trilhado os caminhos do rock juvenil em “My Generation”, primou pelo experimentalismo em “A Quick One/Happy Jack” e “The Who Sell Out”, consolidou a ópera-rock com o clássico “Tommy” e ensinou o que era um disco ao vivo com “Live At Leeds”. E como no caso dos Stones, a banda não perdeu o fôlego por atravessar o ciclo dos sete anos a qual tantas bandas que fazem sucesso sucumbem. E o primeiro álbum de inéditas da banda dos anos 70 teve a difícil missão de manter o nível de toda essa trajetória meteórica.

E conseguiu. “Who’s Next” tem uma das capas mais insolentes já feitas por uma banda – o quarteto indo embora após urinar em um antigo monumento, com todos da banda ajeitando o zíper das calças. Originalmente, era um projeto de Townshend designado para ser uma ópera-rock futurista intitulada “Lifehouse”, mas após o mesmo quase ter um colapso nervoso, surgiu com o álbum resenhado agora.E como todo bom e clássico disco dos Who, trazia sua pitada de inovação – além de ressurgir como uma banda de rock pesado e de arena, tornando-os dignos rivais do Led Zeppelin, o álbum em questão, combinando guitarras acústicas, sintetizadores, teclados modificados e ecletismo vocal, montando uma coleção única e dinâmica de canções poderosas e marcantes.

O álbum já fascina desde a primeira canção. Aberta por um sintetizador que transmite um clima totalmente futurístico tem início “Baba O’ Riley”, um dos grandes clássicos do rock mundial. Um clássico visionário e à frente do seu tempo, um rock que tem grandes melodias de guitarra, um dos desempenhos mais minimalistas de Keith Moon e uma grande performance de Daltrey, cantando uma letra que fala sobre orgulho juvenil e aceitação, em uma ambientação lírica quase bárbara, que culmina no refrão “Não chore/Não levante seu olhar/É só devastação adolescente”. Essa pré-história futurista ganha contornos eruditos quando surge o solo de violino, fazendo jus ao título que funde os nomes do filósofo Meher Baba e do músico experimental Terry Riley.

“Bargain”, apesar do início calmo, logo se metamorfoseia em uma porrada de respeito, com os power chords de Pete entrando pelo ouvido e logo vir Daltrey alternando vocais rasgados e vocalizações mais emocionadas no momento mais cadenciado da canção. A letra é introspectiva, onde Pete, apesar de inicialmente parecer romântico, conversa com o próprio ego, segundo o próprio – daí vêm versos como “Para te encontrar/Vou afogar um homem não celebrado” que acabam desembocado no refrão “Eu chamaria isso de barganha/A melhor que eu sempre tive”. A bateria de Moon cresce ao final, onde ele mostra toda a sua pegada e força com as baquetas, enquanto a guitarra de Townshend ruge em resposta.

A próxima é “Love Ain’t For Keeping”, uma balada com desafiadoras e ousadas melodias, com palhetadas poderosas das guitarras acústicas repartindo espaço com lindas melodias de guitarra, e o baixo de Entwistle está um monstro sustentando a diferenciada balada. Mas logo se vê uma valiosa lição: amor não deve ser mantido em segredo nem esquecido. Ao final de cada estrofe, onde o amor do eu lírico parece se distanciar do mesmo, ele repete “deite-se ao meu lado/amor não é para guardar”. Mágica.

Toda grande banda tem seu gênio silencioso. Os Beatles tinham Harrison, os Stones tinham Brian Jones, o Who tinha John Entwistle. E agora ouvimos a composição do mesmo, “My Wife”, única do álbum não composta por Townshend. Além de tocar baixo, o mesmo canta e toca piano. Um dos hits imediatos dos shows, a música foi escrita após o mesmo discutir com sua mulher, Alison, daí a letra paranóica, sobre um cara que bebeu demais e se perdeu na vizinhança errada, agora está com medo da mulher vir atrás dele o perseguindo e acusando-o de infidelidade. A mesma achou a música tão bem-humorada que sugeriu que durante a execução da música em concertos, ela entrasse com uma arma de mentira no palco e perseguisse os membros da banda. A música em si é de deixar qualquer um perplexo, com suas progressões antes do refrão e suas vocalizações um tanto debochadas.

“The Song Is Over” é uma das canções mais complexas da história da banda, fazendo desta uma das canções do álbum nunca tocada ao vivo. Uma balada guiada por um belíssimo piano do músico convidado Nicky Hopkins e o vocal de Townshend, e a certo ponto entra a bateria de Moon forte como uma série de chutes no peito, e a canção explode em inúmeras reviravoltas, guitarra, piano e cozinha em belíssimo contraste, enquanto uma triste letra de um amor que chegou ao fim e agora o eu lírico tem vontade de cantar sobre a natureza e para as pessoas livres, tentando esquecer um amor que apenas o feriu. Belíssima em todos os aspectos.

Novamente um belíssimo piano de Nicky, é introduzida ao ouvinte “Gettin’ In Tune”, canção cadenciada onde Daltrey retoma os vocais para cantar sobre estar cansado de falar, falar e falar, querendo mais ação, olhar nos olhos, entrando em sintonia com a pessoa pela qual está apaixonado. O refrão tem grande impacto, com Pete e John fazendo backing vocals para Daltrey enquanto o mesmo vai do mais cristalino ao mais rasgado.

Pete retoma os vocais principais para cantar “Goin’ Mobile”, uma agitada canção com um desempenho fenomenal de Moon, abusando dos pratos que estouram aos tímpanos os vocais ora em falsete ora bem-humorados do guitarrista, e com uma letra glorificando os prazeres da vida enquanto se está dirigindo. O eu lírico vê a decadência da cidade, mas não liga – afinal, ele está dirigindo! Rápida e bem-humorada, a canção tem vários momentos onde os instrumentistas mostram a que vieram ao mundo, fazendo desta a outra música complexa do álbum que o Who nunca tocou ao vivo. É uma pena, pois sua eletricidade e inventividade são de cativar qualquer um.

Qual o fã de Who e do bom rock em geral que nunca ouviu a emocionante e sublime balada “Behind Blue Eyes”? Começando pela voz, instrumento por instrumento vai surgindo em harmonia – as cordas que enchem os ouvidos, o baixo ressonando e melodias etéreas fazendo o ouvinte viajar, e Roger canta “Ninguém sabe como é ser o cara malvado/O cara triste, por trás de olhos azuis/E ninguém sabe como é, ser odiado/E ser destinado a apenas mentir”. Com uma porrada de Keith, a canção vira um heavy-rock dos bons, com Daltrey engrossando a voz, passando por um magnífico solo e retornando à sua parte mais melódica para enfim encerrar-se.

“Won’t Get Fooled Again” fecha com louvor uma seqüência de canções magníficas. Uma epopéia de oito minutos novamente iniciada pelo sintetizador, para que logo entre uma pauleira das boas, com Entwistle parecendo um trem em movimento e a bateria inquieta de Keith Moon soando poderosa aos nossos ouvidos, com uma letra criticando a sociedade e os homens que a comandam, apoiando a revolução e ainda lembrando “Pegarei minha guitarra e tocarei/Igualzinho ontem/Depois eu vou dobrar meus joelhos e rezar/Nós não seremos enganados novamente!”. Piano e guitarras entram em um confronto furioso e mesmerizante, até que sejam interrompidas pelo sintentizador, que é suprimido pela entrada da bateria, e então surge Roger Daltrey escalando todos eles e dando um dos gritos mais primais já gravados, para que a letra então continue. Essa é, indubitavelmente, uma das melhores músicas da carreira dos britânicos, e por conseqüência, da música pop do século 20. Perfeita demais para ser descrita com palavras.

Seria muito fácil afirmar que o The Who é uma banda como poucas – genial, agressiva, inconseqüente, visceral, espontânea e criativa. Com capacidade de criar da batida mais dura até a melodia mais sensível, do berro mais animalesco à impostação mais cheia de feeling. Mas isso não bastaria. Todas essas afirmações não servem de nada se cada acorde não chegar aos ouvidos do ouvinte e deixa-lo fascinado, descobrindo que um dos muitos sinônimos de Rock And Roll se chama The Who. E pedir para que a mídia pare com a emissão de tanto lixo fonográfico... We won’t get fooled again!

Junkiebox #4

2007-07-28T23:25:00.000-03:00

(Colaboraram: Nat, Bêr e Luden)

Manic Street Preachers - Send Away The Tigers: Tudo indicava o fim da banda: lançamento de coletâneas, compilação de b-sides, e ainda projeto solo dos integrantes. Pois se enganou quem pensou que esse seria o fim. Após três anos de férias, o Manic Street Preachers se reúne para a gravação do oitavo disco da banda. E que disco! “Send Away The Tigers” reúne o melhor da banda: rock, refrões grudentos, letras politícas, e muita distorção. Além de tudo, uma das melhores canções do disco, “Your Love Is Not Enough”, tem a participação de Nina Gordon (The Cardigans). E, por enquanto, pode ser considerada uma das melhores (e mais grudentas) músicas do ano.
Ouça: Your Love Is Not Enough

Smashing Pumpkins - Zeitgeist: Com o fim da banda, anunciado em 2000, já não havia mais esperanças da volta, como houve com o Manic Street. Durante essa longa parada, Billy Corgan até chegou a montar outra banda e seguir carreira solo, mas nada que se compare ao Pumpkins. “Zeitgeist” aparece depois de 7 anos sem Smashing Pumpkins. Têm canções fortes, gritadas, guitarras pesadas, aquela pegada na bateria, e a voz inconfundível de Corgan. Um disco considerado político, com direito a Paris Hilton na capa do single “Tarantula”. No mínimo curioso, não? Não é o melhor disco do Smashing Pumpkins, mas é um bom disco para marcar o retorno de uma banda. Vale conferir as b-sides também, que são tão boas (ou até melhores) que algumas canções do disco.
Ouça: Doomsday Clock

The Shins - Wincing The Night Away: Sam (Natalie Portman) no filme “Hora de Voltar” (“Garden State”) disse: ”The Shins vai mudar a sua vida”. Se não mudou, é porque você ainda não ouviu esse terceiro disco da banda. “Wincing the Night Away” começou bem: estreou na segunda posição na lista semanal dos discos mais vendidos da Billboard, isso porque o álbum já havia vazado na internet em outubro do ano passado. Confesso que não me apaixonei pelos dois primeiros álbuns da banda. Mas esse álbum me fez rever alguns conceitos sobre os outros. Melodias agradáveis, violão na medida certa, canções simples e viciantes: um pop elegante que pode conquistar qualquer um.
Ouça: Sea Legs

Patti Smith – Twelve: Em se tratando de Patti Smith, pode ter certeza que é coisa boa e respeitável. Afinal, não é todo dia que uma mulher revoluciona o rock. Dessa vez, após 30 anos de carreira, Patti Smith faz belíssimas interpretações de algumas músicas que marcaram época. O disco começa com “Are You Experienced”, seguida por “Everybody Wants to Rule the World”, um cover bem parecido com o original, o que decepcionou quem esperava versões diferentes. O disco tem covers do Stones, Neil Young, Paul Simon, The Doors... e Nirvana! Em “Smells Like Teen Spirit”, Patti troca a guitarra distorcida de Kurt Cobain por um banjo. Yes! Um banjo... e ficou muito bacana por sinal. “Twelve” é um bom álbum. Corajoso da parte de Patti, já que muitos criticam como “ela está velha e não tem mais canções novas...”. Mas pra que se preocupar com isso? Patti Smith não deve provar mais nada a ninguém.
Ouça: Smells Like Teen Spirit

Wilco – Sky Blue Sky: Os bons ventos não pareciam soprar na face de Jeff Tweedy e cia. depois que o tecladista e guitarrista Jay Bennet - um dos principais responsáveis pela sonoridade da banda – abandonou o barco, fato este que deixou a banda em uma fase menos inspirada. E daí saiu o álbum menos experimental e menos country da banda. Sem se apegar tanto a Neil Young, o Wilco acabou soltando um trabalho extremamente pop e bastante sofrido, usando como referência principal os Beatles. Há um novo gás no Wilco, isso é fato. Mesmo tendo algumas das letras mais fortes já escritas por Jeff, os fantasmas do disco anterior parecem acalmar. Do primeiro segundo de “Either Way” ao último acorde de “On and On and On”, de rocks quase-nervosos feito “Shake It Off” e “Hate It Here” a baladas acústicas como “What Light”, o ouvinte encontrará um dos discos mais emocionais e acessíveis dos últimos anos.
Ouça: Sky Blue Sky

Paul McCartney – Memory Almost Full: Definitivamente não é todo dia que temos um lançamento novo de um grande astro e gênio do Rock. Paul McCartney é um dos únicos desses sobreviventes que lança mais álbuns de estúdio que discos ao vivo. E o mais impressionante: com uma qualidade mais inacreditável ainda! Portanto, “Memory Almost Full” é motivo de comemoração. Um dos mais inspirados da carreira solo de Paul, lançado oportunamente na semana em que “Sgt. Peppers” completa 40 anos. Paul passa pelo rock pesado e dançante de “Only Mama Knows”, baladas leves ou densas, soa meio psicodélico em “House Of Wax” e “You Tell Me”, meio anos cinqüenta na dobradinha “Vintage Clothes” e “That Was Me”, faz um pop perfeito à lá Beach Boys em “Feet In The Clouds”... É uma gama de canções assustadora. Rei que é rei nunca perde a majestade, e Paul soube envelhecer muito bem e fez um discaço dos bons, variado, cheio de boas idéias, sempre olhando para frente, um senhor de 65 anos fazendo músicas que soam totalmente século 21! Paul nem precisa mais provar que é gênio, mas faz questão... Obrigado por tantas lágrimas e sorrisos vertidos em música, Macca!
Ouça: Feet In The Clouds

White Stripes – Icky Thump: Para quem achava que depois de um disco menos inspirado (“Get Behind Me Satan”) e aventuras de Jack White na excelente banda paralela The Racounters, os White Stripes estavam com os dias contados: podem voltar a sorrir (ou perder as esperanças, no caso dos detratores).O duo de garagem mais incomum, nostálgico e moderno do pedaço volta em preto-e-branco, já impressionando o ouvinte desde a faixa-título que abre o álbum, cheia de momentos graves e reviravoltas distorcidas. O quarteto transpira pop, distorção, inventividade e simpatia a cada acorde disparado, daí nascem pérolas como as pedradas “Bone Broke” e “Little Cream Soda”, o agressivo e indignado pop “You Don’t Know What Love Is (You Just Do As You’re Told)”, os grooves suculentos que explodem em uma bordoada rápida em “Rag & Bone”, a balada pulsante “A Martyr For My Love For You” e a obra prima “Conquest”, um misto de rock pesado com música caribenha, solos de trompete e Jack se despinguelando no refrão. Um dos melhores discos do ano, sem dúvida alguma.
Ouça: Conquest

Tori Amos – American Doll Posse: A cantora-compositora Tori Amos desde o início dos anos 90 mantém uma respeitável carreira solo. Mas parece que a nova década não vinha fazendo bem para a cantora, pois fora o bom disco de covers “Strange Little Girls”, “Scarlet’s Walk” caminhava entre canções marcantes e outras facilmente esquecíveis, e “The Beekeper” era, em sua grande maioria, bastante apagado. Ainda bem que envelhecer consiste em aprender com os próprios erros. Pela grande quantidade de canções, “American Doll Posse” tem um problema parecido com o de “Scarlet’s Walk”, mas as variadas idéias musicais da cantora salvam o disco da onda de marasmo. O fácil apelo pop de “You Can Bring Your Dog”, o peso roqueiro contrastando com lindas melodias de piano de “Teenage Hustling”, as ensolaradas “Secret Spell”, a forçuda “Body and Soul” e a lindíssima “Beauty Of Speed” já são motivos para ouvir esse disco sem medo de decepção. Tudo bem que não é sempre que a paciência é suficiente para ouvir um disco de 23 músicas, mas versatilidade é o que não falta aqui.
Ouça: Teenage Hustling

Interpol - Our Love To Admire: Esse terceiro álbum do quarteto de Nova York não traz nada de novo. Não surpreende, mas também não deixa a desejar. "Our Love To Admire" não é melhor que o primeiro cd da banda, "Turn On The Bright Lights", mas supera o seu antecessor, "Antics". Álbum que não mostra rumo novo, mas mostra que estão longe de se tornar apáticos, um ótimo terceiro trabalho.
Ouça: Rest My Chemistry

Art Brut - It's a Bit Complicated: Se você quer um cd pra ouvir quando está feliz indo pra praia, indo pro parque bater uma bolinha com os amigos, "It's a Bit Complicated", do Art Brut é uma ótima pedida. Não supera a fanfarronice bem feita do album anterior "Bang Bang Rock and Roll" mas não deixa de ser bom pra ouvir e gritar as letras, mais faladas que cantadas.
Ouça: Pump Up The Volume

Elliott Smith - New Moon: Elliott Smith se matou em outubro de 2003. Se ainda estivesse vivo, muitas das músicas desse álbum poderiam estar em algum álbum novo que ele fizesse. O cd tem 24 músicas, e conta com uma versão de "Miss Misery" só com a voz e o violão. Ótimo cd pra sentir saudade de Elliott.
Ouça: Angel In The Snow

Superguidis - A Amarga Sinfonia do Superstar: Muitas horas ouvindo Pavement, pés ba bunda e cotidiano foram alicerces para definir o som do Superguidis, banda de Guaíba e de Porto Alegre ( o guitarrista Lucas Pocamacha é de Porta Alegre e os outros integrantes de Guaíba) lança seu segundo album pelo Senhor F com algumas músicas dos singles anteriores, como "Ainda Sem Nome" e "Riffs" (que é uma música bônus nesse cd) e inéditas. O álbum mantém o mesmo estilo do outro, com a mesma animação e letras engraçadas. Grande banda sulista, uma das melhores do nosso país hoje em dia.
Ouça: A Exclamação

Led Zeppelin II - Led Zeppelin

2007-07-22T19:13:00.000-03:00

É simplesmente indiscutível: Led Zeppelin foi uma das maiores bandas de rock de todos os tempos. Não há como negar, duvidar, argumentar contra ou afins. É clássica justamente por isso: é referência, é o máximo que conseguiram alcançar em muitos quesitos. Nenhuma banda que use guitarras e tenha vindo depois deixa de beber dessa fonte, direta ou indiretamente; mas, sinceramente, isso tudo não vale uma merda. O importante, proporções de magnitude à parte, é que mais ninguém conseguiu fazer com o blues, o folk e o rock and roll tradicional o que quatro dos melhores artistas do mundo fizeram. Sim, porque era uma banda simplesmente perfeita de acordo com os padrões do que é considerado “uma banda boa”. Talvez o melhor baixista de sua época, John Paul Jones tocava baixo elevando-o à posição de instrumento de destaque e não mero elemento de marcação. Led Zeppelin levou os solos de baixo de volta à tona. John Bonham é considerado por alguns o melhor baterista de todos os tempos, fazendo as batidas parecerem um espírito dentro das canções. Robert Plant criou a voz do hard rock setentista, com um tom agudo que parecia às vezes a própria voz da guitarra. E Jimmy Page, bem, ele simplesmente era os acordes da guitarra transformados em homem. Um dos melhores guitarristas de todos, e ponto final.

Depois de um disco de impacto – não para a crítica, infelizmente –, em que o blues rock chegou bem perto de se tornar heavy metal puro de altíssima qualidade, entraram numa turnê devastadoramente eletrizante, com performances no palco cruas e, por falta de palavra melhor, violentas, em um sentido musical. O segundo disco deles, que tem o título simples de Led Zeppelin II, reflete isso. Mas não, não é uma gravação rústica à la proto-punk, longe disso. É blues rock do melhor, com pitadas do que viria a ser o heavy metal, riffs incríveis, letras mais complexas e, resumidamente, o virtuosismo pleno do rock.

Um riff realmente cortante, um baixo que joga a cabeça para baixo e uma letra bluesy que acompanha todo o delírio: “você precisa esfriar isso/baby, não ‘tô brincando/vou te mandar/de volta à escola”. Sim, não faz muito sentido, e isso também é digno de nota: o rock estava perdendo o desleixo de seus primórdios. Aqui, em “Whole Lotta Love”, eles resgatam as canções simples e diretas, mas sem perder a complexidade. Aliás, não é pouco complexa uma canção com um verdadeiro orgasmo sonoro feito de sons do theremin, guitarra, baixo, sussurros etc., para logo depois a guitarra e todo o peso voltarem com uma energia que escorre pelas caixas de som. Um verdadeiro esporro.

O baixo entra logo após a voz de Plant, que canta sobre um amor não correspondido carregado de imagens líricas e fantasiosas, e as cordas vão desenhando um fundo para essa história, até o refrão chegar e haver uma explosão de barulhos para todos os lados. “What is and What Should Never Be” é magnífica. Além da melodia, puramente bela, tem uma vibração completamente rock ‘n’ roll, que leva o ouvinte a uma viagem com vários cenários...

Delta blues: é isso, “The Lemon Song” é uma das maiores homenagens ao blues feito no Mississipi. Até a letra, tipicamente descrevendo um amor à la bluesmen, do tipo “eu deveria ter de deixado há muito tempo”, tem versos tirados de “Killing Floor”, de Howlin’ Wolf, e “Travelling Riverside Blues”, de Robert Johnson (ambos altamente recomendáveis). Apesar de algumas seções serem mais lentas, os solos de guitarra aqui são estupendos, e o baixo continua sua velocidade à toda, plenamente audível, enquanto a bateria é esmurrada sem dó. Entre calmaria e fúria, nasce uma canção maravilhosa, desde os vocais até os instrumentos. É o blues em evolução plena.

Cordas leves tocando fazem a introdução de “Thank You”, talvez a música mais bela em sentidos líricos do Led Zeppelin. Com uma letra simplista – simplista, não boba –, os vocais soam serenos, enquanto declaram amor eterno: “se o sol se recusar a brilhar/eu ainda estarei lhe amando/quando montanhas ruírem ao mar/ainda haverá eu e você”. OK, foi Jimi Hendrix que idealizou as montanhas ao mar e o sol se recusando a brilhar, na canção “If 6 Was 9”, mas Plant transformou essas meras figuras em um tratado sobre o amor entre um homem e uma mulher. Enquanto o órgão de Jones vai apagando como uma respiração, a música acaba. É a música perfeita para se ouvir apaixonado.

Outro blues, isso, yeah. Um riff absurdamente foda, que faz a guitarra saltar entre os rugidos de Plant, que canta sobre um verdadeiro quebrador de corações, um “Heartbreaker”, como no título. Aqui o destaque é a guitarra, completamente influenciada pela maneira de se tocar do blues, com direito a um dos melhores solos de mister Page: cordas arrebentadas em formato a capella, numa improvisação (!) que, segundo alguns, inspirou Eddie Van Halen a tocar. Um verdadeiro estouro, velocidade plena, até voltar ao blues do começo, para terminar repentinamente, entre uma recuperada de fôlego e outro. Inacreditável.

Caralho, mais um riff destruidor. “Living Loving Maid (She’s Just a Woman)” é hard rock puro, dos mais poderosos. Não por isso ele deixa de ser rápido e virtuoso. A letra, agora, é mais uma das simples e aparentemente fúteis, falando da tal dama que, no fim das contas, “é só uma mulher”.

De batidas leves e acordes calmos nasce “Ramble On”, verdadeira viagem lírica, entupido de referências a O Senhor dos Anéis, com as tradicionais explosões de energia. Apesar do tema “medieval”, a melodia é folk rock puro, com vários instrumentos de corda sendo tocados ao mesmo tempo, num verdadeiro fluxo de sons. Apesar dessa estranha combinação, é uma canção muito, muito boa, daquelas que se toca algumas vezes seguidas quando é descoberta.

“Moby Dick” é um instrumental incrível, inicialmente mais guiado pelo riff – muito bom, p’ra variar – do que pela percussão, mas que logo se percebe ser um verdadeiro show de baterias, pandeiros e feeling. Isso, claro, até começar a suíte, o solo de bateria de John Bonham, que faz com que as batidas se tornem cada vez mais primordiais, algo realmente próximo do tribal, para depois lhes dar uma rapidez e uma multiplicidade que nos remete aos nossos próprios batimentos cardíacos, cada vez mais fortes. Logo depois, as guitarras novamente se entrelaçam ao baixo para terminar uma das melhores faixas instrumentais do rock.

E, uou, isso é puramente blues. “Bring It on Home” engana, principalmente por ser em grande parte um cover de Sonny Boy Williamson II, composta por Willie Dixon. Desde a gaita, até a linha de baixo, passando pelo vocal assustadoramente negro, é um blues clássico. Mas então, de repente, as guitarras berram e a bateria é estraçalhada violentamente, para que a última música do disco seja não só um blues rock, mas um misto deste com o hard rock puro e cru. A letra continua a ser bluesy e simples, mas a interpretação de cada um dos membros da banda termina o álbum em grande estilo, cada um destilando toda sua capacidade musical em riffs, toques, batucadas, solinhos etc. Tão repentinamente quanto veio, essa seção veloz dá lugar à gaita do começo, e o disco acaba, um segundo antes do ouvinte exclamar “merda, acabou”.

É o disco máximo do Led Zeppelin, é um clássico indubitável. É aqui que o hard rock começa a ser realmente definido. Hendrix pode ter chegado perto, os Who também, e um pouco de toda aquela cena de grupos de blues como o Cream, os Yardbirds etc., mas quem realmente definiu o estilo foi Led Zeppelin e seu disco “II”. Depois dele, quase ninguém conseguiu fazer música rápida sem ouvir isso. Uma obra-prima, caso raro em que absolutamente todas as faixas são indispensáveis. Sinto falta de novos clássicos assim...

Ira! - Psicoacústica

2007-07-15T23:35:00.000-03:00

Missão difícil ser o Ira!. Destoando desde cedo de grande parte do levante oitentista de rock - um exército de bandas que não trazia nada de novo e preocupava-se em fazer uma versão brasileira e hedonista de Smiths, The Cure, The Police e U2 - ao buscar suas referências em The Who, Jam, The Clash, Television e Hüsker Dü, ou seja, um som mais direto, primitivo e garageiro, com letras mais conscientes, amadurecidas e inquietas. Começaram a escrever o seu próprio capítulo na história do Rock com os LPs "Mudança de Comportamento" e "Vivendo e Não Aprendendo", emplacando vários hits como "Núcleo Base", "Pobre Paulista", "Gritos na Multidão" e "Envelheço na Cidade" - o maior clássico da banda, conhecido até por não-roqueiros, e também atraindo inimizade da crítica da época, que incensava as cópias tupiniquins de pós-punk.

Mas o que fazia o Ira! um grupo apenas diferente agravou-se no disco seguinte. Mesmo com os Titãs e Paralamas do Sucesso deixando as chupações de lado e investindo em fórmulas mais ambiciosas e rebeldes, uma das poucas bandas que lançaram um disco que pode ser considerado "de vanguarda" no Brasil foram os meninos da Rua Paulo - na voz selvagem de Nasi, na guitarra com contornos de Jimi Hendrix, Jimmy Page e Mick Jones (The Clash) tocada por Edgar Scandurra, no baixo de Ricardo Gaspa e na bateria de André Jung. O ano, 1988. O nome? "Psicoacústica".

A capa do disco era totalmente estranha para os padrões da época - ao invés de músicos com roupas extravagantes ou ar blasé, via-se uma espiral verde e vermelha, que fazia efeitos com óculos 3-D. A estranheza só foi competida pelo brutal homem gritando em "Cabeça Dinossauro", o disco de rock cavernoso dos Titãs e pelo menino descabelado usando trapos no meio da selva em "Selvagem?", o disco dos Paralamas do Sucesso que traçou conexão entre o pop de grande circulação e o reggae, ska e ritmos regionais brasileiros. As letras eram fortes, chocantes, polêmicas e muitas continuam incomprendidas até os dias de hoje. E o som... Com uma ousadia que poucas bandas daqui tiveram.

O disco já mostra ser diferente desde a primeira música, "Rubro Zorro". Iniciada com uma bateria seca e na lata, a música ganha contornos de trilha sonora, com o baixo golpeando os ouvidos como machadadas no córtex. Após vozes de introdução, Nasi começa a cantar sobre o mais famoso psicopata brasileiro, o Bandido da Luz Vermelha. "O caminho do crime o atrai/Como a tentação de um doce", canta o vocalista sobre uma pessoa comum que começou a cometer uma série de crimes horripilantes, até ser calado pela justiça. Mas segundo a letra, tal tática não funcionará, pois maníacos estão vindo de todas as partes. E é aí que temos uma performance guitarreira monstruosa por parte de Edgard Scandurra, um solo onde podem ser sentidas as gotículas de suor escorrendo pela pele do guitarrista, ao detonar a parte mais intensa da música. A parte mais bruta e forte de mais de quatro minutos de pura tensão.

Quando se fala em bandas e discos de vanguarda, uma das bandas mais imediatamente lembradas é o Velvet Underground; pois bem, aqui apresento para os leitores a "Sunday Morning" brasileira, e recebe o nome de "Manhãs de Domingo". Um coral com ares clássicos inicia um rock furioso em que o vocalista canta "Nas manhã de domingo/Parece que todos olham para você/Atravessando as ruas/Sem olhar pros faróis", com uma cozinha pulsante e guitarras gritando quando Nasi não canta. Mesmo quando descamba em compassos lentos, a música ainda transpira um clima de paranóia e inquietação onipresente do primeiro ao último segundo.

"Poder, Sorriso, Fama" é uma crítica explícita ao mundo do showbizz. Em um ritmo cadenciado que cresce e explode em guitarras imediatistas e se retrai em vocais inconformados, dizendo que público e mídia não se preocupam em entender o que se passa dentro da cabeça de alguém famoso, apenas querem sugar sua essência o máximo possível. E são esses mesmos fãs e essa mesma mídia tão atenciosa são os primeiros a darem tiros pelas costas dos famosos que não vivem apenas seguindo o jargão do título, que o eu lírico considera bastante decadente e efêmero ao alternar "fama" com "lama".

As críticas continuam furiosas, e com o perdão do trocadilho, iradas. Temos agora a lenta "Receita Para Se Fazer Um Herói" que hora flerta levemente com ritmos jamaicanos, ora ganha guitarras e batidas graves e intensas, alcançando um clima new-wavista, até ganhar um trompete bastante influenciado por jazz no seu final. Irônica e parodiando os programas de receitas, a banda dá os ingredientes e o modo de fazer um perfeito herói: pegue um homem feito nós, torne sua carne saborosa e desejada, adicione fome e ódio... E sirva ele morto na mesa. Aí você tem um perfeito mártir para que a geração presente e as futuras idolatrem alguém apenas porque a pessoa morreu no auge da fama, pouco se preocupando em entender o artista, apenas por uma atitude cool e blasé.

"Pegue Essa Arma" tem uma das introduções de baixo mais sombrias já gravadas, compartilhando espaço com uma excelente e vibrante sessão percussiva. Então entram as dramáticas guitarras, nos fazendo imaginar um confronto violento. Scandurra prova o porque de ser um dos melhores (e talvez o melhor) guitarrista que já pisou em solo nacional com riffs, solos e distorções de deixar o ouvinte boquiaberto. A bateria de Jung estoura aos nossos ouvidos enquanto Nasi e Edgar compartilham fortes versos como "Sua cegueira mais e mais me complica/Se sua roupa vale mais que a comida" e "Tiro Ianque para cima/Me acertou na testa". "O terceiro mundo vai explodir! Quem estiver sem sapato não sobra!" grita uma voz aterrorizante. "Pegue essa arma! Pegue essa arma! Pegue essa arma!", berra Nasi em resposta. A música termina mortalmente ao Nasi afirmar novamente sobre o tiro levado.

Podem ficar irritados o quanto quiser com o Ira!, mas é isso aí; uma das bandas de Rock mais emblemáticas da nossa história compôs uma música que leva o singelo nome "Farto do Rock And Roll". Um riff hard rocker abre a canção, e o ritmo da percussão parece uma tempestade ritmada de socos. Talvez o hard rock mais sério já feito, o Ira! chuta os bagos do comodismo, do tédio, do conformismo e da alienação que atinge grande parte do público roqueiro. Por não conseguir enfrentar os próprios problemas, o eu-lírico simplesmente se acomoda e vai assistir a um show de rock. Ao invés do solo, Scandurra mete um scratch de rap e Jung batuca latas, procurando, como a própria letra afirma, outros sons, outras batidas, outras pulsações. "Fim de semana sim/Fim de semana não/Às vezes tudo bem/Às vezes sem razão/JÁ ESTOU FARTO DO ROCK AND ROLL".

"Advogado Do Diabo" é a mais curta do álbum, e musicalmente uma das mais exóticas: o encontro do samba com Nasi dando uma de MC. Soturnas melodias compartilham lugar na música, sintetizando praticamente o disco inteiro, um ataque aos males da vida moderna. E a todos que acusam o Ira! de escreverem sobre psicopatas, criticarem um dos ritmos de música mais populares do mundo, esculhambar com o show business e a sociedade, Nasi responde: "Me diga promotor/O seu tempo já passou/Quem é o vilão dessa história?". O tribalismo de alguns momentos só combina com o refrão "Atire a pedra no pequeno/Mas um dia você vai se queimar". Se o propósito é não deixar pedra sobre pedra, a banda cumpre o papel com maestria.

E o álbum encontra o final com "Mesmo Distante", mostrando o único momento mais sentimental do álbum. Sobre cordas e efeitos dignos das bandas que tocaram em Woodstock, o eu-lírico reflete, dizendo que uma hora o álbum teria de ser engolido e digerido: "Se você sabia das razões/Que eu tinha pra voltar/Hoje sabe por que não fiquei/Por que não fiquei". Engolido pela lisergia da capa e da sua última canção, o disco some tão misterioso quanto começou.

Chega o fim de um dos discos mais injustiçados e incompreendidos da história do Rock. A banda nunca conseguiu chocar tanto de novo. "Psicoacústica" é, por muitos méritos próprios, o disco definitivo do Ira!, onde a banda explorou todos os seus limites, expressou toda a sua insatisfação, e se distanciou do punk rock paulistano ao invés de questionar os efeitos do capitalismo sobre a classe operária, passou a questionar os efeitos do capitalismo sobre o ser humano em si. Mesmo que estejam fartos dele, esse é o espírito do rock: o caráter libertador, contestador, revolucionário e incoformado.

Enfim, muitas palavras já foram ditas sobre esta obra-prima e cabe ao leitor decidir se tomará a obra como um dos discos mais corajosos e originais que uma banda já resolveu gravar, ou se, assim como a maior parte do público que gosta do Ira! apenas de passagem, o considerará comida entalada na garganta. O fato é que depois deste álbum e outros que primavam pela insatisfação e revolta com o marasmo, a música pop nacional nunca mais foi a mesma. Para melhor ou para pior.

The Smiths - The Queen Is Dead

2007-07-09T17:35:00.000-03:00

Principalmente na história da música pop, as coisas não são criadas do nada. Cada ritmo novo, cada ousadia nova, cada ícone novo existe para a maior parte da população por causa de um propulsor. Se os Beatles transformaram rock and roll em arte com "Sgt. Peppers...", é porque no ano anterior os Beach Boys os desafiaram com todas as orquestrações e musicalidade perfeita de "Pet Sounds". Quando os Sex Pistols chocaram com suas atitudes e verborragia de "Nevermind The Bollocks...", os Ramones já haviam definido os alicerces sonoros que os Pistols usariam para cuspir na cara da rainha. E se nos anos 80, quando o U2 lançou "The Joshua Tree", dando lugar na lírica ao sentimentalismo e altruísmo ao invés do hedonismo e destaque para as melodias de guitarra ao invés dos sintetizadores da new wave, um ano antes os britânicos The Smiths encheram um álbum de guitarras, críticas sociais, introspecção e poesia. A rainha cuspida seria então morta.

Formados em Manchester pelo vocalista e letrista Steven Patrick Morrissey e o guitarrista Johnny Marr, os Smiths pareciam recuperar uma imagem que tinha sido perdida há muito tempo. O encontro das guitarras elétricas com o lirismo, dos instrumentistas rebeldes e selvagens com uma voz intensa e dramática. Acompanhados do baixista Andy Rourke e do baterista Mike Joyce, os Smiths já moviam polêmicas desde o início por falar sobre homossexualidade e vegetarianismo em suas letras, e também serem acusados de incentivar assassinato e pedofilia. Mas o golpe final ainda estava por vir. No ano de 1986, os Smiths lançariam seu terceiro álbum, cheio de raiva contra o sistema vigente inglês regido com mão de ferro por Margareth Tatcher, onde o eu-lírico de Morrissey vive em um mundo pútrido que não tem medo de denunciar. O álbum afirma, "The Queen Is Dead". O fim da nobreza, da falsa ilusão de uma Inglaterra que supostamente tinha um alto nível de vida, ou motivos para orgulho.

Um álbum com essa inscrição e a figura de um nobre morto (na verdade, uma foto de 1965 do ator Alain Delon), já parece denunciar o que vem por aí - este foi um álbum daqueles que mudaram o curso da história da música contemporânea, da quebra com a corrente principal da música, mas tudo familiar nos refrões marcantes e na voz carismática do vocalista. Buscando inspiração no punk setentista e no mais básico rock dos anos 50 e 60, o álbum ainda causa uma forte impressão aos ouvidos por confrontar tantos sentimentos com os ouvidos do ouvinte - solidão, desesperança, tristeza, depressão... Se na década anterior a blasfêmia ocorria por meio do esporro, aqui são os climas desoladores e sufocantes que ditam as regras de um jogo que os anos 80 já sabiam terem perdido, e não adiantava ignorar, como a New Wave e o Hair Metal faziam, nem lamentar sobre, como o pós-punk fazia. Em cada verso se constatava que os Smiths foram uma das bandas-símbolo do grande vazio, dos protestos de paz e abertura das portas da percepção que, no final, deram apenas em filhos tristes que encontravam em homens como Morrissey, Robert Smith e Ian Curtis uma pessoa com quem se identificar em um mundo de deuses acima de nossos reles problemas.

Abrindo com um coral zombeteiro de vozes que logo é suprimido pela bateria, temos então a faixa título, "The Queen Is Dead", onde desde o início já se mostra o talento como riffman de Johnny Marr e a ótima voz de Morrissey declamando a letra que parece descrever a cena que deu resultado na capa do disco. Um mundo decadente, onde Mozz questiona a sexualidade do príncipe Charles, desafia e insulta a realeza, passa por garotos de nove anos vendendo drogas, bares que viciam e Igrejas que tomam até o último centavo dos fiéis. "A rainha está morta, garotos", declara o vocalista, "e é tão solitário no purgatório"...

"Frankly, Mr. Shankly" abandona a condição de pop mórbido da anterior e investe em um andamento de reggae, com destaque para o baixo de Andy. Mas Mozz não poupa o ouvinte de sua ironia ácida. Em pouco mais de dois minutos, o vocalista corajosamente ataca o mundo do show business dizendo que quer se tornar uma estrela da música e do cinema, dizendo que não quer ser mais qualquer um, mas ainda assume que a sua vida medíocre o torna mais feliz que uma vida de corrompidos valores que é o mundo das celebridades.

Pisando no freio, agora temos "I Know It's Over", uma angustiada balada sustentada por um ritmo lento e doces melodias, elemento sobre os quais Morrissey deita a voz para dar uma interpretação magistral. Sua emocionada voz critica a futilidade das pessoas, questionando "se você é tão engraçado, inteligente, atraente... por que você está sozinho esta noite?". Ele clama o nome da mãe ao sentir o peso do mundo caindo sobre as suas costas e os instrumentos imprimem uma montanha de intensidade, e Mozz segue cantando cada vez mais fragilizado. "O amor é natural e real, mas não para pessoas como você e eu", declara ele em um dos versos mais fortes da canção.

"Never Had No One Ever" mantém o clima carregado no álbum, mostrando uma música cadenciada, com uma forte pegada da bateria e guitarras soando altas, graves, quase que em tom de alerta. Na letra, Morrissey afirma que sua vida inteira foi um pesadelo, olhando para a casa da pessoa pela qual é apaixonado, mas sentindo repulsa de si memso por sentir vontade de invadir. Ao final da canção, a voz do cantor torna-se fantasmagórica, parecendo ser ser suprimida pela guitarra cada vez mais alta, enquanto lamenta nunca ter tido ninguém.

Um dos clássicos da carreira dos Smiths, essa é "Cemetry Gates", com as melodias menos tristes até então; Mozz narra uma ida ao cemitério, em um "tenebroso dia ensolarado". Ele se lamenta por ver todas as lápides, refletir sobre todas as vidas encerradas, cada qual com dramas, paixões e histórias distintas, mas todas com o mesmo fim. O eu-lírico admite ficar com vontade de chorar, sentindo vontade de ir embora do cemitério para não se deprimir mais. Uma das músicas mais perfeitas de todo o álbum.

"Bigmouth Strikes Again" continua com a overdose de hits; dessa vez com melodias mais introspectivas, mas a bateria deixa um ritmo inquieto para Marr encher cada poro da música com exuberantes guitarras. Essa é uma canção direta sobre culpa. Morrissey declara sentir-se a versão moderna de Joana D'arc, atirado ao fogo por seus erros, por coisas que não foi realmente sério em dizer, ou que não queria dizer. A culpa é tanta que o mesmo afirma, "Eu não tenho mais direito de assumir meu lugar entre a raça humana".

Uma das letras mais fortes se faz presente em "The Boy With The Torn On His Side". Um cadenciado rock com uma das melhores performances de Johnny Marr (este, um dos mais importantes guitarristas dos anos 80, não por fama, mas sim por influência exercida nas gerações subsequentes). É contada então a história de um garoto literalmente atormentado, sempre com um "espinho ao seu lado". O eu-lírico não entende porque não acreditam em sua história, que para ele é tão real: do garoto com um desejo homicida e saqueador por amor, que mesmo tendo esse desejo nos seus olhos, continua desacreditado.

Nem as instituições religiosas escapam da visão de Morrissey que tudo está podre, e a prova disso é a canção "Vicar In A Tutu". Nela, Morrissey conta estar roubando chumbo do teto de uma igreja, quando olha para baixo e vê o vigário vestido com um saiote de bailarina. Mesmo chocado, entende que ele apenas quer viver a vida assim. Mais tarde, parece ficar chocado com a hipocrisia do vigário em taxar os outros de corrompidos, sujos e arrogantes, enquanto o mesmo tem segredos muito piores. A história é narrada por límpidas guitarras e uma bateria que segue trotando pela música inteira, e no final, tudo acaba em suspenso, quando Morrissey mistura a si mesmo com o vigário.

"There Is A Light That Never Goes Out" tem um valor especial para este que vos escreve. Na minha opinião, é a maior obra prima da carreira do quarteto de Manchester. Todos os elementos do álbum vem à tona aqui. A cozinha precisa, as lindas melodias de guitarra, as vocalizações marcantes e a lírica sublime de Morrissey somando-se em uma música perfeita da introdução, passando por verso e refrão, e chegando até o final sem perder o fio da meada. Na letra, Mozz declara que quer sair, ver as pessoas, ouvir música, enquanto o interlocutor dirige, ele declara que não importa nem se um caminhão de dez toneladas ou um ônibus de dois andares bater neles - "Que jeito divino de morrer (...), morrer ao seu lado/o prazer e o privilégio seriam meus". E é aí que percebemos qual é a luz que nunca se apaga a qual o título se refere. Merece estar em qualquer lista das canções mais emocionantes já feitas.

E fechando o disco temos a décima e última música "Some Girls Are Bigger Than Others". Irônico, Morrissey declara em um típico e redondo pós-punk, acompanhado de backing vocals espectrais, a obsessão sexual a qual todos os homens são submetidos. "Da idade da pedra até a era do desemprego, existe apenas uma preocupação, que eu acabei de descobrir: Algumas garotas são maiores que as outras". Citando e debochando de figuras históricas como Marco Antônio e Cleópatra, Mozz questiona inteligentemente toda essa cultura reprimida por tabus, que despreza o romance, trocando-o pelo hedonismo puro e simples. Um grande final de um grande disco.

Como foi dito, o U2 só chegou ao posto dos grandes e tiveram espaço para mostrar sua postura messiânica porque o caminho já havia sido pavimentado sonoramente antes por um grupo que pouco durou, consumido pelos problemas com a gravadora, bebida, drogas e conflito de egos, mas que deixou como legado uma influência enorme - influenciando todas as bandas pós-punk do mundo, incluindo aí todas aquelas do levante de Brasília. Até hoje, quando hormonais bandas explodem no mundo cibernético através do MySpace, ouvem-se traços da criatividade de Marr e da ousadia de Morrissey.

A rainha pode até ter morrido, os Smiths podem até ter acabado, Margareth Tatcher pode até não mandar mais na Inglaterra, mas a sombra da banda continua forte e presente no mundo atual. Os anos 80 realmente foram anos superficiais e vazios, de futilidade e sufoco, e poucas bandas representaram isso tão bem quanto os Smiths. Dez pérolas pop que ajudarão a entender (ou ao menos pensar sobre) a mais distópica e cruel das realidades - aquela que vivenciamos.